L'aire Pépin

Peter MacLeod

2012-02-04T14:31:00.001-05:00

20 janvier 2012 / Par Sonia Pépin /

Un air narquois et une naïveté enfantine irrésistibles…

« Assagi, MacLeod? Pas du tout », dixit Chantal Guy, journaliste au quotidien La Presse. Vieillissant drôlement bien, l’humoriste Peter MacLeod n’a rien perdu de sa vivacité et de son franc parlé. D’une gaieté communicative et d’un enjouement inaltérable, il se déclare rebelle insoumis. En ce vendredi soir, plus de deux mille personnes se sont rassemblées au Théâtre St-Denis, question d’entendre ses reparties incisives. Pour cette nouvelle création intitulée Sagesse reportée, le comique s’est inspiré du personnage de Simon Templar, de l’illustre série britannique The Saint, campé par Roger Moore.

Excellent conteur, MacLeod remporte un vif succès avec son humour cinglant et ses blagues irrévérencieuses, sur une mise en scène de Marc Gélinas. L’artiste a également fait appel à Louis-Philippe Rivard pour l’assister à l’écriture. Sur fond de projections multimédias, ce spectacle encensé par la critique présente un mur de lettres et des animations de bonshommes allumettes. D’entrée de jeu, les spectateurs sont conquis par une réjouissante parodie du célèbre justicier des années 60. À l’image du légendaire détective, l’indomptable Beauceron défend bec et ongle sa liberté. Bien que ce non-conformiste porte une sainte auréole sur ses affiches, il choisit volontiers de la laisser tomber tout au long de la représentation. Fier de son statut de célibataire endurci, MacLeod tente de convaincre l’auditoire de la pertinence de son mode de vie. Après mûres réflexions, l'incorrigible quadragénaire reste en marge des règles sociales imposées. N’est pas encore arrivé le jour où ce bon vivant deviendra plus sérieux. Pour lui, le propre du vieillissement n’est pas l’assagissement : « J’aime mon âge, je l’assume, mais 42 ans, c’est trop jeune pour être vieux », a-t-il plaidé.

Fidèle à lui-même, cet esprit curieux s’aventure dans des thèmes diversifiés et maintes fois abordés : âge, surconsommation, enfants-rois, horloge biologique, monde matriarcal, hyperactivité, changements physiologiques et sexe. Ses confidences percutantes, voire assumées, ont servi de fil conducteur à des sketchs hilarants, dont les frasques de son basset Émile ainsi que ses mauvais coups de jeunesse avec son ami Rodrigue. Avec sa bouille sympathique, le malcommode amuseur a provoqué bien des rires en relatant les anecdotes du cordonnier mal chaussé et celles des femmes rondes. Dans un moment rempli d’émotions, l’homme a rendu un vibrant hommage à sa mère. On y apprend qu’il a été diagnostiqué comme étant hyperactif : « Ce que je raconte est un fait vécu, c’est mon enfance. C’est ma vie que je raconte là », indique MacLeod.

D’un ton moqueur et enjoué, le farceur peut dire « au diable la sagesse » !

Vous pouvez consulter son site officiel à l'adresse : www.petermacleod.com

The Iron Lady

2012-02-01T11:27:00.001-05:00

13 janvier 2012 / Par Sonia Pépin /

Un personnage plus grand que nature…

Mélodramatique et apolitique, le long métrage The Iron Lady, réalisé par la cinéaste Phyllida Lloyd, en révèle bien peu sur le règne de l’impitoyable politicienne Margaret Thatcher (Meryl Streep). Scénarisé par Abi Morgan, ce récit biographique sur l’ancienne résidente du 10 Downing Street s’attarde beaucoup trop à l’aspect anecdotique.

Plusieurs fragments épars de sa vie personnelle et publique sont racontés sommairement. Sous forme d’insistants allers-retours dans le temps, d’anciens souvenirs remontent : engagement politique, affrontements, attentats terroristes de l'IRA, crise financière, guerre des Malouines, rencontre avec son mari Denis (Jim Broadbent), etc. Entre ces brefs moments de lucidité, l’octogénaire converse avec le fantôme de son époux, décédé en 2003, homme qu’elle croit toujours vivant.

Celle qui est devenue l’une des personnalités les plus critiquées du Royaume-Uni est magistralement campée par la fabuleuse Meryl Streep, sur une période de près de quarante ans. Grâce à son extraordinaire performance, autant l’attitude, la posture que l’accent, l’actrice américaine est en lice pour un Oscar. À ses côtés, le comédien Jim Broadbent est drôle et sympathique avec ses pitreries et ses accoutrements. Dans la peau des jeunes Thatcher, Alexandra Roach et Harry Lloyd impressionnent.

Souffrant d’hallucinations, bien que sénile, l’inflexible Anglaise est pourtant toujours en vie. Arbitrant les conflits avec fermeté, le sobriquet « La dame de fer » lui fut attribué par un journal soviétique, en raison de son mépris du communisme. Figure controversée pour son libéralisme absolu, cette féministe avant l’heure a su s’imposer dans le milieu ultraconservateur anglais et masculin de l’époque. Pionnière et unique femme élue « Première ministre » en Angleterre, de 1979 à 1990, cette modeste fille d'épicier dirigea le pays avec une poigne de fer. Sous son ère, sa volonté de tenir tête à ses conseillers et de faire face aux multiples attaques machistes de ses pairs, ainsi que ses décisions radicales, lui ont valu plusieurs ennemis.

Cette dure dirigeante britannique l’a souvent affirmé : « Ce n'est absolument pas négociable » !

Sherlock Holmes : A Game of Shadows

2012-01-30T11:25:00.001-05:00

10 janvier 2012 / Par Sonia Pépin /

Un deuxième chapitre explosif et haut en rebondissements…

À l’instar du volet initial sorti en 2009, Sherlock Holmes : A Game of Shadows s’avère aussi amusant et dynamique. Réalisée à nouveau par Guy Ritchie, cette relecture des écrits si connus de Sir Arthur Conan Doyle conserve la signature de la précédente version. Utilisant les mêmes habiles stratagèmes, le cinéaste propose un divertissement intelligent, voire audacieux.

Deux acolytes, l’excentrique détective Sherlock Holmes (Robert Downey Jr.) et le sceptique docteur John Watson (Jude Law), unissent leurs forces pour vaincre le machiavélique professeur d’Oxford, James Moriarty (Jared Harris). Cet adversaire de taille est qualifié de « Napoléon du crime » par l’illustre enquêteur privé et par son fidèle comparse. Ils découvriront que leur ennemi planifie de semer le chaos en Europe. Toujours aussi frivole et imprévisible, Holmes tentera de déjouer ses crapuleux plans. Une joute intellectuelle tordue s’installe entre eux. Ils se croisent, s’étudient à plusieurs reprises avant leur épique confrontation finale. Dans cette périlleuse aventure, le héros de Baker Street et son adjoint se feront aider par de nouveaux alliés : son frère aîné, le diplomate Mycroft Holmes (Stephen Fry), ainsi qu’une gitane (Noomi Rapace).

Conservant son léger côté western, la trame sonore de Hans Zimmer rehausse l’atmosphère de même que les décors et paysages magnifiés, signés Philippe Rousselot. Rares sont les moments de répit dans ce long métrage tantôt drôle et captivant, tantôt fantastique et rythmé. Toutefois, le minutieux réalisateur prend un malin plaisir à multiplier les scènes de combats dans lesquels il exploite l’angle, le ralenti et l’accéléré. Remplie d’action, l’intrigue est parsemée d’informations, d’indices et de pauses visuelles. Ceci permet aux cinéphiles de participer à l'élaboration et à la résolution de l'énigme. Cependant, ces innombrables décortications des combats à venir peuvent visiblement irriter et provoquer l’exaspération.

Au charme raffiné de ce duo d’acteurs en parfaite symbiose, formé de Robert Downey Jr. et de Jude Law, s’ajoute une atmosphère de bonne humeur et de camaraderie. Devant leurs facéties, impossible de ne pas rire. En homme diabolique, Jared Harris se veut la révélation du film. Quant à Noomi Rapace, elle campe la diseuse de bonne aventure de manière peu convaincante. Le comédien Stephen Fry incarne avec bonhomie le frère du célèbre cadet des Holmes. Sous la forme d'un « caméo », l’actrice Rachel McAdams ne fait qu’une courte apparition.

Somme toute, ce brillant observateur reviendra, avec ses ruses et déductions, pour un troisième opus !

Hommage à Lhasa de Sela

2012-01-25T11:55:00.003-05:00

7 janvier 2012 / Par Sonia Pépin /

Retour sur l’univers onirique de cette saltimbanque au magnétisme troublant…

En synergie avec Pop Montréal, une panoplie d’artistes et de musiciens étaient réunis, sur la scène du Théâtre Rialto, pour rendre un hommage à la regrettée chanteuse Lhasa de Sela. Celle-ci a succombé à un cancer du sein le 1er janvier 2010. Dans une ambiance de fraternité, les amis et proches collaborateurs de l’Américano-Mexicaine ont présenté une création intitulée La route chante.

Au programme, une trentaine de suaves mélodies, tirées de ses opus La Llorona, The Living Road et Lhasa, furent interprétées en anglais, français et espagnol. Guirlandes de lumière ainsi qu’un bazar d’instruments accompagnèrent toutes les prestations. Ces grandes retrouvailles commencèrent avec le titre Small Song, par les frères Brad et Andrew Barr, Sarah Pagé, Miles Perkin et Joe Grass. S’écoutaient fort bien, sur le premier extrait de l’album éponyme de la défunte auteure compositrice, Is Anything Wrong, les voix enchanteresses de Thomas Hellman et Katie Moore. Puis, sur un rythme enlevant, Patrick Watson joua la sympathique El Pájaro, avant de poursuivre avec Shelter From the Storm, une reprise de Bob Dylan. Suivit l’enivrante mélancolie du répertoire latino-américain, Los Hermanos, avec Bïa qui confia : « Elle est l'une des personnes les plus intègres que j'ai connues dans ma vie. » Ses acolytes Mario Légaré et Yves Desrosiers ont repris La Llorona, de Chavela Vargas, ainsi que Por Eso Me Quedo. Après l’entracte, avant que la rouquine Moore ne rejoigne Freddy Koella pour livrer Anyone and Everyone, celui-ci y alla d’un sublime solo à la guitare. Est apparu ensuite Jérôme Minière pour interpréter la pièce pop rock Un magasin qui n'existe pas, sur laquelle la Montréalaise d'adoption avait chuchoté. En compagnie de Marie-Jo Thério, l’émouvant Arthur H, venu de France, enchaîna On rit encore, première composition de la disparue écrite dans la langue de Molière. Se produisant sur la déchirante complainte Pa’llegar a tu lado, la harpiste Sarah Pagé a surpris la foule. Aussi, nul n’a su résister au charme de sa jeune sœur, Eden de Sela. Vivante réincarnation de la bourlingueuse, Alejandra Ribera a reçu une chaleureuse ovation avec El Desierto, un chant poignant. Enthousiaste, Socalled a offert Los Peces, aux accents tziganes. Défilaient, au rythme de la voix de Patrick Watson sur Soon This Place Will Be Too Small, des images de Lhasa de Sela, entre autres. Loin de l’oraison funèbre, cette commémoration d’environ quatre heures se termina en chœur et par tous, sur l’air de I Called You Back, de Bonnie Billy.

Folk, blues, musique gitane et sonorités latines ont résonné aux oreilles des spectateurs !

Eddy King

2012-01-20T06:52:00.002-05:00

6 janvier 2012 / Par Sonia Pépin /

Heureux amalgame de culture française, africaine, canadienne, québécoise…

Né en France de parents d’origine congolaise, immigré au Québec à 13 ans, l’humoriste Eddy King présentait sa première création scénique à caractère multiethnique. Affichant un look décontracté avec baskets et casquette à l’envers, Edgar, de son vrai prénom, s’est éclaté auprès d’un auditoire déjà conquis. Avec son humour caustique, il a pris d’assaut la scène du Théâtre St-Denis.

En 2010, le comique Rachid Badouri a confié au jeune homme la première partie de son spectacle Arrête ton cinéma, où plus de 100 000 spectateurs ont fait sa connaissance. Sympathique, la recrue a réussi à leur décrocher plus d’un sourire. Muni d’un certain aplomb, l’amuseur dénonce haut et fort les inepties écrites par Hergé dans la célèbre BD Tintin au Congo. Selon lui, l’album a été très mauvais pour l'image des Africains. À l’aide d’une affiche, il porte un regard désapprobateur sur l’œuvre, montrant comment l’auteur avait dessiné les Congolais : couleur d’ébène et lèvres disproportionnées. « Y’a personne qui est noir comme ça… avec des saucissons en guise de lèvres », s’est exclamé King.

Le Québécois d’adoption connaît un franc succès avec ses numéros autobiographiques, mis en scène par Christian Viau. Avec son accent à la fois européen et d’ici, le monologuiste relate son parcours entre Paris, Kinshasa et Montréal. De son enfance à Goussainville, une ville de la banlieue nord de Paris, plusieurs anecdotes sont contées. Dans cette commune violente, on y apprend que les bicyclettes se font emprunter à tout jamais par des cousins, c'est-à-dire : « si ta mère connaît ma mère, on est cousins! » De son arrivée dans la belle province en 1995, King raconte les enjeux politiques de l'époque et son intégration socioculturelle. Souriant, il évoque ce souvenir : « On est arrivé en pleine crise d'Oka et on ne comprenait pas pourquoi vous vous disputiez. Canadiens et Québécois, c'est la même chose, non? » Affichant une certaine nonchalance et une authenticité, le Français se moque des clichés, des stéréotypes et travers de société. En réalité, ce boute-en-train se plaît à les déterrer : racisme à travers les continents, éducation, immigration, profilage racial, non-reconnaissance des diplômes et diversité culturelle. Par exemple, il affirme sans gêne et respectueusement que les Blancs ne savent pas danser, que les Noirs ne savent pas être ponctuels et que les Asiatiques ne savent pas conduire. Ancien rappeur de la formation montréalaise Dögone Tribe, le charmant clown termina la représentation avec un bref hommage à la musique hip-hop.

Une ascension qui promet, à l’image de Jerry Seinfeld et Chris Rock, ses idoles, d’être fulgurante !

Vous pouvez consulter son site officiel à l'adresse : eddyking.ca

Mission Impossible – Ghost Protocol

2012-01-18T14:47:00.004-05:00

27 décembre 2011 / Par Sonia Pépin /

Cette chronique ne s’autodétruira pas dans cinq secondes…

Mené tambour battant, le nouveau volet de la saga d’espionnage Mission Impossible – Ghost Protocol est de loin le meilleur. Sur un rythme endiablé, le quatrième opus a été brillamment dirigé par le réalisateur Brad Bird. Ce vétéran de l’animation, après ses succès The Incredibles et Ratatouille, succède à J.J. Abrams, qui avait pris la relève de John Woo et Brian De Palma. Or, cet épisode respecte la vénérable télésérie de Bruce Geller. Les amateurs du genre seront ravis puisqu’ils assistent à une succession quasi ininterrompue de scènes d’action et de cascades.

À peine échappé d’une prison moscovite où il purge une peine pour des raisons obscures, l’agent Ethan Hunt (Tom Cruise) se voit confier une périlleuse opération. Lui et Benji Dunn (Simon Pegg), un membre de son équipe, devront infiltrer les sous-sols du Kremlin afin de dérober des informations sur un terroriste. Puis, inexorablement, un piège se referme sur eux. Après cette grave bavure, l’agence Mission Impossible (IMF) sera totalement démantelée. Le Protocole Fantôme est alors mis en place : Hunt, Benji, Jane Carter (Paula Patton) ainsi qu’un nouvel allié, William Brandt (Jeremy Renner), sont livrés à eux-mêmes. Isolés et désavoués, les fugitifs doivent improviser dans la plus parfaite clandestinité. Jouant de finesse et de force, le quatuor tente de récupérer une série de codes forts importants. Privés de ressources, les évadés traquent Kurt Hendricks (Michael Nyqvist), un homme diabolique, entre Moscou, Dubaï et Mumbai, question de déjouer ses plans machiavéliques.

Complètement imprévisible, le scénario se révèle intriguant, même s’il est rempli d’invraisemblances et manque d’originalité. Bien entendu, les protagonistes disposent d’une panoplie de gadgets technologiques dont des lentilles cornéennes spéciales, un panneau trompe-l’œil numérique et des gants ultra-adhésifs. Quelques actes spectaculaires et anthologiques captivent les spectateurs : l’escalade du Burj Khalifa, la plus haute tour du monde, et une course-poursuite vue du ciel au milieu d'une tempête de sable. Grâce à la trame sonore de Michael Giacchino, aux répliques humoristiques, aux acrobaties vertigineuses, aux corps à corps chorégraphiés, ce suspens séduit.

À l'aube de la cinquantaine, l’acteur Tom Cruise, au sommet de sa forme, multiplie les castagnes. La jolie Paula Patton campe fougueusement la femme forte. En génie de l’informatique promu agent de terrain néophyte, Simon Pegg apporte un humour bien dosé. Les comédiens Jeremy Renner et Michael Nyqvist sont convaincants dans leurs rôles respectifs.

Sur la ritournelle « Votre mission, si vous l'acceptez... », il vous faudra réussir l’impossible !

La Piel que Habito

2012-01-13T18:33:00.001-05:00

20 décembre 2011 / Par Sonia Pépin /

Histoire déstabilisante empreinte de sensualité, d’humour noir et de mystère…

Deux ans après Étreintes brisées, le cinéaste Pedro Almodóvar revient avec un film troublant, La Piel que Habito (La peau que j'habite). S’inspirant librement du roman de Thierry Jonquet, Mygale, son récit fantastique rappelle étonnamment ces œuvres : Les yeux sans visage, de Georges Franju, Rebecca, d’Alfred Hitchcock, et Frankenstein, de Mary Shelley.

Un éminent chirurgien plasticien, Robert Ledgard (Antonio Banderas), cache de nombreux secrets. Obsédé par deux tragédies familiales, le ténébreux docteur mène clandestinement ses propres recherches sur la peau. Depuis que sa femme a subi de très graves brûlures, il se dévoue corps et âme à la création d’un épiderme synthétique et révolutionnaire. Dans son immense et somptueuse villa, ce savant fou procède à des expérimentations. Avec la complicité de sa fidèle gouvernante Marilia (Marisa Paredes), Ledgard poursuit ses essais cliniques sur un cobaye humain. Sans scrupule, le diabolique chercheur met en œuvre une ingénieuse, voire cruelle, vengeance. Ses actes de représailles l’amèneront entre autres à tenir en captivité Vera (Elena Anaya), une jolie patiente hybride, remodelée à coups de bistouri.

Avec une maestria incomparable, l’Espagnol explore ses thèmes fétiches : identité sexuelle, relation mère-fils, trahison et abus de pouvoir. À travers les manipulations médicales, les cinéphiles sont longtemps hantés par ce mélodrame de transsexualité. Complexe, imprévisible et fascinante, cette création aux situations grand-guignolesques dérange et surprend. Toutefois, plusieurs détails s’avèrent peu crédibles. Vingt-deux ans après le long métrage culte Attache-moi !, le brillant réalisateur retrouve l’acteur Antonio Banderas. Celui-ci est plus que parfait en énigmatique médecin, surtout lorsqu’il joue dans sa langue. Avec une performance émouvante, la comédienne Elena Anaya, tout au long vêtue d’un justaucorps couleur chair, est une révélation. La gouvernante acariâtre est campée à merveille par Marisa Paredes.

Assurément, l’univers tourmenté d’Almodóvar sort des sentiers battus !

The Artist

2011-12-28T19:18:00.001-05:00

16 décembre 2011 / Par Sonia Pépin /

Vibrant hommage au cinéma américain des années 20…

Après ses deux pastiches humoristiques et irrévérencieux des romans d’espionnage OSS 117, Michel Hazanavicius célèbre dignement le septième art avec sa création The Artist. Présenté à la 64e édition du Festival de Cannes, le film d’avant la couleur, sans paroles ou presque, s’avère une séduisante comédie parsemée de drame. Seule la musique accompagne les cinéphiles dans cette œuvre poétique et burlesque. Déjà en lice dans six catégories pour la cérémonie des Golden Globes, le long métrage est en route vers les Oscars.

En 1927, George Valentin (Jean Dujardin) est la vedette la plus populaire d’Hollywoodland. À l’apogée de sa gloire, le séduisant acteur est presque toujours escorté de son exceptionnel chien terrier, ainsi que de son loyal chauffeur Clifton (James Cromwell). Confiant, orgueilleux, voire imbu de lui-même, l’artiste du muet est bien loin de se douter qu’il sera relégué aux oubliettes. Or, son heure de triomphe tire à sa fin. Puis un jour, son producteur, Al Zimmer (John Goodman), croit venu le temps de sauter à pieds joints dans l’ère du changement : le cinéma parlant. Au grand dam du créateur, Valentin refuse de balbutier; il sera vite largué par son studio, de même que par son épouse Doris (Penelope Ann Miller). Perdant tous ses avantages, le pauvre sombre : alcool, misère et solitude. Pendant ce temps, une ambitieuse figurante, Peppy Miller (Bérénice Bejo), fait fureur avec son grain de beauté, son charme et son sourire éblouissant.

Quelques clins d’œil aux classiques de la Metro-Goldwyn-Mayer, société de cinéma et de télévision, sont adressés. Mais ici, l’histoire est complètement intégrée dans la trame non verbale, portée par une musique d’ambiance captivante, signée Ludovic Bource. Le film repose sur divers éléments : décors soignés, images esthétiques, photographie magnifique, scénario intelligible, intertitres amusants et silences éloquents. Aussi, mise en scène méticuleuse, noir et blanc sublime, séquence de cauchemar sonore, émotions palpables et nombreux gags physiques touchent les spectateurs.

Récompensé du prix d’interprétation masculine à Cannes, le comédien Jean Dujardin livre une performance magistrale, voire prodigieuse, sans dire un seul mot pratiquement. Moustache en prime, il présente sa propre version de Clark Gable. Tantôt expressif et naturel, tantôt impérial et tragique, le comique transcende son jeu en rappelant celui du personnage principal de Citizen Kane, d’Orson Welles, soit Charles Foster Kane. Dès les premiers instants, la radieuse Bérénice Bejo illumine l’écran. À chacune de ses apparitions, sa grâce charme instantanément. Dans leurs rôles respectifs, John Goodman, James Cromwell et Penelope Ann Miller sont impeccables. Quant au chien, il forme un irrésistible duo avec Dujardin.

Véritable coup de cœur pour ce chef-d'œuvre, qui laisse muet d'admiration !

Les aventures de Tintin : le secret de la Licorne

2011-12-20T13:30:00.003-05:00

15 décembre 2011 / Par Sonia Pépin /

Un incontournable pour les Tintinophiles…

Depuis trente ans, le brillant réalisateur d’Indiana Jones — Les Aventuriers de l'arche perdue, Steven Spielberg, est fasciné par Tintin. L’artisan du septième art s’est donc uni à son homologue Peter Jackson, comme producteur, pour faire une relecture de l’œuvre de Georges Prosper Remi, alias Hergé. Intitulé Les aventures de Tintin : le secret de la Licorne, ce premier volet d'une trilogie à venir est moderne, mais fidèle.

Alors qu'il déambule dans un marché aux puces de la Belgique, un reporter à la houppette, Tintin (Jamie Bell), achète la réplique miniature d'un navire : la Licorne. Bien malgré lui, le jeune Belge n’est pas seul à porter son dévolu sur cette magnifique trouvaille. Deux individus, Barnabé et Ivan Ivanovitch Sakharine (Daniel Craig), l’accostent pour racheter la maquette, sans succès. Ce dernier est convaincu que le héros à la mèche rebelle détient le précieux parchemin pour trouver le trésor de Rackham le Rouge. Vivement intrigué par leur manège, l’intrépide journaliste globe-trotter décide de protéger sa nouvelle acquisition; il se demande pourquoi ce simple bateau est l'objet de tant de convoitises. Sur la base de quelques indices, Tintin dénoue les mystères. Pendant ce temps, deux détectives maladroits, Dupond et Dupont (Simon Pegg et Nick Frost), recherchent Aristide Filoselle, un astucieux « pickpocket ». Pris en grippe par Sakharine et ses sbires, le célèbre aventurier est victime de vol et se retrouve prisonnier sur un cargo. C’est alors qu’il rencontre Archibald Haddock (Andy Serkis), commandant du navire, toujours ivre de whisky. Avec l’aide de son fidèle compagnon Milou, un fox-terrier, le capitaine et lui plongeront dans de périlleuses aventures parsemées d’embûches, à la recherche d’un secret ancestral.

Ce scénario est une adaptation réussie de trois albums clés : Secret de la Licorne, Trésor de Rackham le Rouge et Crabe aux pinces d'or. Faisant preuve d’astuce, trois scénaristes britanniques, Steven Moffat, Edgar Wright et Joe Cornish, ont respecté l’esprit des légendaires bandes dessinées. La nouvelle technologie « performance-capture », utilisée par le cinéaste James Cameron sur Avatar, a permis de magiques effets spéciaux. Visuellement, l’animation est parfaite et conforme à l’esthétisme des dessins originaux. Après un générique de début très bien conçu, Hergé fait une brève apparition en tant que caricaturiste. Décors majestueux aux couleurs vives, paysages exotiques, cascades époustouflantes et musique séduisante du maestro John Williams comblent les admirateurs. Tel un taquin, Spielberg fait des clins d’œil à ses précédentes créations : Catch me if You Can et Jaws. Quelques hics sont néanmoins à signaler : les Dupon(td) sont sous-utilisés, le professeur Tournesol est absent et certains combats s’étirent. Derrière l'image synthétique, le jeu des comédiens demeure visible. L’hilarant et émouvant ivrogne est campé à la perfection par Andy Serkis. Parfois doucereux, parfois diabolique, c’est avec brio que Daniel Craig incarne le descendant de Rackam le Rouge.

Mille millions de mille sabords, les cinéphiles en ressortent béat d'admiration, tonnerre de Brest !

Maryse Letarte

2011-12-17T14:16:00.001-05:00

14 décembre 2011 / Par Sonia Pépin /

Poétique et pince-sans-rire désarmante…

« Coup de foudre pour Maryse Letarte », dixit Catherine Perrin, animatrice à la Première chaîne de Radio-Canada. Celle-ci est loin d’être la seule à être tombée sous le charme de l’artiste. Attendue à Montréal depuis longtemps, des dizaines d’admirateurs s’étaient déplacés pour l’accueillir, à la 5e salle de la Place-des-Arts. En ce soir de première, l’auteure-compositrice-pianiste présentait son spectacle Des pas dans la neige, inspiré de l'album éponyme.

Dans un décor au plafond scintillant, tantôt d’étoiles, tantôt de flocons, la jolie Maskoutaine s’installa derrière son instrument. Entourée de ses complices, la chanteuse interpréta l’intégralité de ce disque, de même que plusieurs airs hiémaux de Ni le feu, ni le vent. Un orchestre composé de cinq musiciens et choristes l’accompagnait sur scène, dont : Amélie Mandeville (bassiste), Marc Papillon-Ferland (guitariste et violoniste), Marc-Antoine Olivier (claviériste), Justin Allard (batteur et percussionniste) et Christine Giguère (violoncelliste). Vêtue d’une robe dorée, l’instrumentiste débuta son tour de chant avec les pièces Le mendiant de Noël et Entre Noël et le jour de l'An. Timide et souriante, elle souffla à l’auditoire ces quelques mots : « Bonsoir, merci d'être là ». Ceci avant de chanter Ah! Que je t'aime, une agréable mélodie. Nerveuse, la jeune femme prit une légère respiration et offrit les morceaux Épilogue 1 et Ni le feu, ni le vent, agrémentés de xylophone et de cuivres. D’un air candide, cette diplômée de la réputée Grove School of Music, de Los Angeles, enchaîna les titres Anges de Neige et Icône. Puis, sur Petit homme, hymne dédié à Jésus, des bravos fusèrent de toutes parts. Avant l’entracte, elle confia au public cette réflexion : « Moi, j’suis pas Noël. J’ai écrit Ô traîneau dans le ciel en réaction au fait qu’on sort les guirlandes trop tôt, qu’on trouve cette période hyper stressante, alors que ça devrait être tout le contraire. » Au retour, elle entonna L’année qui s’achève, arborant fièrement une nouvelle robe de soirée. Ensuite, sur Songe de décembre, un auditeur fut invité à jouer de l’essoreuse à salade. Tout le monde s’esclaffa lorsqu’elle dit : « Quand je pense qu'on est à la Place des Arts. » Se succédèrent les splendides Sur fond d’azur, Au soleil et Je suis down, un vieux succès de son alter ego Rita-Rita, ainsi que Boom boom, l’irrésistible. Cette célébration de fin d’année se clôtura sur les notes de Paralysée à Hollywood, L’automne et Ô traîneau dans le ciel.

Parfaitement posée, sa voix chaude rappelle celles de Françoise Hardy à ses débuts, Kate Bush et Cœur de Pirate.

Lumineuse, Maryse Letarte livre des compositions tristes d’un ton joyeux !

Vous pouvez consulter son site officiel à l'adresse : www.maryseletarte.com

Rain - Comme une pluie dans tes yeux

2011-12-15T09:57:00.001-05:00

7 décembre 2011 / Par Sonia Pépin /

Souvenirs pluvieux, poétiques, enfantins composent cette fantasmagorie…

Depuis sa création en 2004, l’éblouissant spectacle Rain – Comme une pluie dans tes yeux, du Cirque Éloize, a parcouru le monde. L’œuvre, écrite et mise en scène par le chorégraphe, clown et homme de théâtre italo-suisse Daniele Finzi Pasca, a été présentée dans 22 pays et acclamée par quelque 750 000 spectateurs. C’est à Montréal, au Monument-National, qu’est venu prendre fin ce long périple.

Dans cette production québécoise truffée d’humour, tous les arts du cirque ancestral ou novateur, dont théâtre, cabaret, danse, poésie et musique, sont harmonieusement intégrés. Une dizaine d’artistes multidisciplinaires, contorsionnistes, acrobates, trapézistes, équilibristes, voltigeurs, jongleurs, clowns, magiciens, danseurs, chanteurs et musiciens, se côtoient et se succèdent sur la piste. En groupes ou en solos, ces hommes et femmes offrent des performances à en perdre le souffle. Bien entendu, présentés sous forme de multiples tableaux, les numéros, entrecoupés d’intermèdes d’une drôlerie irrésistible, sont épatants, rigoureux et impressionnants. Comme des enfants, les acteurs s’amusent. Ils livrent des chorégraphies aériennes, des courses folles, des acrobaties en duo, des contorsions inimaginables, de sauts à l’élastique périlleux, de la Roue Cyr (cerceau volant), etc. Avec grâce et souplesse, tous évoluent sous des jeux de lumière réussis et dans des décors minimalistes, voire oniriques. Pluies insolites d’objets inattendus ou vraies gouttes d’eau, lors du final, sont de bons exemples. Tantôt rythmée et burlesque, tantôt profonde et aérienne, la musique amène une ambiance chaleureuse. Qu’elle soit jouée en direct, piano et voix, ou préenregistrée, de violons et autres instruments classiques, la musique, une bande sonore éthérée, demeure mémorable.

Cette ode enchanteresse récolte ses derniers applaudissements. Elle réussit à tenir en haleine le public et à le faire rire aux larmes.

Rain – Comme une pluie dans tes yeux : un pur ravissement qui fait la pluie et le beau temps !

Vous pouvez consulter leur site officiel à l'adresse : www.cirque-eloize.com

Steve Hill

2011-12-12T10:51:00.001-05:00

1 décembre 2011 / Par Sonia Pépin /

Une rentrée montréalaise intense, électrique et réussie…

Guitariste hors pair, Steve Hill a fait étalage de son exceptionnel talent sur les planches de l’Astral. Entouré de ses musiciens, l’auteur-compositeur-interprète est venu présenter les compositions de son sixième album, Whiplash Love, ainsi que plusieurs œuvres tirées de son répertoire. Devant eux, l’auditoire était composé de quelques centaines d’inconditionnels et de néophytes.

Le maître de la guitare a fait de très beaux arrangements musicaux teintés de blues, hard rock, americana et country. Lui et ses acolytes, Rock Laroche (bassiste), Sam Harrisson (batteur), Richard Boisvert et Dimitri Lebel (guitaristes), ont fait vibrer les murs. Tout tremblait à l’intérieur. Plus d’une vingtaine de morceaux ont été ardemment exécutés. Ces réels virtuoses ont entamé la soirée avec It Ain’t Cool et Goodbye Sunshine, deux nouvelles pièces très rythmées. Les titres Lost Women et Cold Hearts, premier extrait diffusé à la radio, furent interprétés. Puis, sur Little Girl, Hill et Boisvert distillèrent un rock musclé bien senti lorsqu’ils jouèrent leurs riffs incisifs, dos à dos. Suivirent Running Out Of Time et I’ll Walk, alors que l’artiste invita ses admirateurs à envahir le parterre. Avant l’entracte, les amateurs ont été bien servis, entre autres avec Only Daddy et Ring Of Fire, une reprise de Johnny Cash. Au retour, le chanteur a livré des solos, comme Love Got Us Blind, I Want You To Love Me et Out Of Phase, inspirés par une multitude de prouesses techniques et de postures scéniques. Ensuite, sur Judgment Day, les doigts agiles de Hill virevoltaient fougueusement. Sous une salve d’applaudissements, de remarquables créations furent jouées, dont : Oh Well, Whiplash Love et Nasa Made. Avant de poursuivre avec Up Jumped the Devil, le public a eu droit à une anecdote sur le regretté Robert Johnson, guitariste et chanteur de blues. Vint un cri primal intense de Steve Hill sur le magnifique Won’t Get Fooled Again, repris de The Who. Ébahis, les spectateurs, bière à la main, dansaient et chantaient entre les tables.

Dans une salle quasi sens dessus dessous, une liesse générale était dans l’air !

Vous pouvez consulter son site officiel à l'adresse : www.stevehillmusic.com

John Mayall

2011-12-10T07:16:00.001-05:00

26 novembre 2011 / Par Sonia Pépin /

Rencontre historique avec le patriarche du blues européen…

Maître incontesté de l'harmonica, le chanteur-multi-instrumentiste John Mayall s’est produit dans l’enceinte du Métropolis. Toujours aussi actif, le légendaire musicien vieillit bien. À quelques jours de son 79e anniversaire, il a séduit les Montréalais avec sa voix, son instrument à vent, sa guitare et son clavier. Assurément, sa passion n’a pas pris une ride.

Devant une salle bondée, l’iconique figure est venue présenter son plus récent opus, Tough, paru en 2009. Trois musiciens chevronnés l’accompagnaient sur la scène. Ses acolytes, Rocky Athas (guitariste), Greg Rzab (bassiste) et Jay Davenport (batteur), ont offert une performance électrisante. De façon magistrale, ils se sont lancés dans des solos sensuels, voire improvisés, réchauffant l’atmosphère des lieux. Tout de noir vêtu, l’auteur-compositeur a insufflé une ardeur sans pareil en interprétant frénétiquement ses pièces, assaisonnées de funk, rock et boogie. Fougue et joie étaient perceptibles.

Fondateur des mythiques Bluesbreakers, le septuagénaire a contribué à l’essor de nombreuses et fructueuses carrières, entre autres, celles des guitaristes Peter Green, Mick Taylor et Eric Clapton. Ce dernier a mentionné que « John Mayall a dirigé une invraisemblable école de musiciens ». Jouissant d’une popularité exceptionnelle, le vénérable doyen a collaboré avec plusieurs noms prestigieux, dont B.B. King, Buddy Guy, Steve Miller, Etta James et Johnny Lang. Au gré de ses expérimentations, Mayall a enregistré cinquante-sept albums. Sa profession a pris son envol, en 1969, avec le classique et énergique Room to Move, un véritable chef-d’œuvre.

Captivante et musclée, la première partie fut assurée par le Canadien Shane Murphy.

Considéré comme le « parrain du blues anglais », John Mayall est plus qu’une légende !

Vous pouvez consulter son site officiel à l'adresse : www.johnmayall.com

Monkeyjunk

2011-12-08T13:15:00.002-05:00

23 novembre 2011 / Par Sonia Pépin /

Atmosphère sonore enivrante, teintée de blues, boogie, folk et rock…

« Nous nous sommes sentis comme de vraies rockstars », a mentionné le chanteur-multi-instrumentiste Steve Marriner, à propos du passage remarqué de Monkeyjunk dans le cadre du FIJM, l’été dernier. Ses deux complices et lui étaient de retour, cette fois-ci, sur les planches de l’Astral. L’homme était accompagné de brillants musiciens : Tony Diteodoro (guitariste) et Matt Sobb (batteur). Malgré une maigre assistance, la prestation des trois gars, originaires d’Ottawa, a été dynamique.

Généreux, très performant et charismatique, le trio a interprété les titres de son répertoire, extraits des albums Tiger In Your Tank et To Behold, de même que d’indémodables classiques. En ce mercredi soir hivernal à l’extérieur, mais chaleureux en salle, les artistes ont commencé par jouer la frénétique instrumentale The Marinator, avec un long solo d’harmonica. Sans l’ombre d’un temps mort, ils ont enchaîné avec les morceaux I Hear ya Knockin, repris de Leslie Johnson, Small Time Evil et With These Hands, un véritable soul. Dans cette douce ambiance, Marriner s’est adressé maintes fois à l’auditoire en français, question de remercier chaudement les Montréalais de leur soutien. Puis, les pièces You’re Gonna Change or I’m Gonna Leave, popularisée par Hank Williams Sr., What I’ve Got to Give, Let Her Down, la musicale Swank et Tiger In Your Tank, de Willie Dixon, furent exécutées. Au retour de l’entracte, la composition sans voix Gutsy fut livrée avec rythme. Endiablée, la formation rendit hommage à Sam Maghett, avec Give Me Time, Muddy Waters, par son succès I Can’t Be Satisfied, ainsi que Richard Berry, présentant son œuvre maîtresse : Have Love Will Travel. Par ses prouesses époustouflantes, le prolifique guitariste a démontré son savoir-faire, jouant parfois d’une seule main. Tantôt entraînantes, tantôt sombres, les chansons Right Now, While You Are Mine, When Push Comes to Shove et Mother’s Crying ont permis aux gaillards de battre la cadence. Finalement, la soirée se termina sur un long et séduisant air de blues.

Composé de virtuoses, le groupe s’est mérité de nombreux prix, dont cinq Maple Blues Awards. Aussi, il devient, en 2010, le deuxième ensemble canadien à remporter l’honneur d’un Blues Music Award, aux États-Unis, après le regretté Jeff Healy.

Avec sa voix rauque, ses instruments vrombissants, écoutons Monkeyjunk sans modération !

Vous pouvez consulter leur site officiel à l'adresse : monkeyjunkband.com

Nabila Ben Youssef

2011-12-07T13:27:00.002-05:00

19 novembre 2011 / Par Sonia Pépin /

Liberté de parole et d’expression…

D’origine tunisienne, l’humoriste et comédienne Nabila Ben Youssef présentait, au Théâtre St-Denis 2, son spectacle solo Drôlement libre. Réécrit du début à la fin, celui-ci s’appelait auparavant Arabe et cochonne bio. Quelques anciennes blagues, peaufinées et revisitées, furent intégrées à cette nouvelle mouture. Ses numéros, mis en scène par Pierre Bernard, suscitent rires et réflexions.

En introduction, son assistant Mustapha intervint, présentant l’artiste comme une « arme de séduction massive, libre jusqu’au bout des doigts ». Sensuelle, Nabila Ben Youssef fit une entrée remarquée, se déhanchant sur une musique de son pays. Puis, avec un sourire sur les lèvres et une bonne dose d’autodérision, elle lança d’un ton badin : « Les gars, si vous êtes venus voir l’Arabe cochonne, c’était mon ancien spectacle. Les seules fois où je suis vraiment cochonne en public, c’est dans les buffets à volonté! » S’intéressant aux soubresauts de l’histoire du monde arabe, cette musulmane parle fièrement du soulèvement populaire contre la dictature de Ben Ali, en Tunisie. Allègrement, elle s’amuse à égratigner les préjugés véhiculés.

Dans un décor de ciel étoilé du Maghreb, la jolie rebelle arrive à tenir en haleine son auditoire grâce à son humour noir, coquin et engagé. Cette Québécoise d’adoption provoque des effets de surprise, ponctuant ses phrases de patois locaux comme « au boutte » et « faque tsé ». Elle met du piquant dans ses monologues, question d’attirer l’attention sur des sujets quelque peu controversés, entre autres : sexualité, religions, politique, terrorisme, immigration et accommodements raisonnables. Berbère charismatique, la femme se plaît à décrire des situations invraisemblables, ainsi qu’à émettre de fines observations. Nostalgique, l’audacieuse dame raconte son parcours, de même que la découverte de sa nouvelle terre d’accueil, à travers son histoire personnelle. Pendant ses sketchs, la monologuiste utilise joie de vivre, danse baladi et commentaires rigolos tels que « lapidez-moi si j’ai tort ».

« Avez-vous déjà vu une Arabe sur scène? Profitez-en, parce qu’avec le gouvernement conservateur, ce sera bientôt interdit! »

Définitivement, cette comique n’a pas peur des mots !

Vous pouvez consulter son site officiel à l'adresse : nabilarebelle.com

Monsieur Lazhar

2011-12-06T13:51:00.001-05:00

4 novembre 2011 / Par Sonia Pépin /

Un récit moderne empreint de réalisme, d’humour et d’humanité…

Après La moitié gauche du frigo, Congorama et C’est pas moi, je le jure!, Philippe Falardeau signe sans contredit sa meilleure œuvre avec Monsieur Lazhar. Précédée d’une réputation à la fois élogieuse et enviable, acquise aux festivals de Locarno, Toronto et Namur, sa quatrième création a été rapidement plébiscitée. Accumulant les récompenses, cette brillante réalisation a été choisie pour représenter le Canada à la prochaine cérémonie des Oscars, dans la catégorie du meilleur film en langue étrangère.

Transposer la pièce de théâtre Bashir Lazhar, d’Évelyne de la Chenelière, sur la toile du grand écran permet à Falardeau de susciter des réflexions sur le deuil, l’exil et l’éducation. Avec délicatesse, voire pudeur, le cinéaste québécois dresse un portrait ironiquement juste de la réalité contemporaine du Québec. Plusieurs thématiques, comme l’immigration et le suicide, encore difficiles d'approche dans notre société, soulèvent des discussions.

Dans une école primaire montréalaise, une tragédie a eu lieu. Deux écoliers, Simon (Émilien Néron) et Alice (Sophie Nélisse), ont vu le corps froid de Martine, leur enseignante. Depuis, les tourmentés élèves de cette classe de sixième année ressentent le besoin de parler de la mort. Désirant régler l’émouvante situation comme toute autre tâche administrative, la direction et le personnel de l’institution évitent le sujet. Étant donné l’urgence de la situation, le poste de l’institutrice doit être rapidement comblé. Après avoir lu l’histoire dans le journal, Bachir Lazhar (Mohamed Fellag), un immigrant algérien, se présente à la directrice de l’établissement, madame Vaillancourt (Danielle Proulx), pour proposer ses services. N’ayant personne d’autre, le mystérieux quinquagénaire sera aussitôt embauché à titre de remplaçant. Toujours attentionné et respectueux, Lazhar parviendra-t-il à franchir le fossé culturel qui le sépare de ses élèves et de ses collègues, Claire (Brigitte Poupart), madame Dumas (Francine Ruel) et Gaston (Jules Philip)? Cultivé, l’homme deviendra un professeur exemplaire, partageant avec ses élèves des auteurs d’envergure de la littérature française. Au fil du récit, le Maghrébin dévoilera un lourd passé. Personne ne soupçonne ses douloureux secrets.

Scénario bien ficelé et mené justement, autant sur le plan narratif que dramatique. Mise en scène sobre, dialogues pertinents, photographie de qualité de même qu’une magnifique trame sonore, signée Martin Léon, soutiennent la production. Avec brio, l’acteur et humoriste franco-algérien Mohamed Fellag livre une prestation époustouflante. Son rôle est admirablement campé. Vulnérables et authentiques, Sophie Nélisse et Émilien Néron demeurent impeccables, de la première à la dernière scène.

Cette ode aux enseignants ne vous laissera pas indifférent !

Diego El Cigala

2011-12-02T09:21:00.002-05:00

3 novembre 2011 / Par Sonia Pépin /

Parfum d’exotisme, métissage instinctif et éclectisme vocal…

Au théâtre Maisonneuve, le flamboyant chanteur Diego Jiménez Salazar foula les planches pour exécuter des pièces classiques et contemporaines du répertoire tango. À huit ans, il fut rebaptisé par un des plus grands maîtres du flamenco de notre époque, le regretté Camarón de la Isla, en Dieguito « El Cigala ». Sa petite taille, son tempérament nerveux de même que sa voix puissante lui valent ce surnom, qui signifie « la langoustine ». Dès son arrivée, le public fut séduit par ce charmeur.

Avec ses cheveux noirs ondulés, son nez aquilin, sa longue barbiche soignée et ses grosses bagues d’or, l’artiste cultive soigneusement son look de gitan. Resplendissant, il avait l’air d’un hidalgo dans son costume taillé sur mesure. Dans une agréable ambiance musicalement feutrée, l’artiste est entré sur le podium en martelant le sol de son talon gauche, tout en levant l’index de sa main droite. D’un regard perçant, presque incandescent, l’interprète a salué l’assistance en silence. L’Espagnol était entouré de musiciens remarquables : Sabú Porrina (percussionniste), Jaime Calabuch (pianiste), Diego Del Morao (guitariste) et Yelsi Heredia (contrebassiste-chanteur). Aimé des hispanophones, le talentueux Madrilène interpréta plusieurs pièces de son dernier opus, Cigala & Tango. Quittant rarement son tabouret, le grand « cantor » buvait un nectar orangé par petites gorgées et enchaînait à coup sûr ses chants puissants, voire mélancoliques. Ses accompagnateurs et lui se permirent d’ajouter quelques notes jazzy à leurs longues improvisations. S’adressant à son ingénieur du son à maintes reprises, en raison de problèmes techniques, l’homme a su faire fi de la situation.

Avec son timbre singulier et rocailleux, Diego El Cigala a révolutionné le répertoire andalou.

Appelé le « Sinatra du flamenco », son œuvre touche autant le cœur que l'oreille !

Vous pouvez consulter son site officiel à l'adresse : www.elcigala.com

John Mellencamp

2011-11-30T23:06:00.001-05:00

27 octobre 2011 / Par Sonia Pépin /

35 ans de carrière sous des airs de blues, country et rockabilly…

C’était une représentation attendue par les nombreux admirateurs de l’auteur-compositeur américain John Mellencamp. L’iconique chanteur était de passage à la Place des Arts dans le cadre de la tournée No Better Than This. Inspiré de l'album du même nom et du documentaire It’s About You, il a offert un mémorable spectacle, divisé en trois parties.

Une ambiance acoustique et une interprétation en solo composèrent le segment de départ. Ensuite, la pluralité de son genre musical a été présentée, avec quelques musiciens. Pour la partie finale, l’homme fut rejoint par son groupe rock. Très performant, l’artiste a foulé les planches de la salle Wilfrid-Pelletier en compagnie d’acolytes : Michael Wanchic et Andy York (guitaristes), Dane Clark (batteur), John Gunnell (bassiste-contrebassiste), Troye Kinnett (claviériste-accordéoniste) et Miriam Sturm (violoniste).

Âgé de 60 ans depuis peu, le natif de l’Indiana n’a pas changé d’un iota. Malgré un infarctus subit en 1994, le rocker était en voix, en forme. Généreux, le renommé membre du « Rock and Roll Hall of Fame » a interprété plusieurs classiques, en plus de ses nouvelles compositions. Écrite il y a 37 ans, la création Authority Song amorça la soirée. Puis, ses comparses laissèrent Mellencamp seul sur scène avec sa guitare sèche, ou en présence de la violoniste. Plusieurs pièces furent livrées dont No One Cares about Me, Death Letter, John Cockers, Walk Tall et West End. Finalement, le premier tiers se termina sur une magnifique version de Check It Out, rarement entendue. Que dire du bonheur des auditeurs de se faire servir cette œuvre émanant d’espoir qu’est Save Some Time To Dream! Dans un style épuré, l’hymne bien connu Jack and Diane a permis à la foule de chanter allègrement. Suivirent, entre autres, les morceaux Jackie Brown, avec une guitare-voix-violon, Longest Days, inspiré de sa grand-mère morte à cent ans, et Small Town, l’incontournable. Un succès n'attendait pas l'autre. La troupe a fait revivre la menaçante Rain On the Scarecrow, alors qu’on imaginait fort bien l’épouvantail, Paper in Fire, Pink Houses et l’indémodable R.O.C.K. in the USA, fort jubilatoire. Rapidement, la prestation se termina avec la fantastique Cherry Bomb. Mais tristement pour les spectateurs, ce concert ahurissant n’aura eu aucun rappel.

En première partie, l’assistance a eu droit à un film documentaire quelque peu répétitif, sur la tournée effectuée l’an dernier en compagnie des légendaires Willie Nelson et Bob Dylan.

La voix éraillée de John Mellencamp procure des frissons garantis !

Vous pouvez consulter son site officiel à l'adresse : www.mellencamp.com

Revolver

2011-11-30T09:18:00.002-05:00

17 octobre 2011 / Par Sonia Pépin /

Artiste ou groupe émergent...

Quelques mois après leur passage à la Casa del Popolo, le groupe français Revolver était de retour dans la métropole, à la Sala Rossa. L’avenir s’annonce radieux pour ces Parisiens, puisqu’ils prévoient la sortie d’un second opus en février prochain.

Deux guitaristes-chanteurs, Christophe Musset et Ambroise Willaume, de même qu’un violoncelliste-chanteur, Jérémie Arcache, composent la formation. Ensemble, ils performent en anglais et revendiquent des influences éclectiques allant de Leonard Cohen à Elliott Smith, aux compositeurs Haydn et Purcell. Amis d’enfance, Willaume et Arcache ont fréquenté les bancs de la Maîtrise Notre-Dame de Paris. Huit longues années se sont écoulées avant que les garçons se retrouvent. Au lycée, Willaume fait la rencontre de Musset, créant et jouant de la musique. En 2006, une affiche du disque Revolver, trônant dans la chambre de Willaume, inspirera le duo d’admirateur des Beatles à se baptiser ainsi. Trouvant qu’une voix et de la texture manquaient à leurs mélodies, les jeunes hommes cherchèrent un acolyte pour compléter leur tandem. Deux ans plus tard, Arcache s’est joint à eux, question d’agrémenter le tout, entre autres, de violoncelle. Ces trois talentueux musiciens se réunirent pour créer un genre musical bien à eux : la « pop de chambre ». Celui-ci, dépouillé, raffiné et acoustique, consiste à jouer des pièces pop, aux parures classiques. À ce propos, Musset affirmait : « C'est notre marque de fabrique, et nous souhaitons la conserver. »

Un premier EP*, Pop de chambre, fut lancé il y a trois ans. Par la suite, l’ajout du batteur Maxime Garoute apporta une intensité plus rock aux chansons. Douze mois plus tard, après de nombreux concerts et la signature d’un contrat avec EMI, paraît l’album Music for a While, qui ne reçoit que des éloges. Avec deux reprises et deux nouveaux airs, un second EP*, Parallel Lives, a été publié plus tôt cette année.

Sans artifices scéniques, la bande débuta la soirée avec plusieurs morceaux dont Untitled #1, Do You Have A Gun?, A Song She Wrote et Luke, Mike & John. Suivirent l’inédite Losing You, Chinese Translation, reprise de M. Ward, et Get Around Town, un succès inespéré. Les artistes ont interprété la ballade Balulalow, des Ceremony of Carols, de Benjamin Britten, qui a tout pour charmer le public. En rappel, ils sont descendus de la scène pour exécuter, sans micro et sans amplificateur, Helplessly Hoping, une reprise de Crosby, Stills & Nash, avec une seule guitare et trois magnifiques voix.

Avec son ascension fulgurante, Revolver fait assurément Bang Bang !

*Un extended play ou EP (en français maxi) est un format musical (disque vinyle, disque compact, cassette audio, etc.) qui est trop long pour être qualifié de simple single mais trop court pour être qualifié d'album. (http://fr.wikipedia.org/wiki/Extended_play)

Vous pouvez consulter leur site officiel à l'adresse : www.revolvermusic.tv

Jeff Beck

2011-11-23T23:48:00.001-05:00

15 octobre 2011 / Par Sonia Pépin /

Un amalgame curieux, mais réussi, de blues, jazz, funk et rock…

Dix-huit mois après un programme double avec Eric Clapton au Centre Bell, le légendaire guitariste Jeff Beck était de retour à Montréal, salle Wilfrid-Pelletier cette fois. Pour le géant de la six cordes, il s’agissait d’une troisième escale en trois ans. Intronisé au Rock and Roll Hall of Fame en 2009, c’était sans contredit un réel rendez-vous avec l’histoire de la musique que de voir et entendre cette figure iconique.

Vêtu d’une camisole blanche sous sa veste noire, l’homme foula discrètement la scène pour offrir plusieurs pièces instrumentales et quelques classiques. Reconnu pour sa dextérité, ses prouesses techniques ainsi que ses solos à couper le souffle, le Britannique a impressionné ses admirateurs. Avec sa silhouette filiforme et ses cheveux ébouriffés, Beck ne fait pas ses 67 ans. Le virtuose était accompagné d’excellents musiciens : le claviériste Jason Rebello, la bassiste montréalaise Rhonda Smith et le batteur Narada Michael Walden. Peu loquace, l'icône du rock a réservé d’agréables surprises aux spectateurs. Dès le départ ce fut des titres comme Plan B, Stratus, une reprise de Billy Cobham, Led Boots et Rice Pudding, extrait de l’album Beck-Ola. Puis, l’œuvre lyrique Mna Na Eireann, empruntée au groupe irlandais The Chieftains, fut livrée. Entre ces airs vaporeux, l’artiste glissa la composition Hammerhead. Aussi, des morceaux mémorables furent joués, dont : Corpus Christi, People Get Ready, repris de Curtis Mayfield, ainsi que Rollin & Tumblin, de Muddy Waters, interprété par la plantureuse Smith. Sous un tonnerre d’applaudissements, le public a eu droit à Over the Rainbow, de la bande originale du Magicien d'Oz, et à Little Wing, de Jimi Hendrix, chanté par Walden. Tout en s’amusant, le formidable soliste et ses camarades ont poursuivi avec un emprunt à Stevie Wonder, Cause We’ve Ended As Lovers. Arrivèrent ensuite Brush With the Blues et l’hymne des Beatles, A Day in the Life, avec une superbe montée orchestrale. En rappel, la formation rendit hommage à certaines étoiles : Les Paul et Mary Ford, avec How High the Moon, Sly & The Family Stone et leur succès I Want To Take You Higher, ainsi que Puccini et sa célébrissime Nessun Dorma. En conclusion de cette exquise soirée ne vint rien de moins que la ballade Bad Romance, de Lady Gaga.

Avec brio, l’impressionnant Tyler Bryant, jeune guitariste et chanteur texan, a assuré la première partie du spectacle.

La guitare de Jeff Beck, parfois lancinante, parfois musclée, capte toute l’attention !

Vous pouvez consulter son site officiel à l'adresse : www.jeffbeck.com

The Ides of March

2011-11-21T07:33:00.001-05:00

14 octobre 2011 / Par Sonia Pépin /

Scandales, trahisons, désillusions et idéalisme...

Faisant référence à l’assassinat de Jules César au Sénat par plusieurs conspirateurs, The Ides of March est le titre du dernier film de l’acteur, devenu réalisateur, Georges Clooney. Présenté en ouverture à la 68e Mostra de Venise, son quatrième long métrage s’avère un drame politique efficace.

Campée en Ohio, la réalisation se veut une adaptation de la pièce de théâtre Farragut North, de Beau Willimon, elle-même inspirée de la candidature aux élections primaires de Howard Dean. Producteur-scénariste, Clooney entraîne les cinéphiles dans les arcanes intérieurs du pouvoir, soit dans les coulisses d'une campagne présidentielle américaine.

La course à la chefferie s’annonce serrée. Une bataille fait rage entre deux candidats qui demeurent en lice : le charismatique gouverneur Mike Morris (Georges Clooney) et son rival, le sénateur républicain Ted Pullman. Chacun est appuyé par un directeur de campagne chevronné. Du côté des partisans de la démocratie se trouve Paul Zara (Philip Seymour Hoffman) et de l’autre, son homologue Tom Duffy (Paul Giamatti). Farouches adversaires, ces rusés manipulateurs se détestent, jouent du coude et s’affrontent dans l’arène politique. Se donnant corps et âme pour que Morris soit élu à la Maison-Blanche, le cynique Zara s’entoure d’un prodige des communications, Stephen Myers (Ryan Gosling). Dévoué et carriériste, l’attaché de presse est persuadé que son patron a l’étoffe d’un président. À son insu, le jeune Myers découvrira tardivement que cet homme de principes cache un secret destructeur. Manipulant les médias, le fidèle militant sera courtisé tant par la stagiaire Molly Stearns (Evan Rachel Wood) que par le camp adverse. Par une habile manœuvre, la partie opposante tentera de discréditer l’allié des démocrates. Placé dans une inconfortable position, ce professionnel verra son intégrité mise à rude épreuve. Au fil de l’intrigue, c’est à ses dépens qu’il apprendra avoir se méfier de plusieurs personnes dont : son dauphin Ben (Max Minghella), la journaliste inquisitrice Ida Horowicz (Marisa Tomei) et le sénateur Thompson (Jeffrey Wright).

Avec son flot de rebondissements, Clooney présente un scénario bien fignolé, voire moderne. Une mise en scène implacable, des dialogues percutants ainsi qu’une inspirante trame sonore d'Alexandre Desplat composent cette œuvre cinématographique. Avec élégance, Georges Clooney endosse à la perfection le costume du politicien pacifiste qui refuse les compromissions. Quant à l’acteur Ryan Gosling, son admirable jeu prouve son mérite d’être en nomination aux Oscars. Sublimes, les comédiens Philip Seymour Hoffman, Paul Giamatti et Marisa Tomei démontrent l’étendue de leur talent.

Au final, The Ides of March illustre une quête effrénée et acharnée du pouvoir !

Jean-Michel Anctil

2011-11-11T08:17:00.002-05:00

7 octobre 2011 / Par Sonia Pépin /

Fébrilité palpable et rires garantis…

Faisant volte-face à ses adieux définitifs à la scène, l’humoriste et comédien Jean-Michel Anctil était de passage au Théâtre Saint-Denis pour une représentation de Tel quel. Récipiendaire du prix Olivier 2011, dans la catégorie « Spectacle le plus populaire », le comique raconte ce qu’il a vécu pendant sa pause de six ans. Dans un décor de grenier encombré d’objets, l’homme réussit à tenir en haleine son public, et à le faire rire aux larmes.

Multidisciplinaire, Anctil connaît un fabuleux succès avec ses numéros cocasses, mis en scène par son frère Dominic. L’artiste a également fait appel à Sylvain Larocque comme script-éditeur, ainsi qu’au talent des Martin Petit, Pierre-Michel Tremblay et Simon Cohen pour l’assister à l’écriture. Avec sa sincérité désarmante, l’amuseur relate plusieurs épisodes, drôles ou sérieux, de sa vie, dans lesquels il s’est retrouvé. Ses aveux servent de fil conducteur à des monologues hilarants, entre autres sur ses tendances hypocondriaques, la construction d’un carré de sable et son premier massage. Sans costumes ni accessoires, le farceur explique, dans le numéro appelé « le péril jaune », sa crainte de voir repartir ses trois filles adoptées en Chine, vers leur pays d’origine.

Après l’entracte, les spectateurs renouent avec des personnages loufoques, colorés et attachants. À travers une succession de sketchs, Anctil se transforme en Préscilla, l’Infidèle et Rateau, ainsi que trois nouveaux alter ego. Amaigrie, l’exubérante croqueuse d’hommes, Préscilla, dévoile qu’elle a trouvé l’amour lors d’un séjour dans le Sud. Est-ce que cette relation avec ce Colombien sera encore vouée à l’échec? Misogyne et ivre, l’Infidèle se fait l’avocat de l’homme. Avec des réparties cinglantes envers les femmes, il provoque de vives réactions chez les spectatrices. Puis, Anctil personnifie, simultanément et d’impressionnante façon, trois itinérants, Sylvain, Botch et CB, qui discutent du temps et de la mort. C’est dans le cadre des entrevues Juste pour rire que l’animateur, Stéphan Bureau, lui avait lancé le défi d’interpréter un clochard. En final, secoué de sursauts d’écholalie, l’hyperactif Rateau, handicapé intellectuel, effectuait des virevoltes, son visage déformé par des tics, des spasmes et des regards exorbités. Cette dernière prestation fut particulièrement émouvante.

Polyvalent, l’humoriste réussit dans plusieurs sphères : animation, cinéma, improvisation, etc. Ses propos moqueurs, authentiques et sympathiques lui ont valu une chaleureuse ovation.

Intègre et fidèle à lui-même, Jean-Michel Anctil est aimé… Tel quel !

Vous pouvez consulter son site officiel à l'adresse : www.jeanmichelanctil.com

Xavier Constantin

2011-11-08T14:34:00.003-05:00

29 septembre 2011 / Par Sonia Pépin /

Artiste ou groupe émergent...

Au Divan Orange, l’auteur-compositeur Xavier Constantin a dévoilé les pièces de son futur premier album. Malgré une assistance clairsemée, la prestation du chanteur et de ses musiciens a été dynamique, mais de courte durée. S’inspirant des Britanniques Zero 7 et The Police, ainsi que des Américains Fiona Apple et The Strokes, les Montréalais ont produit un style folk rock accrocheur.

Originaire de la métropole, c’est à l’âge de 10 ans que l’artiste a commencé à gratter la guitare, à travers des leçons. Puis, il développa une réelle passion pour le chant et l’écriture. En 2009, il a présenté son premier concert en solo au Quai des Brumes. Un an plus tard, Constantin s’est entouré de trois complices, aussi doués que lui. Depuis, l’énergique quatuor sillonne les salles de spectacles de la grande ville, tout en réalisant plusieurs projets : préparation, enregistrement et lancement d’un EP*, Space Age, prévu pour décembre.

Accompagné de Nick Michel (guitariste), David Alexander (bassiste) et Shane Barrett (batteur), le jeune interprète a proposé une dizaine de compositions originales. Sa voix chaude, voire délicate, suffit à créer une gamme insoupçonnée d’émotions. D’ailleurs, certaines mélodies tout en douceur rappellent James Blunt et Jack Johnson. Sans artifices scéniques, la formation amorça la soirée avec le titre Gone, suivi d’Amanda, une ballade qui séduit d’emblée. Ensuite, entre autres, les compositions Brand New, 1 + 1 et Underwater ont réchauffé l’endroit. Une ambiance discrète et chaleureuse a bercé le public.

Assurément, le talent de ces quatre complices laisse entrevoir un avenir radieux !

*Un extended play ou EP (en français maxi) est un format musical (disque vinyle, disque compact, cassette audio, etc.) qui est trop long pour être qualifié de simple single, mais trop court pour être qualifié d'album. (http://fr.wikipedia.org/wiki/Extended_play)

Vous pouvez consulter son site officiel à l'adresse : www.xavierconstantin.com

Peter Hook

2011-11-01T15:30:00.002-04:00

25 septembre 2011 / Par Sonia Pépin /

Soirée commémorative…

Plusieurs curieux et nostalgiques ont envahi le Club Soda pour revivre l’héritage musical de Joy Division. En toute simplicité, l’ancien bassiste et membre fondateur du légendaire groupe, ainsi que de New Order, Peter Hook, a proposé une relecture de l’album Unknown Pleasures. Accompagné de sa nouvelle formation, The Light, le musicien a souligné les trente ans de la mort du chanteur Ian Curtis.

Sur scène, une bannière de Manchester était accrochée au mur. Des centaines d’admirateurs trépignaient d’excitation, sifflaient et criaient lorsque Hook, son fils Jack (bassiste) et leurs comparses ont brûlé les planches. Barbu et bedonnant, le quinquagénaire interprète portait fièrement un t-shirt arborant le drapeau du Royaume-Uni. D’entrée de jeu, ils ont entamé quelques pièces telles No Love Lost, Leaders of Men, Glass et Digital, extraites de l’opus Substance 1977-1980. Suivirent les titres Disorder, Day of the Lords, Candidate, Insight et le touchant New Dawn Fades, un des moments clés de la soirée. S’époumonant sur la chanson She’s Lost Control, l’homme levait le poing à la fin de chacun des refrains. Sa voix plutôt ordinaire, offrant pléthore de fausses notes, était heureusement couverte par la musique. S’enchaînèrent ensuite Shadowplay, Wilderness, Interzone et I Remember Nothing, qui sonnèrent très fort. Finalement, les spectateurs ont eu droit à These Days, Ice Age, Warsaw, Failures et Transmission, où ceux-ci scandaient à tue-tête : « Dance, dance, dance to the radio. » Sous un tonnerre d’applaudissements, Hook a interprété en solo Love Will Tear Us Apart, une sublime mélodie qui a fait vibrer la foule. Le concert s’acheva avec Ceremony et Dreams Never End, deux airs des années 80 popularisés par New Order.

Selon les villes visitées, la bande reprend le contenu d’un des deux mythiques opus du défunt groupe anglais.

Espérons que Peter Hook et ses acolytes repasseront à Montréal pour interpréter Closer !

Vous pouvez consulter son site officiel à l'adresse : www.peterhook.co.uk

Arcade Fire

2011-10-28T09:31:00.001-04:00

22 septembre 2011 / Par Sonia Pépin /

Retour au bercail bien mérité…

Une foule en liesse, estimée à plus de 75 000 spectateurs, accueillit le collectif montréalais Arcade Fire en plein cœur du Quartier des spectacles. Récipiendaire du prix Polaris 2011, la formation a offert une prestation magistrale, dans le cadre du dixième anniversaire du festival international de musique « Pop Montréal ».

Sous des cieux cléments, les huit membres ont brûlé les planches avec leur fougue incendiaire. Le chanteur Win Butler, la musicienne et choriste Régine Chassagne ainsi que leurs acolytes ont amorcé le concert avec la pièce Ready To Start. Puis, le timide Butler cria à son auditoire, conquis d’avance : « On va célébrer l’année incroyable d’Arcade Fire, les 10 ans de Pop Montréal et aussi, la Journée sans voitures. » Au son d’une musique endiablée, la troupe partit en trombe avec les titres Keep the Car Running et No Cars Go, servis avec une finale électrique percutante. Cofondatrice d’Arcade Fire avec son mari Butler, Chassagne chanta la ballade Haïti, tout en dansant dans sa robe de princesse. Soulagée de rentrer à la maison, elle lança entre autres : « Même après avoir fait le tour du monde, Montréal c’est vraiment cool! » Bien entendu, les succès Modern Man et Rococo ont soulevé l’assistance. Celle-ci a vivement applaudi, sifflé et hurlé. Une chanson inédite, Speaking in Tongues, à laquelle a collaboré David Byrne, du groupe Talking Heads, semble fort prometteuse. Plusieurs hymnes accrocheurs ont été livrés. Pensons à Intervention, Wake Up, Neighborhood #2 (Laika), The Suburbs, Month of May, Neighborhood #1 (Tunnels), We Used to Wait et Neighborhood #3 (Power Out). En rappel, les compositions Wake Up et Sprawl II (Mountains Beyond Mountains) furent exécutées.

Grâce à l’album The Suburbs, le groupe de l’heure a connu une année faste, sur la scène internationale, remportant de prestigieux trophées : Grammys, Brit Awards et Junos. À maintes reprises au cours de cette soirée, Butler et sa conjointe ont fait allusion à Haïti, pays d’origine de Chassagne, et à la fondation Kanpe. Il s’agit d’un organisme humanitaire qui vise à reconstruire la perle des Antilles.

Captivantes, les trente premières minutes furent assurées par le DJ canadien Kid Koala. Ensuite, la partie francophone de l’événement fut comblée avec brio par les gars de Karkwa, interprétant plusieurs airs de leur dernier opus, Les Chemins de verre.

Fidèles à leur habitude, ces ambassadeurs culturels ont fait un véritable tabac !

Vous pouvez consulter leur site officiel à l'adresse : www.arcadefire.com

De vrais mensonges

2011-10-24T07:38:00.001-04:00

16 septembre 2011 / Par Sonia Pépin /

Truffé de rebondissements cocasses et de malentendus…

Septième long-métrage de Pierre Salvadori, De vrais mensonges est une comédie sentimentale pimentée d’une douce-amère ironie. Ici, le réalisateur de Hors de prix exploite une situation vaudevillesque : le quiproquo. Trois individus en mal d’affection sont au cœur d’une correspondance amoureuse obscure et inattendue.

Un matin, dans la paisible ville de Sète, Émilie (Audrey Tautou), gérante de salon de coiffure, reçoit une lettre d’amour inspirée, mais anonyme. Accueillant cette missive avec son humeur habituelle, voire revêche, elle la chiffonne puis la jette illico au panier, sous le regard énamouré de son timide employé, Jean (Sami Bouajila). Ce que la patronne ignore, c’est que cet ouvrier bourré de diplômes en est secrètement épris. Maladroit sans le vouloir, il sera à la fois le responsable ainsi que la victime de ce véritable imbroglio. Peu réceptive, Émilie décide, sans même y réfléchir, de récupérer la lettre et de l’envoyer, sans signature, à sa mère Maddy (Nathalie Baye). Dépressive depuis que son mari (Daniel Duval) l’a quittée pour une jeune femme, la jolie quinquagénaire se morfond dans l’attente. Puis, un jour, la réception de cette déclaration enflammée, écrite par un mystérieux prétendant, lui redonne du baume au cœur. Se croyant courtisée en catimini, Maddy, requinquée, tente de démasquer l’auteur. Et seul un concours de circonstances la persuadera que Jean est son admirateur secret. Harcelant littéralement le malheureux homme à tout faire, la belle dame laisse libre cours à ses pulsions libidineuses. Sa sensibilité sera écorchée lorsqu’elle découvrira tous les subterfuges employés depuis le début. L’innocent stratagème de sa fille générera une grande confusion entre les trois protagonistes. Ils seront vite dépassés par les événements.

Excellent dialoguiste, Salvadori a écrit des répliques acerbes, ciselées et percutantes. Malgré quelques passages rigolos, l’intrigue est répétitive et manque de rythme. Plusieurs scènes peu crédibles embrouillent l’esprit du spectateur. Néanmoins, celle du théâtre en ombres chinoises trouve sa place dans l’histoire.

Charmante, la superbe Audrey Tautou incarne bien son rôle, mais sans plus. Son personnage manque de chaleur. Toutefois, on se régale de voir Sami Bouajila en amoureux transi et peu sûr de lui. Avec ses drôles de mimiques, l’acteur livre une étonnante performance. Faisant preuve d’un incroyable sens de l’humour, d’une candide profondeur et d’une douce folie, Nathalie Baye resplendit de tous ses éclats.

Léger et sympathique, De vrais mensonges fait tout de même vivre un bon moment !

Pearl Jam

2011-10-21T08:26:00.001-04:00

7 septembre 2011 / Par Sonia Pépin /

Grunge un jour, grunge toujours…

Plus de 15 000 admirateurs étaient réunis au Centre Bell, en ce mercredi soir, pour célébrer les vingt ans d’existence de la formation Pearl Jam. En 1991, les vétérans de la contre-culture avaient commencé leur carrière avec la parution de l’album phare Ten, propulsant le groupe au sommet de la gloire. Deux décennies plus tard, les Américains ont donné le coup d’envoi des commémorations en démarrant leur tournée canadienne à Montréal. Après six ans d’absence, la troupe de Seattle était fébrilement attendue par les inconditionnels.

L’énergique représentation débuta sur les notes de Metamorphosis Two, de Philip Glass. Puis, Eddy Vedder (chanteur/guitariste/harmoniciste), Jeff Ament (bassiste), Matt Cameron (batteur), Boom Gasper (claviériste), Stone Gossard et Mike McCready (guitaristes) foulèrent la scène, sous des cris de joie. Arborant un air détendu avec ses cheveux semi-longs et ses pantalons en velours côtelé, Vedder a débuté l’explosion musicale avec Elderly Woman Behind the Counter in a Small Town. Sans l’ombre d’un temps mort, les artistes ont enchaîné avec les morceaux Last Exit et Hail Hail, accompagnés des mimiques expressives de l’interprète. Une longue ovation fut accueillie avec satisfaction par les musiciens. Charismatique, le chanteur s’adressa à la foule et affirma que le Québec lui rappelle l’Europe. Comme toujours, l’homme buvait sa bouteille de vin au goulot, qu’il posait au pied de son microphone avant de sautiller sur place. Suivirent les pièces The Fixer, Amongst The Waves et Severed Hand, extraites des albums Backspacer et Pearl Jam. De la bande originale du film Into The Wild, l’excellente Setting Forth fut livrée. Deux valeurs sûres, Corduroy et Given To Fly, ont ravi les spectateurs. Plusieurs ballades dont Come Back, Down, Black, Arms Aloft, Lukin et Porch ont été jouées. Lors du deuxième couplet de la chanson Sleight Of Hand, Vedder a quasi oublié ses paroles. Au premier rappel, l’hymne rassembleur Even Flow fut entrecoupé de riffs de guitare hallucinants, menés par McCready. À l’occasion, ce dernier lançait des plectres ainsi que des collants dans l’assistance. Par la suite, à la demande du chanteur, l’œuvre Comeback fut exécutée et dédiée à son ami décédé, Johnny Ramone. Quatre classiques, Better Man, Crazy Mary, Alive et Yellow Ledbetter, mirent fin au concert.

Les adeptes seront heureux d’apprendre que les festivités se poursuivront cet automne avec les parutions du documentaire Pearl Jam Twenty, réalisé par Cameron Crowe, d’un livre et d’une trame sonore.

Dans l’amphithéâtre, l’ambiance n’était rien de moins que jubilatoire !

Vous pouvez consulter leur site officiel à l'adresse : www.pearljam.com

The Help

2011-10-19T07:51:00.001-04:00

27 août 2011 / Par Sonia Pépin /

Œuvre empreinte d’humour, de courage et d’espoir…

Précédé d’une réputation littéraire phénoménale, le premier roman de Kathryn Stockett, The Help, a fait couler beaucoup d’encre. Porté à l’écran par le cinéaste Tate Taylor, ce formidable succès de librairie révèle les travers des bourgeois blancs ainsi que les conditions de vie exécrables propres aux domestiques noirs des États du Sud. Alors que la lutte quant aux droits civiques est au stade du balbutiement, les deux races vivent séparées par des lois allant à l’encontre de la morale.

Dans le Mississippi du début des années 60, une apprentie journaliste blanche, Eugenia Phelan, alias Skeeter (Emma Stone), rentre au bercail. Employée comme chroniqueuse pour la rubrique des tâches ménagères du journal local, la demoiselle souhaite devenir écrivaine. La jeune femme pointera du doigt l’esprit étriqué de ses amies Hilly Holbrook (Bryce Dallas Howard) et Elizabeth Leefolt (Ahna O’Reilly), de mesquines banlieusardes. Choquée par leurs comportements irrespectueux envers la généreuse Celia Foote (Jessica Chastain), et surtout envers leurs nourrices, elle dénoncera les imbécillités de la ségrégation raciale. Déçue du comportement de sa mère, Missus Walters (Sissy Spacek), qui a congédié pendant son absence la bonne Constantine, elle voudrait retrouver celle qui a pris soin d’elle pendant son enfance. Rebelle, Skeeter sera à l’origine de grands bouleversements, qui ébranleront la communauté. En secret, elle recueillera les témoignages de gouvernantes effrayées. Parmi ces oppressées, on retrouve la discrète Aibileen Clark (Viola Davis) de même que l’excellente cuisinière Minny Jackson (Octavia Spencer). Victimes de violence psychologique, d’injustices et d’humiliations, elles vaincront la peur et briseront le silence.

Bien qu’un peu long, souvent prévisible, le récit n’ennuie jamais les spectateurs. Ceux-ci s’attachent aux inoubliables personnages et à leur cause. Bénéficiant d'une fidèle reconstitution historique, d’une superbe photographie, d’une efficace mise en scène, le film s’avère agréable et bouleversant. De plus, une ironie subtile se dégage en particulier d’une scène, alors qu’on apprend que la vengeance est un plat qui se mange… goulûment.

La jeune Emma Stone, avec son irrésistible bonhomie, offre une prestation magistrale. Pragmatiques, les comédiennes Octavia Spencer et Viola Davis ont livré une performance digne de mention, qui devrait leur valoir des statuettes dorées. Puis, dans son rôle de bourgeoise détestable, hypocrite et vaniteuse, Bryce Dallas Howard est parfaitement odieuse. Son jeu est cruellement convaincant. Enfin, Jessica Chastain rayonne dans la peau de la blonde naïve, fragile et sympathique. Quant à Sissy Spacek, sa brève présence enchante. Forcément, les cinéphiles éprouvent de l’empathie et de l’admiration pour ces femmes.

Inspirée de faits vécus, cette leçon de vie émeut aux larmes, mais fait également sourire !

Tous les soleils

2011-10-13T06:41:00.001-04:00

19 août 2011 / Par Sonia Pépin /

Éclats de rire et plaisir assurés…

Auteur à succès, Philippe Claudel est reparti avec le César du meilleur premier film, en 2009, pour sa production d’envergure, Il y a longtemps que je t'aime. Devenu réalisateur, le romancier signe, avec Tous les soleils, une œuvre euphorique. D’une rare sensibilité, cette comédie sentimentale à l’italienne dresse le portrait d’un veuf dynamique, qui s’emmure dans le passé.

Dans l’une des plus belles villes d’Europe, Strasbourg, Alessandro (Stefano Accorsi), professeur de musique baroque, reste inconsolable quant à la mort accidentelle de sa femme. Depuis ce fatidique événement, c’est avec tendresse et sévérité qu’il élève seul leur fille Irina (Lisa Cipriani). À l’orée de ses quinze ans, celle-ci vit ses premiers émois sous le regard des garçons, et exprime les velléités d’indépendance propres à son âge. L’adolescente se rebelle contre l’autorité, tout comme son oncle Crampone (Neri Marcore), immature et cinglé. L’homme réclame le statut de réfugié politique, question d’échapper à la corruption éhontée de Berlusconi. Ce soi-disant artiste peintre, révolutionnaire au foyer, vit aux crochets de la maisonnée. Bohème, toujours en peignoir, il passe ses journées sur le canapé, entre ses toiles, gnocchis et lessive. Pendant ce temps, le quotidien du généreux Alessandro est partagé par ses cours, ses amis de la chorale et ses visites à des malades aux soins palliatifs hospitaliers, à qui il fait la lecture. Ce mélancolique a bien du mal à reconstruire sa vie amoureuse. Mais un jour au cimetière, il rencontre Florence (Clotilde Courau), fille d’Agathe (Anouk Aimée), une personne âgée dont il était très attaché.

L’ironie douce-amère du récit, ponctué de tarentelles, ritournelles et engueulades, est d’une redoutable efficacité. Plusieurs thèmes filtrent : amour, deuil, amitié et famille. Des situations anecdotiques, un rythme soutenu, des dialogues ciselés ainsi qu’une mise en scène habile se dégagent du long métrage.

Drôles par moment, nostalgiques à d’autres, les acteurs Stefano Accorsi et Neri Marcone interprètent des personnages attachants. Sympathique, la jeune comédienne Lisa Cipriani joue bien. La rarissime, mais si charismatique, Anouk Aimée incarne avec brio la sage dame. Puis dans son rôle de femme fragile, Clotilde Courau est crédible et juste.

Évocatrice et chaleureuse, la musique de Tous les soleils résonne dans les oreilles !

Poetry

2011-10-11T11:01:00.001-04:00

11 août 2011 / Par Sonia Pépin /

Chaque mot, chaque soupir est un hymne éclatant…

En 2010, le long-métrage Poetry, du cinéaste Lee Changdong, a remporté le prix du « meilleur » scénario, au Festival de Cannes. Ce véritable drame humain dresse un magnifique portrait d’une femme digne, sensible, arrivée au crépuscule de sa vie.

Élégante sexagénaire, Mija (Yun Yunghee), impeccablement vêtue de couleurs vives et de beaux chapeaux, perd progressivement ses souvenirs. Alors que son quotidien est entravé par les pertes de mémoire liées à la maladie d’Alzheimer, elle s’inscrit à des cours de poésie. Parallèlement, dans une petite ville de la province du Gyeonggi, l’excentrique grand-mère croit mener une existence paisible avec son petit-fils, Wook (Lee Da-wit). Celui-ci est méprisant, égoïste et indolent envers sa généreuse mamie, qui l’élève seule. Conviée à une réunion parentale, la pauvre est stupéfaite d’apprendre que l’adolescent et cinq de ses amis sont impliqués dans une sordide histoire. Ainsi, Mija participe à un véritable huis clos, de même qu’à de mesquines tractations. Des faits odieux lui sont révélés par les pères des autres jeunes, qui veulent étouffer l’affaire par une offre pécuniaire à la mère de la victime. Mais la vieille femme, aide ménagère auprès d’un vieillard hémiplégique (Kim Hira), qui lui réclame des faveurs sexuelles, est dans l’incapacité d’amasser la somme requise. En quête d’argent et très préoccupée par la gravité des gestes commis, elle s’interroge en contemplant la nature et en s’évadant par les mots. Selon son professeur, le plus difficile « n'est pas d'écrire un poème, mais d'avoir envie d'en écrire un ». Lors du dernier cours, Mija devra réciter une œuvre poétique qu’elle aura composée. Obsédée, la jolie dame scrute son environnement, s’émerveille devant les fleurs, note quelques idées ou fréquente un cercle de poètes.

Ancien ministre sud-coréen de la culture, Changdong insuffle, dans la dureté du récit, des moments de fraîcheur, de tendresse. Ne présentant aucune longueur, sa méticuleuse mise en scène privilégie un rythme lent, presque contemplatif. On n’y dénote quasi aucune musique. Une finale énigmatique, voire implacable, marque le dénouement. Le réalisateur-scénariste de Secret Sunshine et d’Oasis explore brillamment ses thèmes habituels : insouciance, justice, corruption, rapports intergénérationnels, maladie et aléas du destin.

Après seize années d’absence cinématographique, la comédienne Yun Yunghee émeut par sa candeur, sa fragilité, sa force intérieure et son entêtement. Légende vivante, l’actrice livre une performance exceptionnelle, vibrante, inoubliable.

Poetry est une ode à la vie, à la beauté céleste qui va bien au-delà du regard !

Starbuck

2011-10-05T22:32:00.001-04:00

29 juillet 2011 / Par Sonia Pépin /

Idée originale, inédite et saugrenue…

Après Les doigts croches, la nouvelle comédie de Ken Scott, Starbuck, s’est révélée aussi touchante que rafraîchissante. Pour son deuxième long-métrage en tant que réalisateur, il a été épaulé par l’humoriste Martin Petit à l’écriture. Tous deux ont eu recours, en particulier, à la métaphore animale pour explorer un sujet encore tabou : la procréation médicale assistée. Brillamment, ils ont utilisé l’image du taureau Starbuck, géniteur de centaines de milliers de veaux, comme symbole de virilité. Partant de cette hypothèse assez farfelue, les coscénaristes ont réussi, de façon inusitée, à proposer une réflexion élargie, voire humoristique, sur la paternité.

À la fois simple, crédible et folle, l’histoire évoque le destin d’un éternel adolescent de 42 ans, David Wosniak (Patrick Huard). Fils d’immigrés polonais, ce chauffeur-livreur œuvrant pour l’entreprise familiale tire le diable par la queue. Des fiers-à-bras le pourchassent en vue de récupérer une rondelette somme empruntée. Sa maladresse et son insouciance lui jouent des tours. Ayant oublié ses centaines de dons de sperme à une clinique de fertilité, il sera secoué par une révélation inattendue. Un homme de loi lui apprendra, à la suite d’une erreur, qu’il est le géniteur de 533 enfants. Parmi eux, 142 tentent d’obtenir une injonction de la cour et réclament le droit de connaître l’identité de leur père biologique. Bouleversé et curieux, il demande l’aide de son ami avocat (Antoine Bertrand). Puis, assailli par un profond dilemme moral, ce quadragénaire désire tantôt demeurer dans l'ombre, tantôt révéler son identité à ses nombreux rejetons. Anonyme, tel un super héros, David Wosniak entreprend de belles actions et en aide certains. Parallèlement, sa copine Valérie (Julie Le Breton) lui annonce qu’elle est enceinte.

Le scénario est bien ficelé avec ses personnages colorés, ses rebondissements amusants et ses répliques solides. Une superbe photographie de Pierre Gill ainsi qu’une trame sonore réussie appuient cette œuvre. Malgré des invraisemblances et une finale qui s’étire, l’ensemble s’avère un bon divertissement.

Omniprésent, Patrick Huard livre une remarquable performance. Son air naturel, son authenticité et sa vulnérabilité demeurent mémorables. Hilarant, le comédien Antoine Bertrand s’impose par son franc-parler et sa répartie. Charismatique, Julie Le Breton offre une discrète composition. Plusieurs jeunes acteurs, encore inconnus, jouent les descendants avec justesse.

Ce film permet aux cinéphiles d’éclater de rire, de sourire et de verser des larmes !

The Tree of Life

2011-10-02T19:08:00.001-04:00

22 juillet 2011 / Par Sonia Pépin /

Hymne à la vie, où les infiniment petits et grands conservent leur mystère…

Adulée par les uns, décriée par les autres, la très attendue réalisation de Terrence Malick, The Tree of Life, sort des sentiers battus. Auréolée du Grand Prix du Festival de Cannes, l’œuvre complexe, et d’une rare beauté documentaire, ne plaira pas à tous les cinéphiles.

Au cœur du récit, Jack (Sean Penn) se remémore sa turbulente jeunesse ainsi que l’événement qui a anéanti sa famille. L’équilibre précaire de celle-ci sera rudement mis à l’épreuve par les douloureuses relations entre le jeune Jack (Hunter McCracken) et son père (Brad Pitt). Peu à peu, le préadolescent se révolte contre l’autorité, contre l’éducation stricte. Or, ses attitudes et ses mots trahissent une certaine brutalité et font apparaître un conflit œdipien. La mère (Jessica Chastain), tendre et gracieuse, inculque aux trois enfants ses valeurs intrinsèques, dont la foi, le respect, l’amour et l’honnêteté.

Tantôt poétique et mélancolique, tantôt philosophique et onirique, l’histoire narrative sert de prétexte à une réflexion profonde sur la création. Par une rétrospective ultime, Malick propose un véritable va-et-vient dans le quotidien de ces gens pieux, ainsi que dans les origines de l’univers et de la vie sur terre. Plusieurs périodes exposées, du bigbang aux dinosaures, de la préhistoire aux guerres mondiales, des années 50 à aujourd’hui, ne tiennent pas compte de l’ordre chronologique. Portant un regard sur l’humanité, le cinéaste américain aborde Dieu et l’homme, le bien et le mal, la vie et la mort, etc. En quarante ans de carrière, l’incomparable créateur n’a que cinq créations cinématographiques à son palmarès. Depuis son dernier long métrage, The New World, en 2005, il n’était jamais repassé derrière la caméra. Si abstrait, lyrique et exigeant, son art doit être visionné sur grand écran afin d’en saisir toutes les particularités.

Spectaculaires, sidérantes et mémorables sont les nombreuses visions cosmiques. Pendant plusieurs jours, elles hantent les spectateurs. Ces derniers se laissent imprégner par la beauté et la lenteur des images, par la trame sonore envoûtante d’Alexandre Desplat. Malgré l’originalité et la linéarité du scénario, le film comporte des longueurs, peu de dialogues ainsi qu’une décevante conclusion.

Loin de son registre naturel, Brad Pitt est déconcertant dans l’incarnation de ce père sévère et intransigeant. À la fois rêveuse et bienveillante, Jessica Chastain joue parfaitement cette mère qui souffre en silence. Lors des retours en arrière contemporains, les quelques apparitions de Sean Penn se veulent intenses et émotives.

Ce long voyage métaphysique est une merveille pour les yeux, les oreilles et l’esprit !

Oli Brown

2011-09-28T06:51:00.001-04:00

17 juillet 2011 / Par Sonia Pépin /

Artiste ou groupe émergent...

À l’Astral ce soir-là, un court auditoire fasciné de prendre part à la toute première prestation du prodige britannique, Oli Brown, était réuni. Âgé de seulement 21 ans, le guitariste et chanteur de blues est promis à un brillant avenir. C’est certainement tant pour acclamer Steve Hill que Oli Brown, deux véritables maîtres de la guitare, que cette poignée de connaisseurs était sur place.

Car en première partie, le déjà célèbre Steve Hill présentait en primeur un spectacle en solo, et offrait son tout nouvel opus, Whiplash Love. Depuis une vingtaine d’années, l’auteur de six albums s’est illustré comme jamais en livrant des performances enflammées. D’ailleurs, le virtuose a eu maintes occasions de partager la scène avec des légendes du blues comme Buddy Guy, Jimmy Vaughan, B.B. King et Johnny Lang.

Né dans un village du Norfolk, comté de l’est de l’Angleterre, Oli Brown a toujours été emballé par les rythmes musicaux. Son enfance a été bercée par les trésors du blues répertoriés dans la discographie paternelle. Le jeune homme possède un timbre puissant de voix, qui rappelle celui de Jamiroquai. Autodidacte, dès l’âge de douze ans il gratta de la guitare. Rapidement, avec la collaboration de Simon Dring (batteur) et Fred Hollis (bassiste), l’adolescent fonda son propre trio, le Oli Brown Band. Trente mois plus tard, Carl Gustafson et son groupe Blinddog Smokin ont offert à cette relève de participer à leur tournée Middle West, aux États-Unis. De nombreuses apparitions ont permis à la formation de se produire avec Walter Trout, John Mayall and the Bluesbreakers, Johnny Winter, etc. Grâce à la signature d’un contrat, sous l’étiquette allemande Ruf Records, Brown a fait paraître, en 2008, son premier disque intitulé Open Road. Celui-ci a reçu une multitude d’éloges des magazines spécialisés. Enracinée dans la plus pure tradition, sa musique séduit d’emblée. Son deuxième opus, Heads I Win, Tails You Loose, paru l’an dernier, s’est retrouvé parmi les cinq premiers au palmarès des prestigieuses revues anglaises Classic Rock et Mojo. Au gala des British Blues Awards 2010, l’interprète fut nommé meilleur chanteur masculin et meilleur jeune artiste.

Dans un environnement et une ambiance minimaliste, Oli Brown et ses acolytes ont exécuté une dizaine de titres. La soirée débuta avec Evil Soul, Keeping My Options Open, On The Top Of The World et Speechless, des pièces extraites du dernier CD.

Steve Hill et Oli Brown ce sont deux générations, mais un même talent fou!

Vous pouvez consulter son site officiel à l'adresse : www.oliselectricblues.co.uk

Tim Robbins

2011-09-26T13:37:00.001-04:00

13 juillet 2011 / Par Sonia Pépin /

Un récital rock, folk, blues et country…

L’acteur-réalisateur oscarisé, Tim Robbins, s’est produit au Club Soda pour présenter son premier disque éponyme, paru en septembre 2010. Dans cette aventure, une multitude de musiciens accompagnaient le sympathique colosse de 1,95 mètre (6 pieds et 4 pouces). Sur scène, les membres du Rogues Gallery Band ont démontré un plaisir fou.

Plusieurs spectateurs étaient curieux de savoir si l’homme de 52 ans a un talent musical. Visiblement, la plupart d’entre eux s’étaient déplacés pour voir le cinéaste, puisqu’ils braquaient leur zoom sur lui. Des éclats incessants de flashs en témoignaient largement. Le célèbre créateur avait le soutien de son frère David (guitariste/tromboniste/chanteur) et de Roger Eno (claviériste), Liam Bradley (batteur), Steve Jones (guitariste), Rory McFarlane (bassiste), Jack Pinter (saxophoniste/hautboïste), David Coulter et Kate St-John (multi-instrumentistes). Tour à tour, ses émérites complices ont joué du violon, de la flûte traversière, de l'harmonica, de l'accordéon et du cor anglais. Généreux et passionnés, ils ont interprété une vingtaine de compositions. Dynamique, le Californien entama la soirée par un air vivement applaudi : Dreams. Puis, ce fut la pièce White Train, exécutée à toute vapeur. Suivirent deux mélodies, You’re My Dare et Queen of Dreams, au zeste de folk celtique. Inspiré, entre autres, par Johnny Cash et Tom Waits, Robbins reprit les titres Folsom Prison Blues ainsi que All The World Is Green, et leur rendit hommage. Au son déformé de sa guitare, le charismatique chanteur prononça les paroles de Time to Kill, d’une voix caverneuse. Les ballades Book of Josie, Moment In The Sun et Crush On You transportent complètement. De nouvelles créations, Brooklyn Bridge, Deportee et Moonlight, ont laissé une belle impression. Quelques pièces inédites, comme Don’t Let Us Get Sick, Buckeye Jim, Well May The World Go et My Son John, couronnèrent leurs prestations. Finalement, le concert se termina sur la mélancolique Lightning Calls, écrite pour Nelson Mandela.

Autant connu pour son jeu d’acteur (The Shawshank Redemption, The Player, Bill Durham) que ses réalisations (Dead Man Walking, Mystic River), l’artiste réussit à émouvoir son public, en apparence conquis et heureux.

La révélation montréalaise Laurel Sprengelmeyer, alias Little Scream, et sa formation assuraient la première partie. Avec leur rock planant, ils ont réchauffé l’atmosphère des lieux.

Issu d'une famille d’instrumentistes, Tim Robbins perpétue aisément la tradition familiale !

Vous pouvez consulter son site officiel à l'adresse : www.timrobbins.net

U2

2011-09-24T11:43:00.002-04:00

9 juillet 2011 / Par Sonia Pépin /

Ambiance survoltée pour ce mégaspectacle historique…

À son passage dans la métropole québécoise, la formation U2, trônant au sommet des palmarès rock depuis le début des années 80, fut acclamée par des milliers de spectateurs. En ce frisquet samedi soir, quelque 80 000 admirateurs étaient réunis à ciel ouvert, à l’Hippodrome de Montréal, pour entendre cette musique, objet d’un véritable engouement.

Dans le cadre de la tournée mondiale U2 360, Bono et ses acolytes en ont mis plein la vue avec leur spectaculaire dispositif scénique. À la fois gigantesque et futuriste, cette structure d’acier aux quatre griffes fut baptisée « The Claw ». À elle seule, l’installation fascinait. Au bas, des ponts amovibles reliaient la scène centrale à une rampe circulaire située au milieu du parterre, permettant aux musiciens de s’y promener. Au-dessus, un immense écran, constitué de centaines de losanges collés les uns aux autres, se transformait parfois en cylindre, question d’y projeter des jeux d’éclairage ou des images artistiques. Ahurissant!

En guise d’introduction, le quatuor est apparu sur le podium au son de Space Oddity, version originale de David Bowie. Puis, les artistes ont démarré l’aventure avec Even Better than the Real Thing, The Fly, Mysterious Ways et Until the End of the World, extraites de l’album Achtung Baby. D’ailleurs cet automne, le groupe soulignera le vingtième anniversaire de cet excellent opus.

Aidé par un souffleur, le charismatique Bono s’exprima en français à plusieurs reprises. D’abord, le chanteur cria à son auditoire, conquis d’avance : « Les Québécois! Vous êtes prêts? Ça va swinguer ce soir! » Sous de longs applaudissements, il présenta ses complices : The Edge (guitariste), Adam Clayton (bassiste) et Larry Mullen Junior (batteur). Un florilège de bribes de chansons présentait bien des morceaux dont Where Have all the Flowers Gone?, Discotheque, de même que deux pièces de Talking Heads, During Wartime et Psycho Killer. Seuls deux airs de leur plus récent album ont été livrés, soit Get on Your Boots et I'll Go Crazy if I Don't Go Crazy Tonight. Plusieurs chansons, comme les incontournables Sunday Bloody Sunday, Vertigo, Elevation et Pride in the Name of Love, ont soulevé l’assistance. Les Irlandais ont enchainé les classiques de leur glorieux passé : All I Want Is You, Stuck in a Moment You Can't Get Out of, New Year's Day, Zooropa, City of Blinding Lights et Scarlet. Sur la ballade Miss Sarajevo, la voix du « leader », avec son imitation de Pavarotti, fut envoûtante.

Précédé d’une vidéo mettant en vedette l’astronaute Mark Kelly, le succès Beautiful Day s’est présenté comme une ode à l’exploration spatiale. Plus tard, l’interprète attira l’attention avec sa prestation de Walk on, alors que des affiliés d’Amnistie Internationale ont déposé des chandelles sur la rampe.

En rappel, les indémodables One et Where the Streets Have No Name furent exécutés. Cette soirée se termina avec Ultra Violet, With or Without You et Moment of Surrender.

Forcément, Bono et sa bande ne passent pas inaperçus !

Vous pouvez consulter leur site officiel à l'adresse : www.u2.com

Stéphane Rousseau

2011-09-18T17:08:00.007-04:00

7 juillet 2011 / Par Sonia Pépin /

Véritable et talentueuse bête de scène…

En première médiatique, l’humoriste et comédien Stéphane Rousseau présentait, à la salle Wilfrid-Pelletier, sa cinquième création scénique. Sur fond de projections multimédias, ce nouveau spectacle intitulé Les Confessions de Stéphane Rousseau fut original et coloré. Dans un décor ingénieux, élégant et s’inspirant de Las Vegas, il réussit à tenir en haleine son auditoire grâce à ses numéros loufoques. Le comique a fait appel à l’expertise de l’éclairagiste attitré de Céline Dion et scénographe, Yves Aucoin. Ce dernier a créé des images et des jeux de lumière époustouflants.

D’entrée de jeu, un film d’animation sous la forme d’une caricature fort réussie, voire amusante, illustrait l’évolution du sympathique artiste. En toute sincérité et authenticité, Rousseau a su partager plusieurs moments importants de sa vie, qu’ils soient drôles ou sérieux. Ses confidences ont servi de fil conducteur à des sketchs hilarants : vacances dans un camp de nudistes, chaussures de marche, douanier américain, années Top Gun, partie de chasse familiale et entrevue télévisée avec un animateur intellectuel français. Tantôt expressif, tantôt vulnérable, l’amuseur a imité son père Gilles ainsi que les autres membres de sa famille dans un numéro burlesque, portant sur le « dernier » ronflement du paternel. Malgré la tristesse de la situation, les spectateurs ne pouvaient s'empêcher de rire de ces fines caricatures. Au fil de ses aveux, l’homme a évoqué la naissance prématurée de son fils, Axel. Tout en s’adressant à lui, il crayonnait quelques dessins sur une tablette graphique, projetés sur un écran géant.

Multidisciplinaire, Rousseau excelle dans tout ce qu'il touche : chant, danse, peinture, dessin, etc. Doté d’une voix impressionnante, le farceur s’improvise chanteur. Il s’est permis d’interpréter plusieurs ballades dont Laisse-moi t’aimer, de Mike Brant, et Creep, de Radiohead. Sa version revisitée de Si j'étais un homme, de Diane Tell, n’avait rien de sérieux. Puis, Rico, son personnage de latino tombeur de ces dames, est entré sur les planches pour livrer d’étranges révélations. L’enivrante soirée se termina sur la pièce Suspicious Minds, d’Elvis Presley. Toutes ces prestations lui ont valu une généreuse ovation de la part du public.

Avec ses jeux d’épaules et du bassin, Stéphane Rousseau séduit à tout coup !

Vous pouvez consulter son site officiel à l'adresse : www.stephane-rousseau.com

The B-52s

2011-09-05T20:04:00.002-04:00

4 juillet 2011 / Par Sonia Pépin /

Danser et célébrer avec le groupe culte des années 80…

Sur une note joyeuse, la formation punk rock yéyé, The B-52s, a clos la 32e édition du Festival International de Jazz de Montréal. Le quatuor ne s’était pas produit dans la métropole depuis 1989. En ce lundi soir, une foule immense était réunie pour entendre ses classiques ainsi que les chansons de leur plus récent opus, Funplex.

C’est avec humour que les joyeux lurons ont salué les milliers de festivaliers. Accompagnés d’excellents musiciens, les quatre chanteurs restants, Fred Schneider, Kate Pierson, Cindy Wilson et Keith Strickland, ont livré un concert festif. D’entrée de jeu, la pièce Pump fut interprétée par les flamboyants artistes. Ces bêtes de scène ont partagé leur bonhommie et leur autodérision avec l’auditoire. Ensuite, quelques titres, dont Ultraviolet, Dancing Now, Private Idaho et Mesopotamia, se sont imposés au répertoire. Ils ont poursuivi avec Whammy Kiss, Cosmic Thing, Funplex, Roam et le mégasuccès Love Shack. En rappel, la bande est revenue pour exécuter Planet Claire et Rock Lobster, des morceaux endiablés. Avec des projections sur les immeubles environnants et des feux d’artifice qui décoraient le ciel, les spectateurs en ont eu plein la vue.

En plus de trente ans de carrière, les Américains ont produit plusieurs albums dont les excellents Wild Planet (1980) et Cosmic Thing (1989).

Au fil des ans, l’exubérante troupe a attiré les amateurs de partys !

Vous pouvez consulter leur site officiel à l'adresse : theb52s.com

Daniel Lanois

2011-08-28T16:18:00.002-04:00

4 juillet 2011 / Par Sonia Pépin /

Visionnaire éclectique, passionné et authentique…

Un an plus tard que prévu, Daniel Lanois et sa formation, Black Dub, étaient de passage dans la métropole. En juin 2010, le célèbre producteur de musique a été contraint à annuler ses activités, après avoir été victime d’un grave accident de motocyclette. L’auteur-compositeur-interprète a reçu un accueil émouvant lorsqu’il s’est présenté à la foule. Ravis de se produire à la salle Wilfrid-Pelletier, le musicien et son groupe ont célébré leur premier album éponyme. Ce concert intime, à guichets fermés, était très attendu par le public du Festival International de Jazz de Montréal.

Arborant un look décontracté avec sa barbe fournie, son manteau de jeans et sa tuque, Lanois a démontré qu’il était toujours un guitariste hors pair. En compagnie de son talentueux batteur, Brian Blade, l’artiste a livré une première pièce instrumentale, Agave. Puis, le bassiste de tournée, Jim Wilson, les a rejoints pour exécuter une seconde composition, Slow Baby, aux riffs planants. Quelques minutes plus tard, la chanteuse et multi-instrumentiste, Trixie Whitley, entra sur scène à pas feutrés pour offrir les titres : Love Lives, Nomad, Last Time et Surely. Parfois à la batterie, elle accompagnait avec brio le maître Blade. Au cours de cette soirée, la jolie Whitley a accompli de remarquables prouesses vocales; son timbre envoûtant et puissant s’entendait bien sur Silverado, aux teintes gospel. Par la suite, le réalisateur de renom a joué l’instrumentale Steel, à la « pedal steel ». Humblement, il fredonna les couplets en français de la ballade The Collection of Marie Claire, et poursuivit avec Fire, morceau extrait de son opus Shine. Sur des notes dissonantes à la guitare, les impressionnants I Believe in You et I’d Rather Go Blind furent interprétés. Une relecture des classiques The Messenger, Jolie Louise (dans la langue de Molière) et The Maker a ébloui l’assistance.

Sans compter ses musiques de film, le Québécois a acquis une renommée internationale grâce à ses collaborations auprès de Brian Eno, U2, Peter Gabriel, Bob Dylan et Neil Young.

Avant le programme principal, Leif Vollebekk, jeune homme-orchestre, a été fort apprécié.

Prodigieux, Daniel Lanois demeure un créateur inspirant et inspiré !

Vous pouvez consulter son site officiel à l'adresse : www.daniellanois.com

Ana Moura

2011-08-22T18:31:00.001-04:00

2 juillet 2011 / Par Sonia Pépin /

Vénérée par Prince et appréciée par les Rolling Stones…

Récipiendaire du prix Amália-Rodrigues 2007, Ana Moura était de retour dans la métropole. Dans le cadre du Festival International de Jazz de Montréal, la chanteuse de fado foula les planches du Théâtre Maisonneuve pour exécuter les pièces de son dernier album, Leva-me Aos Fados. Instantanément, le public fut charmé par ces chants mélancoliques.

Sur scène, Ana Moura était accompagnée de trois guitaristes chevronnés et d’un invité-surprise, le saxophoniste des Rolling Stones, Tim Ries. Tous ont offert une solide prestation. Considérée comme l’une des meilleures interprètes au monde, la jeune fadista a enchaîné les compositions avec une intensité inouïe. En guise d’introduction, elle a chanté a capella un air d’Alfredo Marceneiro, pionnier du style traditionnel portugais. Une dizaine de morceaux furent ensuite livrés dont Fado Vestido De Fado, Casa Da Mariquinhas et Loucura. Sa version des classiques No Expectations et Brown Sugar, des Stones, fut remarquable.

Resplendissante dans sa robe noire ajustée et aux reflets dorés, Ana Moura a épaté l’auditoire. Avec sa voix d’alto incroyable, sensuelle et profonde, la jolie dame a fragilement exprimé la « saudade », c’est-à-dire la nostalgie liée à la fatalité du destin.

Tantôt sombre, tantôt belle, cette expression poétique a atteint les Montréalais en plein cœur !

Vous pouvez consulter son site officiel à l'adresse : www.anamoura.net

Peter Frampton

2011-08-02T06:15:00.001-04:00

30 juin 2011 / Par Sonia Pépin /

Un inoubliable voyage dans le temps avec le légendaire rocker…

Révélé en 1976 par le mythique album platine Frampton Comes Alive, le guitariste et chanteur Peter Frampton était de passage dans la métropole. Trente-quatre ans après son unique visite, l’illustre Britannique a recréé l’intégral de cet enregistrement live, quatrième meilleur vendeur de tous les temps. Une notoriété acquise grâce au succès phénoménal du microsillon sur lequel figurent les classiques Show Me the Way et Baby I Love Your Way.

Quatre musiciens émérites l’accompagnaient sur la scène de la prestigieuse salle Wilfrid-Pelletier. Sous les applaudissements nourris des spectateurs nostalgiques, chaque membre du quintette affichait un large sourire qui trahissait le plaisir d’être là, de jouer d’anciens succès ainsi que du matériel récent. Ses acolytes, Adam Lester (guitariste), Dan Wojciechowski (batteur), Stanley Sheldon (bassiste) et Rob Arthur (claviériste/guitariste/choriste), ont offert une performance électrisante.

D'entrée de jeu, ce fut les titres Something’s Happening, Doobie Wah, Lines On My Face et Show Me The Way qui soulevèrent la foule. Suivirent les pièces It’s a Plain Shame, Wind of Change, Just the Time of the Year, Penny for Your Thoughts et All I Want to Be, dans leur version acoustique. Entre ses chansons, l’homme blaguait et interagissait avec son auditoire. Il a gentiment dit, à un retardataire plutôt désorienté : « Tu es dans la mauvaise rangée. Comment peut-on passer de la deuxième rangée à la première? Regarde ton billet. » Sans faiblir, la formation poursuivit avec Baby I Love Your Way, I Wanna Go to the Sun et Nowhere’s Too Far, des ballades remplies d’émotion. Puis, une improvisation d’une quinzaine de minutes, entrecoupée de riffs de guitares complètement hallucinants sur l’incontournable Do You Feel Like We Do, fut des plus jubilatoires. Trois œuvres ont clôt la première partie de ce superbe concert soit Shine On, White Sugar et Jumpin’ Jack Flash, des Rolling Stones.

Après l’entracte, des images de la bande dessinée Les Simpsons, où l’icône du rock a fait une apparition, défilaient au rythme de la composition Asleep at the Wheel. Généreux, l’artiste joua de nombreuses autres créations avant de terminer la soirée avec les reprises Black Hole Sun, de Soundgarden, et While My Guitar Gently Weeps, des Beatles. À 61 ans, le prodigieux instrumentiste fait toujours parler sa guitare, grâce à l’utilisation de la « talkbox ».

À guichets fermés, ce concert était très attendu par le public du Festival International de Jazz de Montréal. Ce fut sans aucun doute un des meilleurs spectacles de la 32e édition.

Chaleureux, Sir Frampton et ses complices ont reçu plusieurs ovations méritées !

Vous pouvez consulter son site officiel à l'adresse : www.frampton.com

Diana Krall

2011-08-01T07:24:00.001-04:00

28 juin 2011 / Par Sonia Pépin /

Seule au piano, sans accompagnateur…

En première mondiale, la célèbre pianiste et chanteuse Diana Krall a offert, sur trois soirs, un récital intime sur la scène du Théâtre Maisonneuve. Toutes des représentations à guichets fermés pour cette Britanno-Colombienne, qui s’est produite à maintes reprises au Festival International de Jazz de Montréal.

Avant que l’interprète fasse son entrée sur le podium, une musique ancienne fut jouée à partir du gramophone de son père, trônant à gauche du piano. Dans une agréable ambiance feutrée et musicale, l’artiste a salué l’assistance en silence. Ensuite, pour contrer le trac, elle prit une grande respiration et s’installa derrière son instrument. La jolie blonde de Nanaimo, vêtue d’une élégante robe noire et de talons très hauts, exécuta la pièce Peel Me a Grape, calmement. Tantôt timide, tantôt souriante, la musicienne souffla au public ces quelques mots : « Je suis très heureuse d’être ici. » Derrière ce commentaire, son angoisse était pourtant palpable. Sa voix tremblait pendant qu’elle chantait les titres Garden in the Rain, Lovely Day et Come Dance With Me, de Frank Sinatra. Heureusement, la dame modifia avec assurance sa technique et affirma : « Je m’ennuie de chez moi, Vancouver est bien loin… » Cette déclaration fut saluée par de longs applaudissements. D’un aplomb impressionnant, la belle s’est alors lancée dans un pot-pourri des compositions du regretté Fats Waller, considéré parmi les meilleurs joueurs de piano stride.

Resplendissante, Krall a rendu hommage aux férus de jazz qui l’ont surtout inspirée, dont Oscar Peterson et Ella Fitzgerald. Volubile, elle partagea des souvenirs, son trajet, sa quête, de même que des paroles sur ses enfants et son mari, l’auteur-compositeur-interprète britannique Elvis Costello. Entre deux prestations, l’instrumentiste a émis des commentaires rigolos. D’emblée, les spectateurs ont eu l’impression de se trouver dans un piano-bar; ils pouffaient de rire entre les morceaux. La voix suave de la chanteuse se fit entendre sur des ballades, des boogie-woogies ainsi que sur des swings tirés de vieux albums de son paternel. Au rappel, c’est muni d’un ukulélé qu’elle est revenue pour interpréter, sans micro, l’œuvre All I Do Is Dream. Dans un immense cadre placé en arrière-plan, des images de la jeune pianiste, à la plage, défilaient au rythme de la chanson Departure Bay, écrite avec son époux. Sur l’air de Prairie Lullaby, la soirée se termina en douceur.

Parmi des milliers de musiciens, cette femme passionnée fut admise dans le cercle fermé des vingt-quatre légendes du FIJM. Qu’elle soit seule, accompagnée d’un trio, d’un orchestre symphonique ou d’un groupe de musiciens, ses spectacles sont toujours empreints de finesse.

Talentueuse, Diana Krall construit habilement sa propre histoire !

Vous pouvez consulter son site officiel à l'adresse : www.dianakrall.com

Brad Mehldau et Joshua Redman

2011-07-29T17:32:00.001-04:00

26 juin 2011 / Par Sonia Pépin /

Retrouvailles attendues, remarquables et inspirantes…

À l’occasion d’une soirée hors de l’ordinaire, le Théâtre Maisonneuve accueillait le pianiste Brad Mehldau et le saxophoniste Joshua Redman, dans le cadre du Festival International de Jazz de Montréal. Prodigieux, les musiciens étaient réunis en duo pour une première fois sur un même podium. Outre leurs précédentes collaborations en trio ou en quartet, les deux artistes ont offert, dans un registre de tendresse, des prestations envoûtantes et réussies.

Bénéficiant chacun d’une grande popularité auprès des critiques et du public, ils ont été chaleureusement ovationnés dès leur apparition sur scène. Élégamment vêtu, Redman portait un impeccable costume gris tandis que son acolyte était habillé d’une chemise marron et d’un pantalon foncé. Complices de longue date, les hommes s’en donnaient à cœur joie en alternant des compositions originales, des reprises populaires et des classiques du répertoire. La pièce Highway Ryder, tirée de l’album du même nom, de Brad Mehldau, a été exécutée. Puis, le mélodiste livra la ballade John Boy, en souvenir de Blackbird, des Beatles. Plusieurs airs calmes et au caractère suave s’enchaînaient avec des sonorités sensuelles et rythmées. Tout en douceur, la populaire chanson You'd Be So Nice to Come Home To, écrite par Cole Porter, a été jouée avant la sublime Paranoid Android, de Radiohead. En rappel, ce fut le succès Smells Like Teen Spirit, du défunt groupe Nirvana, qui mit fin au concert.

Aux saxophones ténor et soprano, l’électrisant soliste était soutenu par le virtuose pianiste-compositeur poète.

Icônes du jazz moderne, Mehldau et Redman ne font qu’un avec leur instrument !

Vous pouvez consulter leur site officiel à l'adresse : www.bradmehldau.com et www.joshuaredman.com

Prince

2011-07-28T09:10:00.001-04:00

25 juin 2011 / Par Sonia Pépin /

Soirée impromptue, mémorable et intime avec cet artiste d’exception…

De passage au Métropolis pour un deuxième concert consécutif, le chanteur américain Prince a offert une prestation unique. Après avoir enchanté les Montréalais la veille pendant presque quatre heures, l’icône du soul était attendue par ses admirateurs inconditionnels. Sous un tonnerre d’applaudissements, le Kid de Minneapolis s’est avancé au-devant de la scène, armé de sa fidèle guitare, en distillant un groove bien funky.

D’emblée, Rogers Nelson, alias Prince, a présenté son orchestre. Et pour cette représentation exceptionnelle, ses musiciens et choristes avaient adopté la cape et la robe de bal. L’étoile était donc entourée du légendaire septuagénaire Maceo Parker (saxophoniste), de John Blackwell (batteur), Ida Nielsen (bassiste), Andy Allo (chanteuse et guitariste), Cassandra O'Neil et Morris Hayes (claviéristes), ainsi que des choristes Olivia Warfield et Shelby Johnson. Avec les membres de son groupe, l’incontournable auteur-compositeur-interprète a mêlé plusieurs genres dont les funk, rock, soul, pop et jazz. Ils ont enchaîné des pièces enlevantes, éclectiques, improvisées, même parfois interminables. Devant une foule galvanisée, le talentueux Parker, qui a joué entre autres avec James Brown, y est allé de ses solos électrisants et a suscité l’admiration. Souvent, Prince larguait son pied de micro pour diriger la troupe musicale ou pour se retirer discrètement en coulisse, pendant que les spectateurs s’efforçaient de le suivre dans ses innombrables fugues.

En marge de son répertoire, l’idole des années 80 a assuré quelques reprises. Les titres Le Freak, de la formation Chic, Play That Funky Music, chanson de Wild Cherry, What Have You Done for Me Lately, de Janet Jackson, Come Together, des Beatles, et en version gospel Nothing Compares 2U, de Sinead O'Connor, ont été livrés. À maintes occasions, des riffs de guitare ont résonné dans toute la salle. Pendant son interprétation du classique Take Me With You, extrait de l’album Purple Rain, Prince se déchaîna sur sa Telecaster rose. Tard dans la nuit, entre 2 h 30 et 3 h 30, la foule a eu droit aux mythiques morceaux Kiss et Purple Rain, alors que l’excentrique vétéran était plongé dans une lumière pourpre. Prolifique, imprévisible et créatif, l’homme de 53 ans a conclu sur ces mots : « Montréal est le meilleur endroit au monde pour faire la fête ! Je le crois ! »

Ce grand événement, empreint de sensualité, a bénéficié de nombreuses qualités : éclairages somptueux, costumes magnifiques, musiciens hors pair et plaisir assuré, voire jubilatoire. Ravis étaient les organisateurs du Festival International de Jazz de Montréal, avec la présentation de ces deux soirées endiablées, destinées aux oiseaux de nuit.

Monstre sacré, Prince a enflammé l’enceinte de la rue Sainte-Catherine !

Paco de Lucia

2011-07-26T09:11:00.001-04:00

25 juin 2011 / Par Sonia Pépin /

Seul, en trio ou en septette, l’artiste transcende l’histoire du flamenco…

Le virtuose de la guitare flamenca, Paco de Lucia, a lancé la 32e édition du FIJM à la salle Wilfrid-Pelletier de la Place des Arts. Un concert théâtral, à guichets fermés, dans lequel l’Espagnol a créé une ambiance musicale envoûtante, avec les rythmes et sons d’Andalousie. Quelques classiques, solos discrets, tientos plus lents ainsi que de nouvelles mélodies suaves démontrèrent l’étendue de son prodigieux talent.

Sans s’adresser aux spectateurs, l’illustre personnage foula le podium et ne délaissa aucunement son fauteuil. En toute simplicité, le guitariste exécuta seul une première composition inouïe. Sous des éclairages rouge orangé ou bleutés, le maître subjugua les spectateurs avec son jeu complexe, sa dextérité remarquable, voire exceptionnelle. Puis, quatre musiciens, deux chanteurs et un danseur l’ont rejoint, en s’alignant en demi-lune autour de lui. Au bonheur des festivaliers, le maestro était entouré de son neveu Antonio Sanchez Palomo (guitariste), Alain Perez (bassiste électrique), Antonio Serrano (harmoniciste et claviériste), Israël Suarez Escobar (percussionniste), Antonio Fernandez Montoya (danseur), Rafael Cortes et David de Jacoba (chanteurs). Battements des mains, danses, chants et frottements de cordes ont visiblement plu à l’auditoire. Celui-ci fut soulevé par la gestuelle empreinte de sensualité féline, même raffinée, ainsi que par la podorythmie inégalable du danseur émérite Antonio Fernandez Montoya. Son jeu de pieds était impressionnant par sa rapidité.

Légende vivante, Paco de Lucia, de son vrai nom Francisco Sánchez Gómes, a reçu le Prix hommage du Salon de Guitare de Montréal au terme de la soirée. Considéré comme l’un des meilleurs guitaristes au monde, il est le troisième à recevoir cette récompense. Auparavant, les honneurs sont allés à Jeff Beck et George Benson.

Résolument, Paco de Lucia réinvente son art avec audace, fougue et sensibilité !

Vous pouvez consulter son site officiel à l'adresse : www.pacodelucia.org

Saint-Amand Blues

2011-07-25T00:58:00.001-04:00

24 juin 2011 / Par Sonia Pépin /

Artiste ou groupe émergent...

En cette soirée de la fête nationale, il y avait de la frénésie dans l’air au mythique Bistro à Jojo, lieu de prédilection pour les mélomanes. L’interprète Mario Saint-Amand et sa formation Saint-Amand Blues ont offert une performance ensorcelante. Leur passage a été de courte durée, mais intense.

Originaire de Sept-Îles, le comédien s’est d’abord fait connaître au théâtre Denise Pelletier dans la pièce Le mariage de Figaro. Ensuite, plusieurs rôles lui ont été proposés par des metteurs en scène influents. Sa participation dans les séries télévisuelles Avec un grand A, Scoop et Grande Ourse fut appréciée. Au cinéma, l’homme s’est fait remarquer dans les productions Love-moi, L’automne sauvage, Je me souviens, Lucidité passagère et Gerry. À maintes occasions, Mario Saint-Amand a été mis en nomination au gala des prix Gémeaux. En 1994, il a remporté la statuette du meilleur rôle de soutien pour Avec un grand A, Missionnaires du sida. Quelques projets inventifs comme Ciné Cabarouette de même que la création de sa propre compagnie, Les Films de la Dune, lui ont permis de partager ses passions. Une toute nouvelle collaboration à la scénarisation, dans le film Côteau rouge, stimulera son besoin de se réaliser autrement.

Pour sa prestation musicale, le chanteur était appuyé par d’excellents musiciens, sous la direction de Charles Papasoff (saxophoniste et bassiste), accompagné d’Éric Asswad (guitariste), Benjamin Vigneault (batteur) et Pedro Ulmann (claviériste). Sans fioriture et sans mise en scène, l’ensemble joua Le docteur, une reprise en français du classique Ain’t No Doctor. La ballade Fever, popularisée par Michael Bublé, fut également livrée dans la langue de Molière. Après, la composition Rouler Collés, de Richard Desjardins, avec son riff de guitare, a réchauffé l’endroit. Puis, la voix rauque de l’artiste s’intensifia sur le morceau I Lost My Baby, de Jean Leloup. Un invité spécial, Breen Leboeuf, rejoignit la bande sous une explosion de joie, de cris et d’applaudissements. Pour rendre hommage à Gerry, pionnier du rock québécois francophone, des succès d’Offenbach, Mes Blues passent pu dans porte, Ayoye et Deux autres bières, ont été exécutés. Le concert se termina avec la chanson préférée du légendaire rocker, Georgia On My Mind, de Ray Charles.

Tout au long de l’été, Mario St-Amand et ses acolytes sillonnent les salles de spectacles à travers la belle province. Certes, ce sera beaucoup de plaisir pour l’artiste. Depuis longtemps, il applique cette indication reçue par la comédienne Danielle Fichaud : « Le métier que l’on pratique ça s’appelle jouer. Ça implique que tu dois avoir du plaisir. »

Dans ce Temple du blues, Mario semblait fort heureux !

Vous pouvez consulter son site officiel à l'adresse : saintamandblues.com

Robert Plant

2011-07-23T17:45:00.002-04:00

24 juin 2011 / Par Sonia Pépin /

Performant, sympathique et généreux…

En préouverture du Festival International de Jazz de Montréal, Robert Plant, l’icône du rock britannique, fut accueilli avec un enthousiasme indescriptible. Des admirateurs de tous âges voulaient voir et entendre l’ancien chanteur de Led Zeppelin. Une véritable frénésie gagna la salle Wilfrid-Pelletier. Après quarante ans de métier, l’artiste fascine toujours autant le public. De nombreux applaudissements fusaient de part et d’autre.

Accompagné sur scène de sa nouvelle troupe, Band of Joy, l’auteur-compositeur-interprète a présenté les compositions de leur album éponyme et quelques classiques du mythique groupe anglais. Cette bande de joyeux musiciens est composée de Buddy Miller (guitariste), Patty Griffin (chanteuse et guitariste), Darrell Scott (multi-instrumentiste), Byron House (bassiste) et Marco Giovino (percussionniste). L’homme à la crinière blonde éblouit par la justesse de sa voix unique, voire inimitable, et son immense charisme. À 62 ans, le vétéran n’a rien perdu de sa fougue, juste à le regarder se déhancher et brandir son pied de micro. Ses musiciens et lui ont conquis l’auditoire avec une version country/folk du succès Black Dog; une véritable explosion de joie résonna du troisième balcon jusqu’au parterre. Avant d’offrir la seconde prestation, l’illustre personnage lança : « Montréal, merci bien. Voici le Band of Joy, on continue. » Des guitares puissantes se firent entendre sur Down to the Sea. Quelques reprises furent ensuite livrées dont Angel Dance, de Los Lobos, et House of Cards, de Richard Thompson, entrecoupées par What Is And What Should Never Be, pièce tirée de l’album Led Zep II. L’investigateur du projet, Buddy Miller, a partagé sa création Somewhere Trouble Don’t Go avant que le magnifique air, Monkey, du groupe Low soit joué. Puis, Scott a interprété l’inoubliable A Satisfied Mind, du chanteur country Porter Wagoner. En solo, avec son œuvre Oceans of Tears, Griffin a impressionné l’assistance. Suivirent les titres Monkey, Satan Your Kingdom Must Come Down, In the Mood et Please Read the Letter. Ovationné, Plant souleva la foule avec Black Country Woman, Misty Mountain Hop ainsi que Ramble On, en poussant son fameux grand cri d’antan. Sur les notes de Harms Swift Way, Lifa Has It’s Little Ups and Downs et Gallows Pole, le mémorable concert se termina dans la joie.

De 1966 à 1968, Band of Joy était le nom de la formation dans laquelle fut membre le célèbre chanteur ainsi que John Bonham, le regretté batteur de Led Zeppelin.

Figure légendaire, Robert Plant s’est vu décerner le « Montreal Jazz Festival Spirit Award », juste avant de fouler les planches. Il est le sixième créateur à recevoir cette distinction.

Une première visite historique que les spectateurs montréalais n’oublieront pas de sitôt !

Vous pouvez consulter son site officiel à l'adresse : www.robertplant.com

Gerry

2011-07-21T00:59:00.002-04:00

22 juin 2011 / Par Sonia Pépin /

Hommage posthume au pionnier du rock québécois francophone…

Transposer la biographie intitulée Gerry Boulet, avant de m'en aller, écrite par Mario Roy, s’est avéré un défi de taille. Scénarisé par Nathalie Petrowski, le quatrième long métrage du cinéaste Alain Desrochers, Gerry, relate de façon chronologique la vie tumultueuse du chanteur d’Offenbach. Vingt-et-un ans après sa disparition, l’homme à la célèbre tignasse revit à l’écran.

Issu d’une famille modeste, Gérald Boulet, alias « Gerry » (Mario Saint-Amand), est fasciné par les orgues. Voyant leur père George (Luc Proulx) accablé par le poids d’une existence morne, Gerry et son frère Denis (Louis-David Morasse) rêvent d’un avenir meilleur. Ces fils d’ouvrier formeront l’orchestre Les Gants Blancs, qui deviendra Offenbach avec Jean « Johnny » Gravel (Marc-François Blondin) et Michel « Willy » Lamothe (Mathieu Lepage). Charmeur, Gerry fait la connaissance de sa première femme, Denise (Madeleine Péloquin), et devient père. Naîtra, ensuite, une fructueuse collaboration entre les membres du groupe et le cinéaste/poète Pierre Harel (Éric Bruneau). Ce dernier les convainc de chanter en français pour devenir les « Rolling Stones du Québec ». Puis, Denis quitte la formation; Roger «Wézo » Belval (Roberto Mei) le remplacera à la batterie. À l’automne 1973, tous s’exilent en France pour le documentaire Tabernac. Le passionné Gerry y tombe éperdument amoureux de Françoise Faraldo (Capucine Delaby). Au retour, ils effectuent une tournée. Certains partiront en raison d’une discorde entre les musiciens. Deux Ontariens, Breen Leboeuf (Eugene Brotto) et John McGale (Jonas Tomalty), combleront les départs. En 1985, Offenbach livre une dernière prestation devant une foule en délire au Forum de Montréal. Par la suite, le rebelle entame une carrière solo. Animé par l’urgence de vivre, Gerry combat un cancer et lance l’album Rendez-vous doux.

Pour camper ce monstre sacré, le comédien Mario Saint-Amand est parfait. Trois mots définissent son jeu : passion, intensité et émotion. Celles-ci se lisent sur son visage, se ressentent dans sa voix surtout lorsqu’il chante a capella la pièce Georgia on my mind. Tantôt bouleversant, tantôt inspiré, Saint-Amand personnifie littéralement le légendaire rocker. Dans certaines séquences, les spectateurs croient voir apparaître l’interprète frivole, impulsif et jovial tellement leur ressemblance physique (grandeur, cheveux, démarche) est à s’y méprendre. Puisant dans son passé, l’acteur livre une performance magistrale. Grâce à leur talent, Morasse, Blondin, Brotto, Lepage, Bruneau, Mei et Tomalty incarnent avec justesse l’essence de leur personnage. Quant aux actrices Péloquin et Delaby, elles jouent admirablement les deux femmes tant aimées.

À la fin de la projection, les cinéphiles sont demeurés assis, silencieux et songeurs.

Avec ses innombrables chansons, Gerry fait encore vibrer le Québec !

La Walkyrie

2011-07-18T07:34:00.001-04:00

18 juin 2011 / Par Sonia Pépin /

Production prodigieuse, impressionnante et techniquement complexe…

Créateur hyperactif, Robert Lepage a mis en scène La Walkyrie, second volet de la tétralogie The Ring, de Richard Wagner, au Metropolitan Opera de New York. Ce concert s’est avéré un défi logistique et technique de taille à relever, tant pour le scénographe que pour l’opéra. Ravis, les amateurs ont pu voir une œuvre magistrale de plus de cinq heures, incluant deux entractes, présentée sur grand écran dans le cadre de la série MET live in HD.

Les artistes et artisans ont brillé de tous leurs feux. Baguette en main, maestro James Levine a conduit ce prestigieux orchestre avec brio. Divisé en trois actes, Die Walküre (de son nom allemand) est le plus joué des quatre opéras du Ring. On y raconte une histoire d’amour complexe entre deux jumeaux maudits, Siegmund et Sieglinde, séparés dès leur enfance. Lors d’une tempête, pourchassé par des adversaires, Siegmund (Jonas Kaufman) se retrouva totalement épuisé devant la maison de Sieglinde (Eva-Maria Westbroek). Dès cette première rencontre, un coup de foudre se manifeste entre eux. Amoureux, ils se découvriront frère et sœur. Confrontés à la cruauté du destin, les deux protagonistes vivront une relation incestueuse. Celle-ci sera difficilement acceptée par leur père, le dieu suprême Wotan (Bryn Terfel), ainsi que par son épouse Fricka (Stéphanie Blythe). Pour sauver l’honneur de la famille, ces derniers exigeront un duel opposant Hunding (Hans-Peter Konig), le méchant époux d’une union forcée avec Sieglinde, au jeune homme. Afin de protéger son fils de ce mortel combat, le contrarié Wotan fait appel à sa fille immortelle Brünnhilde (Deborah Voigt), une Walkyrie. Défiant l’autorité paternelle, elle devra prendre la fuite. Clamant sa colère et sa déception, Wotan condamnera son enfant chérie afin de la punir de sa désobéissance.

Un imposant dispositif scénique a été conçu par le dramaturge et ses collaborateurs. Il est constitué de 24 planches mobiles qui se métamorphosent rapidement. Des images y sont projetées dont forêt, maison, tempête de neige, laves rougeoyantes (le Walhalla) et chevauchée héroïque des huit Walkyries. Devant la spectaculaire scène finale, les spectateurs exprimèrent leur émoi en applaudissant d’admiration.

Héros du troisième opéra du cycle, Siegfried sera présenté à l’automne 2011. Pour découvrir la chronique du prologue Das Rheingold, consultez les archives 2010.

La Walkyrie est une création profonde, ambitieuse et éblouissante !

Béatrice Bonifassi

2011-07-15T09:06:00.001-04:00

17 juin 2011 / Par Sonia Pépin /

Un amalgame réussi de la chanson réaliste et d’interprétations classiques…

Préparé avec maitrise et passion, le premier spectacle solo de l’interprète Béatrice Bonifassi a été présenté à l’Astral, dans le cadre des Francofolies de Montréal. Au cœur de ce « concert à voyager dans le temps », sept excellents musiciens soutinrent les prouesses vocales de la chanteuse.

Accompagnée de Fabienne Lucet (pianiste), Manon Chaput (bassiste), Robbie Kuster (batteur) et d'un quatuor à cordes, Bonifassi a revisité un vaste répertoire de compositions françaises. Comme chef d'orchestre, l’artiste a su enrichir ses interprétations par des arrangements musicaux audacieux. Vêtue de noir, coiffée d’un chapeau melon, elle se présenta sur scène en marchant à l’aide d’une canne, tout en lançant de multiples confettis. Sur les notes de La Polka de Schnittke débuta l’exquise représentation, suivit de la pièce Le billard électrique de Piaf. Plusieurs mélodies furent ensuite livrées dont Madame Rêve, de Bashung, Tout fout le camp, de Piaf, Est-ce ainsi que les hommes vivent?, de Ferré, ainsi que La môme caoutchouc, de Gabin. Puis, sur une œuvre improvisée de Francis Poulenc, admirablement exécutée au piano par Lucet, la magnifique Bonifassi récita un texte. Par la suite, entre alcool et fumée de cigarette, tous ravivèrent la fièvre des soirées d’autrefois. Ils reprirent les airs classiques Mink Schmink, de Eartha Kitt, et Le temps des cerises, écrit en 1866 par Jean-Baptiste Clément. Une des créations jouées provenait d’une partition de Liszt sur laquelle l’auteure-compositrice-interprète jumela L'orgue de Barbarie de Prévert, avant d’enchaîner l’indicatif musical de l'Armarcord. Tantôt grave, tantôt théâtrale, la belle entonna les ballades L'herbe tendre, de Serge Gainsbourg, et Parlez-moi d'amour, de Lucienne Boyer. Dans un univers burlesque, le septuor exécuta La valse de Schnittke, de même que Voodoo Guinguette. Cette conclusion inattendue a maintenu les spectateurs en état d’excitation.

La dame a connu un énorme succès sur la scène internationale pour ses multiples collaborations. Sa puissante et magnifique voix a été au service de Benoit Charest avec Les Triplettes de Belleville, de DJ Champion et du duo Beast.

Enfin, écouter l’énergique Béatrice Bonifassi est un plaisir qui se partage !

Cali

2011-07-11T07:17:00.001-04:00

16 juin 2011 / Par Sonia Pépin /

Quatrième passage déchaîné aux Francofolies de Montréal…

Sur les planches de la scène extérieure Ford, le chanteur Cali offrit une performance électrisante. Malgré une chaleur torride, le poète de la chanson s’est livré corps et âme devant des milliers de festivaliers. Une extraordinaire effervescence régna tout au long du concert de quatre-vingt-dix minutes.

Bientôt âgé de 43 ans, l’homme maintenait la cadence, sautillait, se roulait par terre et courait d’un bout à l’autre du podium. L’auteur-compositeur-interprète avait un charme fou. Entouré de huit talentueux musiciens et choristes, Cali a présenté, avec fantaisie et humour, le contenu de son nouvel album intitulé La vie est une truite arc-en-ciel qui nage dans mon cœur. Des hymnes passionnés et empreints de légèreté furent interprétés dont Je sais ta vie, L’Amour fou et Qui se soucie de moi. Puis, des titres comme Je te veux maintenant, Ma douleur, Le Grand Jour et Pensons à l’avenir ont démontré la profondeur de ses textes. « Tout le monde à poil! », clamait-il à tue-tête. Ancien succès, la composition Je m’en vais a été chantée en surfant sur le ventre parmi la foule, de même qu’en performant debout au milieu de celle-ci, avant de revenir sur le dos vers ses acolytes. Suivirent les pièces Mille ans d’ennui ainsi que Giuseppe et Maria, l’artiste lançant alors un « Salut à toi, peuple québécois! » Par la suite, cet amoureux transi de Montréal remercia plusieurs fois le public et les organisateurs. Au même moment, trois filles l’ont rejoint en grimpant sur scène pour chanter, danser et virevolter sur le morceau C’est quand le bonheur, avant d’être renvoyées. La version originale de Elle m’a dit a été remaniée et servie de façon plus rock. Durant l’air 1000 cœurs debout, indicatif musical de Star Académie en 2009, l’auditoire tapait des mains en chantant le refrain. Finalement, la soirée se termina avec Cantona, chant patriotique rassembleur à la gloire du célèbre footballeur français. Croulant sous les applaudissements, le sacré personnage a voulu faire plaisir aux gens d’ici en modifiant les paroles pour « J'aurais voulu être Robert Charlebois! », puis pour «... être Léo Ferré » et une dernière fois pour « ...être Le Canadien ». Il conclut en demandant aux individus de se taire et en dessinant un cœur avec ses doigts.

Chaque personne présente ce soir-là pourrait dire : « Cali, ta musique a des airs d’Arcade Fire et nous en sommes ravis ! »

Vous pouvez consulter son site officiel à l'adresse : www.calimusic.fr

Natacha Atlas

2011-07-07T11:11:00.004-04:00

16 juin 2011 / Par Sonia Pépin /

Mondialement reconnue pour ses sonorités arabes, électroniques et éclectiques…

Sept mois après son dernier passage dans la métropole, la chanteuse Natacha Atlas effectuait un heureux retour dans le cadre des Francofolies de Montréal. Chaleureusement accueillie par les spectateurs, l’artiste s’est présentée au Club Soda avec son récent album, Mounqaliba. En arabe, ce titre signifie « bouleversé » et représente les agitations politiques, morales et intérieures engendrées par la consommation excessive.

Devant un parterre assez bien rempli, l’interprète d’origine égyptienne foula la scène et ne délaissa que très rarement son fauteuil. Seulement, à quelques reprises, elle exécuta le « raq-sharki », soit la danse du ventre. Lors de ce concert, Atlas fut soutenue par son époux Sami Bishai (violoniste), Alcyona Mick (pianiste), Louai Alhenawi (batteur et joueur de ney, une flûte arabe), Andrew Hamill (bassiste) et Ali Abdel-Alim (joueur de darbuka). « Nous sommes heureux d’être à Montréal. On aime être ici », a lancé un des musiciens. Ils offrirent une solide prestation. La délicate voix de soprano de la belle a su ravir le public. La dame a entonné une dizaine de titres dont Batkallim, Makaan, Nashwa et Mon amie la rose, chanson de Françoise Hardy. Suivit une reprise du Britannique Nick Drake, Riverman. Une version technopop des pièces d’anthologie Black Is the Colour et I Put a Spell on You, de la diva Nina Simone, ont réjoui les admirateurs.

Ses racines à la fois juives et musulmanes lui permettent de métisser avec brio la musique orientale, occidentale et du monde. Lauréate d’un Victoire de la musique en 2000, elle rend un brillant hommage à Fairouz, Nina Simone et Frida Khalo.

À 47 ans, la nomade Natacha Atlas a atteint les sommets de popularité !

Vous pouvez consulter son site au : www.myspace.com/natachaatlasofficial

Catherine Ringer

2011-07-02T12:03:00.003-04:00

14 juin 2011 / Par Sonia Pépin /

Retrouvailles sur scène avec une grande dame du rock français…

Célèbre égérie des Rita Mitsouko, Catherine Ringer était de retour sur les planches du Métropolis, dans le cadre des Francofolies de Montréal. Une chaleureuse ovation lui a été réservée par la foule. Celle-ci s’est présentée en mentionnant qu’elle et son groupe allaient interpréter certains succès ainsi que de nouvelles pièces de son premier album solo, Ring n’Roll. D’ailleurs, il fut encensé par la critique et le public.

Quatre ans après la disparition de Fred Chichin, son conjoint et partenaire du célèbre duo, l’énergique chanteuse s’éclatait gaiement. Face à d’irréductibles admirateurs ravis, elle offrit une fougueuse prestation. À ses côtés parmi les quatre musiciens, leur fils Raoul, âgé de 19 ans, jouait de la guitare. Communicative, la femme de 53 ans amena les spectateurs dans un univers tour à tour lyrique, théâtral et mélancolique.

En guise d’introduction, l’artiste interpréta Vive l’amour, une ballade légère, mais accrocheuse. Plusieurs morceaux furent ensuite livrés dont Punk 103, Jalousie, Triton, Yalala, Pardon et Z Bar, chanson qui l’incita à danser le twist. Quelques frénétiques déhanchements sur les pièces Hip Kit et Tongue Dance, extraites du troisième opus des Rita, intitulé Marc et Robert, étaient empreints de sensualité. Son corps bougeait au gré de la musique. Resplendissante dans son costume noir ajusté, coiffée d’une longue tresse, la belle reprit Restez avec moi, How Do You Tu et Got It Sweet, un air de blues. Après le titre Menuet, la talentueuse lâcha son fou sur La sorcière et l’inquisiteur, avant d’exprimer sa plénitude sur Prends-moi. Puis, durant Quel est ton nom?, la rage de vaincre sembla s’être emparée d’elle. « Si vous le voulez bien, on va faire notre deuil de Fred Chichin ensemble », a-t-elle dit juste avant un rappel. Sur la langoureuse Mahler, concoctée à partir de la Symphonie no 5 du compositeur viennois Gustav Mahler, un bouleversant hommage, sous forme d’un respectueux silence, s’est alors fait entendre. Les auditeurs en voulaient davantage en célébrant le passé avec Les amants et Le petit train, pigées de son répertoire d’antan. Pour leur grand bonheur, un classique des années 80, C’est comme ça, clôtura la soirée.

Que dire de cette voix mélodieuse qui nous rappelle celle de Diane Dufresne? Une énergie scénique et une fougue similaire à la grande interprète québécoise émanent de la rockeuse. Roucoulements, profondeurs et émotions étaient au rendez-vous.

La formation belge Été 67 a assuré avec brio la première partie. Ce quatuor a joué ses compositions pop, rock, country et folk tirées de son dernier CD, Passer la frontière.

Sans son compagnon, Catherine Ringer demeure une figure emblématique de la chanson !

Vous pouvez consulter son site officiel à l'adresse : www.catherineringer.com

Les Femmes du 6e étage

2011-06-27T11:11:00.004-04:00

11 juin 2011 / Par Sonia Pépin /

Sous le charme de la culture ibérique…

Sans cliché, la comédie signée Philippe Le Guay, Les Femmes du 6e étage, pose un regard bienveillant sur l’immigration espagnole des années 60, sous la présidence gaulliste. Excessivement drôle, le nouveau film du réalisateur trace le portrait social de bonnes hispaniques. Pour contrer le franquisme régnant en Espagne, ces femmes ont quitté leur pays et rêvent d’une vie meilleure au-delà des Pyrénées.

Les cinéphiles suivent les méandres d’un couple bourgeois parisien. Agent de change méticuleux, Jean-Louis Joubert (Fabrice Luchini), mène une vie rangée et dénuée de fantaisie aux côtés de sa femme, Suzanne (Sandrine Kiberlain). Oisive et snob, son emploi du temps est partagé entre manucure, coiffure, partie de bridge et thé avec les copines. Madame ne cesse de critiquer le travail de la vieille gouvernante bretonne qui s’était occupée de l’éducation de ses deux fils, avant leur départ pour le pensionnat. Face aux reproches constants et à l’ingratitude de ses patrons vis-à-vis du passé, celle-ci décide de quitter les lieux. Une belle immigrée, Maria (Natalia Verbeke), sera alors embauchée par l’épouse de monsieur. La jeune femme habite avec six de ses semblables, y compris sa tante (Carmen Maura), au dernier étage de l'immeuble cossu. Pourtant, ces domestiques vivent sans confort dans de minuscules, même lamentables, chambres de service. Solidaires, elles partagent tout, dont leurs peines et joies. Au contact de ces travailleuses acharnées, Jean-Louis est fasciné par leur univers coloré, exubérant et simple. Du jour au lendemain, il devient las du carcan familial et de l’austérité de son milieu professionnel.

Pour le plus grand bonheur des spectateurs, Les Femmes du 6e étage amène bien des rires avec ses répliques tantôt hilarantes, tantôt émouvantes. Magnifique pléiade de comédiens et comédiennes, gratifiant le long métrage de leurs précieux talents. Tout en sobriété, Fabrice Luchini apporte de la profondeur à son interprétation. Son air de gamin, sa sensibilité et sa grande aisance transpirent à l’écran. À ses côtés, Sandrine Kiberlain est excellente en patronne snob et fatigante. L’actrice Natalia Verbeke livre une performance remarquable. Une séduisante brochette d’actrices espagnoles comme Carmen Maura, icône de Pedro Almodóvar, Lola Dueñas, Berta Ojea et Natalia Verbeke ensoleille ce récit.

Dans cette fable captivante, on dénote un désir enchanteur d'escapade et de liberté !

Luz Casal

2011-06-24T08:59:00.005-04:00

10 juin 2011 / Par Sonia Pépin /

Une voix rauque, puissante, pleine d’émotions, aux accents galiciens…

Pour la première fois à Montréal, Luz Casal, la plus francophile des divas espagnoles, envoûta les spectateurs réunis au Théâtre Maisonneuve. Dans le cadre des FrancoFolies, la chanteuse a fait vibrer la foule en rendant hommage aux boléros classiques, mexicains et cubains des années 50. Elle est venue interpréter son quinzième opus, La Pasion, certifié disque platine, et quelques grandes chansons du folklore latino-américain.

Accompagnée sur scène par un orchestre aguerri de neuf musiciens, l’artiste hispanique s’adressa à l’auditoire dans un français approximatif et charmant. Entourée de ses complices, cette séduisante quinquagénaire a pris place au milieu du podium. Vêtue d’une longue robe blanche à volants et d’un boléro turquoise à fourrure artificielle, elle débuta son tour de chant avec la pièce Mar Y Cielo. De façon théâtrale et gestuelle, l’auteure-compositrice-interprète enchaîna les titres Alma Mia, Nieblas, Con Mil Desengaños et Historia De Un Amor, des ballades romantiques. Son port de danseuse de flamenco a été mis en valeur lorsqu’elle enroula un boa autour de son cou. Agrémentés d’arrangements symphoniques foisonnants, les émouvants airs Entre Mis Recuerdos, No Me Importa Nada et Nuevo Dia Brillara ont été livrés avec authenticité. Avant d’offrir sa touchante prestation, elle confia candidement au public cette réflexion : « C'était en 1991 ou en 1992, à la demande de Pedro Almodóvar. Depuis, je la chante chaque jour de ma vie. » Parfaitement posée, sa voix chaude, voire rocailleuse, sur Piensa En Mi, chanson mexicaine indissociable du film culte Talons aiguilles, nous ramena vingt ans en arrière. Puis, Casal enfila rapidement une robe de soirée noire avant d’entonner sa version de Negra Sombra, poème de sa Galicie natale. Une tendre interprétation de Gracias A La Vida, de la Chilienne Violeta Parra, fut offerte avec retenue. Suivirent les mélodies Sombras, No No Y No et Un Año De Amor, autre titre qui lui a permis de se faire connaître internationalement. La soirée se clôtura sur les notes de Lo Eres Todo, Dame Un Beso et Plantad Mi Cabeza.

Son profil dramatique, sa courte chevelure noire, son regard de braise et sa bouche souriante de beauté latine la rendent charismatique.

Cette Ibérienne qui, un temps, inspira Almodóvar demeure une interprète irrésistible !

Vous pouvez consulter son site officiel à l'adresse : www.luzcasal.es

Midnight in Paris

2011-06-21T07:36:00.002-04:00

4 juin 2011 / Par Sonia Pépin /

Ode poétique dédiée à la Ville lumière…

Comédie jubilatoire, Midnight in Paris, de Woody Allen, a été présentée hors compétition au 64e Festival de Cannes. Les cinéphiles sont transportés dans un univers charmant, léger et ludique.

Lors d’un voyage dans la capitale française, un scénariste californien, Gil (Owen Wilson), se questionne sur le sens de sa vie, sur ses ambitions littéraires. Son séjour, avec sa fiancée Inez (Rachel McAdams) et ses beaux-parents, le mènera vers une vie de bohème. Plongé dans l’écriture d’un premier roman, il trouvera l’inspiration au fil de ses promenades nocturnes. Déambulant un soir, sous les douze coups de minuit, l’écrivain en devenir est invité à monter à bord d’une rutilante voiture d’époque. Celle-ci l’emmène à la découverte du Paris des années 20. Purement fortuits, ces allers-retours lui permettront de croiser des personnages célèbres, voire mythiques : Gertrude Stein (Kathy Bates), femme de lettres, Ernest Hemingway (Corey Stoll), écrivain. De ces rencontres chimériques, Gil fait la connaissance du couple F. Scott et Zelda Fitzgerald (Tom Hiddleston et Alison Pill), puis du poète et dramaturge T.S. Eliot (David Lowe). Le jeune homme échangera quelques mots avec les peintres Salvador Dali (Adrien Brody) et Pablo Picasso (Marcial Di Fonzo Bo) ainsi que le cinéaste Luis Buñuel (Adrien de Van). Au cours de ses virées enchanteresses, cet incorrigible romantique rencontrera Adriana (Marion Cotillard), l’égérie de Picasso. Ravissante, mystérieuse, elle possède un charme ensorcelant. Sceptique de l’enthousiasme extatique de son amoureux au retour de ses sorties, Inez pense qu’il a perdu la raison. Sa dulcinée succombera à l'éloquence de Paul (Michael Sheen), un ancien camarade de collège.

Plusieurs sites touristiques les plus prisés, dont Place Vendôme, Tour Eiffel, Montmartre, Champs Élysées et Moulin Rouge, sont dépeints dans un prologue. Situations cocasses, dialogues vifs, décors enchanteurs, costumes somptueux, humour ravageur et jazz millésimé composent le 42e long métrage du réalisateur de Manhattan. Signée Darius Khondji, la photographie est incroyablement belle.

Alter ego du metteur en scène, Owen Wilson s’avère parfait. L’actrice Kathy Bates déclame de savoureuses répliques. Impeccable, Adrien Brody campe avec brio le prétentieux Dali. Quant à Marion Cotillard, elle incarne admirablement la muse. En homme de lettres, Corey Stoll se révèle époustouflant. Rachel McAdams joue bien la femme opportuniste et le talentueux Michael Sheen est remarquable en pur intellectuel. De courtes, mais excellentes, prestations ont été offertes par Tom Hiddleston, Alison Pill, David Lowe, Marcial Di Fonzo Bo, Adrien de Van, Gad Elmaleh, Carla Bruni et la Québécoise Karine Vanasse.

Dans ce conte surréaliste, on s’extasie devant ces créateurs de la Belle Époque !

Lissie et Ash Koley

2011-06-17T07:47:00.003-04:00

31 mai 2011 / Par Sonia Pépin /

Artiste ou groupe émergent...

Au Théâtre Corona, un mince, mais attentif, auditoire était réuni pour acclamer la formation winnipegoise Ash Koley, de même que l’auteure-compositrice-interprète américaine Lissie. Ces talentueux artistes ont su investir les lieux pour y créer leur univers, voire insuffler une atmosphère détendue et intime.

Le duo pop Ash Koley, formé de Phil Deschambault (compositeur/guitariste/chanteur) et d’Ashley Michelle Koley (chanteuse), assurait la première partie. Devant un public curieux, le groupe est venu présenter son premier opus, Inventions. En 2004, Koley et Deschambault se sont rencontrés et ont créé quatre EP* intitulés White, Black, Red et Blue. La voix mélodieuse de la chanteuse s’est fait entendre sur Don't Let Your Feet Touch Ground. Titre ayant été popularisé par une publicité de Lotto 6/49 et l’émission So You Think You Can Dance. S’inspirant entre autres de Eurythmics et de Abba, certaines de leurs mélodies ont fait vibrer l’assistance.

Originaire de l'Illinois, d’une ville au bord du Mississippi, Rock Island, Elisabeth «Lissie » Maurus a toujours été attirée par la musique. Sa voix cristalline, puissante et parfois éraillée rappelle celles de Stevie Nicks, du groupe Fleetwood Mac, Alela Diane et Sheryl Crow. La jeune femme flirte avec les folk, rock, blues et country. Ses surprenantes interprétations de reprises dont Bad Romance, de Lady Gaga, et Pursuit of Happiness, de Kid Cuti, ont permis de se faire connaître rapidement sur La Toile. Puis, Ray Lamontagne lui a offert de participer à sa virée au festival South By Southwest (SXSW) à Austin, au Texas. Après un premier EP*, Why You Runnin, elle fut repérée sur Myspace par Lenny Kravitz. Il l’a choisie pour assurer la première partie de sa tournée Love Revolution Tour, en 2008. Grâce à la signature d’un contrat avec Sony Music UK Columbia Records, Lissie a fait paraître, l’été dernier, un premier album nommé Catching a Tiger. Accueilli chaleureusement par la critique, la promotion de ce dernier l’amène à voyager partout sur la planète. Selon le Paste Magazine, elle a été élue meilleure nouvelle artiste de 2010.

Sans fioriture et sans mise en scène, Lissie entonna une reprise de Hank Williams, Wedding Bells. Jonglant avec des rythmes tantôt entraînants, tantôt calmes, celle-ci confirma son talent. Les ballades When I’m Alone, Look Away, Cuckoo, In Sleep et Ho Mississippi ont séduit d’emblée. Également choristes lorsque nécessaire, un guitariste et un bassiste-batteur l’accompagnaient. Promise à un avenir prometteur, la jolie blonde aurait avantage à offrir une meilleure présence scénique. On dénote certains tics physiques dérangeant pour plusieurs. Aussi, il est questionnable de savoir pourquoi, de façon machinale et risible, une telle alternance systématique entre deux guitares après « chacune » des interprétations.

L’un et l’autre, Ash Koley et Lissie offrirent de sympathiques prestations !

*Un extended play ou EP (en français maxi) est un format musical (disque vinyle, disque compact, cassette audio, etc.) qui est trop long pour être qualifié de simple single mais trop court pour être qualifié d'album. (http://fr.wikipedia.org/wiki/Extended_play)

Vous pouvez consulter les sites officiels aux adresses : www.myspace.com/lissiemusic et www.ashkoley.com

Le nom des gens

2011-06-13T16:11:00.001-04:00

22 mai 2011 / Par Sonia Pépin /

Au-delà de l’identité culturelle, des apparences et du faciès…

Inspirés de leur propre histoire, le réalisateur Michel Leclerc et sa compagne Baya Kasmi ont coécrit Le nom des gens, une comédie politico-romantique. En guise de trame, ils nous proposent une histoire abracadabrantesque permettant de déconstruire les préjugés racistes.

Plusieurs thèmes délicats sont abordés, dont : intégration, pédophilie, mariages blancs, laïcité, intégrisme religieux. Judicieusement récompensé par l’Académie des arts et techniques du cinéma, ce deuxième long-métrage a reçu le trophée du meilleur scénario original. Or, le film séduit avec ses dialogues cinglants, sa mosaïque de saynètes comiques, ses péripéties foisonnantes et ses moments tendres.

Fille d’une mère française et d’un père algérien, Bahia Benmahmoud (Sara Forestier) revendique ses origines. Militante très à gauche, elle expose sa conception de l’engagement politique aux fachos qu’elle croise. L’héroïne mène une véritable croisade. Ses formes voluptueuses sont utilisées pour rallier les hommes de droite à ses convictions humanistes. À force de plaisirs charnels, ils abandonnent leurs idées. Puis, un jour elle fait la rencontre du fils unique d’un couple français, Arthur Martin (Jacques Gamblin). Derrière ce nom de fabricant d’électroménagers européen, le discret quadragénaire travaille auprès de l’Office des épizooties. Jospiniste convaincu, le spécialiste de la grippe aviaire entretient des liens malaisés avec ses racines juives, qu’il camoufle. Diamétralement différents, les deux protagonistes se retrouvent et s’engagent dans une indéfinissable relation. Chacun porte le poids de lourds secrets et d’un héritage silencieux. Devenu l’amant durable, Arthur invite Bahia à un premier déjeuner avec ses parents. Annette (Michèle Moretti), sa mère, est une rescapée de la Shoah tandis que Lucien (Jacques Boudet), son père, travaille dans une centrale nucléaire. La désinvolte demoiselle organisera un explosif repas entre beaux-parents. Mohamed (Zinedine Soualem), son papa, est un immigré altruiste et Cécile (Carole Franck), sa maman, est une hippie.

Lors de la 36e Cérémonie des César, Sara Forestier a été sacrée meilleure actrice. Pétillante, la comédienne campe un personnage irrésistible et attachant. À ses côtés, Jacques Gamblin livre une interprétation sans faille. Sympathique, l’acteur peint sur son visage un air pince-sans-rire. Les interprètes de seconds plans offrent des prestations touchantes. Une apparition de Lionel Jospin, dans son premier rôle, s’avère désopilante. L’ancien Premier ministre socialiste a écrit ses propres répliques.

Fable moderne, Le nom des gens fait du bien au cœur et à l’âme !

Lykke Li

2011-06-10T10:43:00.003-04:00

21 mai 2011 / Par Sonia Pépin /

Sous le charme infaillible de cette ensorcelante bête de scène…

Au Métropolis, plus de 2000 admirateurs subjugués étaient réunis, tant au parterre qu’au balcon, pour applaudir Lykke Li. L’artiste scandinave est venue présenter les pièces de ses deux albums, l’excellent Youth Novels et son plus récent, Wonded Rhymes. Accompagnée de quatre musiciens et d’une choriste, installés en demi-cercle autour d’elle, l’équipe a pris d’assaut la salle de la rue Sainte-Catherine.

L’envoûtante jeune femme de vingt-cinq ans s’avança vers le micro dans la pénombre et débuta son tour de chant avec Jerome; sa voix onirique, son regard perdu, ses gestes théâtraux ont bien servi cette mélodie. Sous des faisceaux de lumière, elle interpréta la pièce I’m Good I’m Gone en coordonnant ses pas de danse avec sa baguette de percussion à la main, pour frapper la cymbale. Frondeuse, Li enchaîna de mélancoliques chansons dont Sadness Is a Blessing et Paris Blue, avant de poursuivre avec I Follow Rivers, mettant en valeur son timbre de voix particulier. Puis, le titre Dance Dance Dance fut un moment de frénésie sur des sons électroniques et pop, alimentés de clavecin et flûte. Gracieuse, la blonde suédoise se déhancha lentement tout en s’amusant avec de longues étoffes noires; celles-ci se déroulèrent du plafond vers le sol et se balancèrent au gré des ventilateurs et de l’épaisse fumée. À l’occasion, au centre de la scène, la chanteuse se drapait dans ce simple accessoire. Une splendide chorégraphie fut offerte pendant l’exécution de Made You Move par deux talentueux percussionnistes. Suivirent I Know Places, chanté en communion avec le public, Little Bit, son premier succès, et Love out of Lust, une ballade émouvante. Intense pluie de stroboscopes déployée avant le morceau Silent Shout, de la formation The Knife, alors la musicienne en profita pour danser langoureusement. Absolument captivante avec ses allures de prêtresse lorsqu’elle a offert les titres Rich Kid Blues, Until We Bleed, reprise d’Andreas Kleerup, et Get Some, avec ses lointaines guitares. Un bref concert à guichets fermés de 70 minutes, s’étant terminé sur les notes de Youth Knows No Pain mixées avec Power, de Kanye West. Plus minimalistes, ses comparses ont chanté en cœur les derniers mots « Oh my love is unrequited ».

Que dire du costume de scène de la belle, autre que : vraiment superbe? Une allure vaporeuse, sexy, où reposait un long châle noir qui flottait au vent et couvrait un minishort. De temps à autre, ses jambes se découvraient quand elle virevoltait sur le podium.

Éblouissante en prestation, Lykke, « bonheur »en danois, le transmet bien !

Vous pouvez consulter son site officiel à l'adresse : www.lykkeli.com

Potiche

2011-06-06T12:03:00.002-04:00

14 mai 2011 / Par Sonia Pépin / Écoutez la narration >

Réflexion nuancée sur les rapports humains, sur la lutte des classes, des sexes…

Le dernier long-métrage du cinéaste François Ozon, Potiche, est une adaptation de la pièce de Pierre Barillet et Jean-Pierre Grédy, piliers du théâtre de boulevard. Dans cette comédie satirique, le réalisateur livre une vision caustique des enjeux sociopolitiques/économiques et féminins. On y suit les tribulations d’une famille d’industriels, entre tradition et modernité.

Au printemps 1977, à Sainte-Gudule, village du Nord de la France, Robert Pujol (Fabrice Luchini) dirige avec poigne la fabrique de parapluies héritée de son défunt beau-père. Homme acariâtre, voire misogyne, il rabroue son épouse Suzanne (Catherine Deneuve), une « potiche » de service. À la fois époux, père et patron odieux, Pujol refuse tout changement. Mécontents de leurs conditions de travail, ses employés excédés se révoltent, prennent d’assaut l’usine et séquestrent leur cynique patron. Profitant de la situation puis du repos forcé de son époux, Suzanne s’émancipera à la direction de l’entreprise, créant « un patronat souriant, juste, chaleureux ». Soutenue par le maire communiste Maurice Babin (Gérard Depardieu) et par la secrétaire de son mari, Nadège (Karin Viard), elle rétablit une paix sociale. Cette bourgeoise héroïne réussit à moderniser la manufacture grâce à l’appui de son fils Laurent (Jérémie Renier), et ce, malgré les ressentiments de sa fille Joëlle (Judith Godrèche). Contre toute attente, Madame n’a plus envie de retourner à ses fourneaux pour chantonner Emmène-moi danser ce soir, de Michèle Torr, dans sa cuisine. Son ascension lui permettra de fuir sa prison dorée, découvrir des aspirations nouvelles et conquérir sa destinée.

Truffé de quiproquos, métaphores, révélations, humour, clichés, rétrospectives et références à la Sarkozy, Potiche s’avère jubilatoire. Propos irrévérencieux, dialogues incisifs, décor kitsch, scénario fin et quelques longueurs parsèment l’histoire. Interprétée par Deneuve, la mélodie C’est beau la vie, du regretté Jean Ferrat, sied à l’ambiance rétro du film. Dans les moindres détails, l’esthétisme des années 1970 a été respecté : papier peint psychédélique, mobilier, vêtements, coiffure, etc.

Une pléiade d'acteurs remarquables livre des performances éloquentes. Comme porte-étendard de la libération de la femme, Deneuve est époustouflante. Déchaîné, Luchini lance ses répliques avec panache. Égal à lui-même, Depardieu réussit à être émouvant. Charmante, Viar affiche le dynamisme qui la définit. En clone de Claude François, Renier est irrésistible. Puis, sous sa crinière à la Farah Fawcett, Godrèche campe à merveille une pimbêche arriviste et égocentrique.

Ce vaudeville réunit trois monstres sacrés du septième art !

Jason Bonham’s Led Zeppelin Experience

2011-06-03T15:44:00.006-04:00

12 mai 2011 / Par Sonia Pépin / Écoutez la narration >

Émouvante commémoration de l’œuvre des légendaires rockeurs…

Six mois après un premier passage remarquable au Métropolis, Jason Bonham et ses complices ont ravi à nouveau le public montréalais. À travers la musique de Led Zeppelin, le fils du regretté batteur de la formation anglaise rend hommage à son célèbre père, John Henry Bonham. Celui-ci, surnommé Bonzo, était considéré comme l’un des meilleurs de l’histoire. Par ses prouesses époustouflantes, il a laissé un héritage immense, voire colossal.

Lui-même batteur, Jason était accompagné sur scène de Tony Catania (guitariste), Michael Devin (bassiste), Stephen Leblanc (claviériste) et James Dylan (chanteur). Devant quelques milliers d’admirateurs nostalgiques, ils ont revisité les incontournables classiques du groupe culte. Dès les premières notes du titre Rock and Roll, extrait de l’album Led Zeppelin IV, l’auditoire se revoyait plongé dans les années 70. Ses musiciens et lui interprétèrent fidèlement Celebration Day, aux riffs foudroyants. Avec son rythme soutenu et le cri, AHAAAAAAAAAHA, du chanteur, Immigrant Song fut un morceau terriblement percutant. Suivirent les chansons Your Time is Gonna Come, Babe I’m Gonna Leave You et What is and What Should Never Be, où Bonham effleure ses cymbales. Ensuite, la musique funky-groovy de la pièce The Lemon Song fut hallucinante. Puis, l’étrange Thank You a permis de mettre l’orgue en valeur. Une version plus courte de Dazed and Confused a également été offerte. Le talent de Bonham s’est exprimé sur Moby Dick, un solo de batterie dans lequel il partageait virtuellement la scène avec son paternel. Tous deux frappaient à l’unisson leur instrument à percussion, dans un synchronisme parfait. Généreux, Bonham et sa troupe ont joué In the Light, Since I’ve Been Loving You, When the Levee Breaks et Over the Hills and Far Away. Certes, l’œuvre maîtresse Whole Lotta Love, basée sur un blues de Willie Dixon, demeura inoubliable. Beaucoup d’intensité se dégagea du mythique Kashmir, sublimé par les diverses orchestrations et paroles. Au rappel, la mélodie Stairway to Heaven provoqua le délire dans la foule.

Des effets sonores et visuels de grande qualité ont rehaussé cette prestation. Plusieurs extraits de vidéos inédites et amateurs ont été projetés sur des écrans géants. Moment privilégié, où les spectateurs ont été les témoins du passé intime et familial des Bonham. À travers un son irréprochable et deux salves d’applaudissements monstres, cinq comparses avaient l’air de bien s’amuser.

L’époque de Led Zeppelin, pionnier du heavy metal, a été honorée dignement !

Vous pouvez consulter son site officiel à l'adresse : www.jblze.com

Sharon Jones

2011-05-31T10:24:00.003-04:00

10 mai 2011 / Par Sonia Pépin / Écoutez la narration >

Digne représentante de l’époque Motown…

Reine des funk et soul américains, Sharon Jones et son orchestre, The Dap-Kings, étaient de retour dans la métropole à l’occasion d’une tournée mondiale. Ravis de se produire au Métropolis, la diva et sa troupe ont célébré leur récent album, I Learned the Hard Way.

Des musiciens hors pair, soit guitaristes, percussionnistes, batteur, trompettiste, tromboniste et saxophoniste, ont réchauffé l’atmosphère en livrant deux compositions instrumentales. Puis, d’un ton affirmatif, un des guitaristes a présenté l’une après l’autre les deux choristes qui ont fredonné quelques notes. Tous en ont mis plein les oreilles avant l’apparition de la chanteuse. Vêtue d’une chic robe noire à paillettes, celle-ci esquissa plusieurs mouvements de hanche, sous les applaudissements. Toujours au sommet de sa forme à 55 ans, la plantureuse Afro-Américaine a exécuté, en talons hauts, des pas de danse endiablés. Déployant une présence scénique remarquable, l’artiste invita à de nombreuses reprises des spectateurs à danser, se trémousser, chanter sur scène. Le parterre du Métropolis s’est transformé en piste de danse.

S’imprégnant des années 60 et 70, Jones et sa bande ont interprété, entre autres : If You Call, Without a Heart, Give It Back, Window Shopping, She Ain’t a Child No More et I’ll Still Be True, des nouveautés. Avant le rappel, ils ont joué He Said I Can, New Shoes, Something’s Changed et 100 Days, 100 Nights, des anciens succès. Suivirent les titres Keep on Looking et Answer Me, des chansons inspirantes.

Sa voix rauque, suave, envoûtante captive le public. Alternant d’un style à l’autre, la talentueuse interprète nous rappelle ces véritables icônes : Aretha Franklin, James Brown, Otis Redding et Tina Turner.

Les Montréalais ont été conviés à une soirée musicale comme il ne s'en fait plus !

Vous pouvez consulter leur site officiel au : www.sharonjonesandthedapkings.com

Yael Naim

2011-05-27T19:20:00.004-04:00

7 mai 2011 / Par Sonia Pépin / Écoutez la narration >

Âme lumineuse, sensible, passionnée…

Sacrée « Artiste interprète féminine de l’année » lors des 26es Victoires de la musique en France, Yael Naim faisait escale sur les planches de l’Astral. L’auteure et compositrice présentait She Was a Boy, son troisième album.

Depuis 2007, sa mélodie au succès planétaire à la suite d’une campagne publicitaire d’Apple, New Soul, nous trotte dans la tête. Or, celle-ci a permis à la Franco-Israélienne et son percussionniste David Donatien de parcourir les podiums internationaux. Portés par un véritable engouement à leur égard, ils séduisent spontanément le public du monde entier.

D’excellents instrumentistes accompagnaient le duo. L’escorte était composée de Julien Feltin (guitariste), Daniel Roméo (bassiste) et Xavier Tribolet (claviériste). Ambiance printanière, voire sous le signe de la légèreté, régnait dans la salle. Leur style métissé de folk, soul, jazz, blues et pop a donné un ton de variété à la représentation. Soirée amorcée par la belle avec My Dreams, une création jazzy. S’installant au piano, elle reprit Umbrella, de Rihanna; le bruit de gouttes d’eau tomba en pluie fine. Avec aisance, Naim a raconté plusieurs anecdotes sur son immigration à Paris, puis interpréta Come Home, mélopée dédiée à ses proches. Et alors, elle dansa avant de poursuivre avec les pièces Never Change et She Was a Boy, où rythmes orientaux, sur des airs d’accordéon, se font nostalgiques. Seule sur scène et s’accompagnant à la guitare, la chanteuse a partagé l’émouvante ballade Paris, en hébreu. Sourire taquin, le brin de femme a enchaîné avec Today, I Try Hard et Go to the River. Au moment d’empoigner le micro pour chanter Mystical Love, elle balança ses chaussures et enfila sa guitare électrique en bandoulière. Un son rock se dégagea de Stupid Goal, morceau chorégraphié avec entrain. Ressemblant à une comptine, Game Is Over fut livré en français et en anglais. L’atmosphère redevint calme lorsque Naim se remit au piano pour jouer Man of Another Woman, une œuvre envoûtante. Tour à tour, ses musiciens complices ont exécuté Find us, sous les applaudissements. En présence d’un minuscule tam-tam, ukulélé, xylophone, les compositions Puppet, New Soul et Toxic, une chanson de Britney Spears, ont clôturé le spectacle.

À l’aise, l’artiste folk Emilie Clepper assurait la première partie en interprétant quelques nouveautés de son second opus, What You See. Les réactions laissent croire que sa prestation a été fort appréciée.

Yael Naim et sa bande ont fait chuchoter aux admirateurs « This is a happy-end » !

Vous pouvez consulter son site officiel à l'adresse : www.yaelweb.com/fr

In a Better World

2011-05-23T13:51:00.005-04:00

30 avril 2011 / Par Sonia Pépin / Écoutez la narration >

Dénoncer l’engrenage de la violence…

Lauréat de l’Oscar et du Golden Globe dans la catégorie « Meilleur film en langue étrangère », In a Better World (Haevnen), de Suzanne Bier, aborde la notion d’animosité. Intarissable source de conflits finissant par tout détruire sur son passage. D’une finesse psychologique remarquable, le onzième long métrage de la réalisatrice danoise secoue le cinéphile, sans être moralisateur. Un mélodrame où la souffrance n'épargne personne.

Avec son scénariste Anders Thomas Jensen, la metteure en scène réussit à dépeindre les zones d’ombres de la vengeance. Intimidation, colère, pardon et deuil sont des thématiques universelles et bien exploitées.

L'histoire se déroule au sein de deux familles vivant paisiblement dans une ville du Danemark. Dans l’une, Elias (Markus Rygaard) se fait brutaliser par des camarades de classe dans la cour d’école. Il subit humiliations, railleries et agressions. Son père Anton (Mikael Persbrandt), médecin sans frontières, exerce sa profession dans un camp de réfugiés en Afrique. Séparé de sa femme Marianne (Trine Dyrholm), il séjourne là-bas ponctuellement afin d’aider la population locale contre les horreurs de la guerre. De retour au pays, ce fervent pacifiste est victime de racisme et de harcèlement. Des circonstances l’amèneront à expliquer à son fils Elias que la violence engendre la violence. Dans l’autre foyer, Christian (William Johnk Nielsen) a beaucoup de difficulté à s’acclimater à son nouvel environnement. Le jeune garçon a quitté Londres avec son père Claus (Ulrich Thomsen) à la suite du décès de sa mère, morte d’un cancer. Particulièrement ébranlé par cette récente disparition, il déteste son paternel et lui témoigne de la rancœur. Fraîchement arrivé dans la ville côtière, le gamin prendra la défense d’Elias, d’où une amitié profonde, voire à toute épreuve, naîtra entre eux. Refusant d’en rester là, Christian ourdit un plan pour venger son ami.

Cinéaste de talent, Bier dirige sa troupe d’acteurs de manière remarquable. Ceux-ci sont charismatiques, leur performance est époustouflante. Scénario bien ficelé, dialogues justes, photographie somptueuse de même qu’une sublime trame sonore soutiennent cette œuvre maîtrisée. Seul bémol : le final s’étire en longueur.

Le film In a Better World fait preuve d’humilité et porte à réfléchir !

Federico Aubele

2011-05-20T07:35:00.012-04:00

28 avril 2011 / Par Sonia Pépin / Écoutez la narration >

Un amalgame de reggae, folk, tango et bolero…

Dans la série Jazz à l’année du FIJM, le chanteur et guitariste argentin Federico Aubele est monté sur les planches de l’Astral. Accompagné par ses deux musiciens et pour une rare fois en l’absence de sa muse, Natalia Clavier, le compositeur a présenté Berlin 13, son quatrième album. Généreux, il a aussi interprété plusieurs titres de Gran Hotel Buenos Aires, Panamericana et Amatoria.

Amateurs de Gotan Project et Bebel Gilberto ont été enchantés par ces ambiances mélancoliques, voire accrocheuses, de ce concert intime. Dès les premières notes, la magie a opéré. C’est avec Berlin qu’Aubele a entamé la soirée. Sa voix grave et envoûtante s’entendait fort bien sur In Your Name, troisième extrait de son CD. Puis, une magnifique ballade, La Esquina, fut jouée. L’interprète a poursuivi avec No One, Luna y Sol, Lagrimas Viejas, Lluvia, 13 et Esta Noche, des pièces plus sombres. Délicieusement nostalgiques, ses chansons Ojala, El Miedo, Corazon, I’ve Seen that Face Before et Ante tue Ojos rappelèrent le tango sulfureux de son pays. Ensuite, il a livré Postales, Bohemian Rhapsody in Blue et Kreuzberg. En rappel, le jeune homme et ses acolytes sont revenus sur scène pour interpréter Diario de Viaje, un morceau parfois triste, parfois ensoleillé.

La six cordes du séduisant artiste glissa subtilement dans les arrangements sensibles de ses compositions. Tout en douceur, l’auditoire se laissa emporter par ses mélodies langoureuses.

Une soirée enchanteresse attendait les Montréalais !

Vous pouvez consulter son site officiel à l'adresse : www.federicoaubele.com

Duran Duran

2011-05-16T08:02:00.005-04:00

26 avril 2011 / Par Sonia Pépin / Écoutez la narration >

Groupe culte des années 80…

Trente ans après sa composition, le groupe pop-rock anglais Duran Duran était de retour dans la métropole, le temps d’un spectacle intimiste. Les Britanniques ont offert une excellente prestation devant les 775 groupies réunis au National, plein à craquer.

Avec ses ambiances électro-pop, leur récent disque, All You Need Is Now, nous fait replonger dans les souvenirs de l’époque « new wave ». Curieusement, la première partie fut assurée par une projection de vidéoclips à petit budget, réalisés par des admirateurs.

Les artistes de Birmingham ont reçu un accueil émouvant lorsqu’ils se sont présentés à la foule. Dès leur apparition, les nostalgiques, tant au parterre qu’au balcon, étaient prêts à danser, chanter, crier. Simon Le Bon (chanteur), John Taylor (bassiste), Nick Rhodes (claviériste), Roger Taylor (batteur), un saxophoniste-percussionniste, un guitariste et une choriste ont amorcé le concert avec Planet Earth. Quelques secondes plus tard, le chanteur n’avait pas interprété dix mots que son micro lui a fait faux bond, tout comme l’amplification sonore des instruments. À sa rescousse, le public a chanté a cappella, voire à l’unisson, les paroles. Vivement applaudis, Le Bon et ses complices exécutèrent ensuite Hungry Like the Wolf et la chanson-titre All You Need Is Now, au refrain accrocheur. Tous étaient debout, vibrant au son des pièces Being Followed, Notorious, Safe et Leave A Light On, une ballade très appréciée. Puis, Friends of Mine, l’ironique Blame the Machines suivi du titre The Chauffeur, dans lequel le chanteur soufflait de la flûte de Pan, ainsi que Ordinary World et Girl Panic ont été jouées. Juste avant un charmant clin d’œil au 51e anniversaire de Roger Taylor, les morceaux Careless Memories, Sunrise et The Wild Boys ont terminé ce happening. Après s’être éclipsée deux minutes, la mythique formation est revenue offrir A View To A Kill en rappel. Suivirent Girls On Film, de même qu’un extrait de Poker Face servi par la choriste.

Ne faisant pas ses 52 ans, Le Bon était en voix, en forme. Ses musiciens et lui se montrèrent performants, sympathiques, généreux. Solos électrisants, rythmiques entraînantes et éclairages variés ont charmé tantôt l’œil, tantôt l’ouïe, des auditeurs.

La représentation à guichet fermé fut un succès, une mémorable soirée !

Vous pouvez consulter leur site officiel à l'adresse : www.duranduran.com

Le Bruit des glaçons

2011-05-13T13:10:00.010-04:00

21 avril 2011 / Par Sonia Pépin / Écoutez la narration >

Une œuvre existentielle à vase clos…

Après cinq ans d’absence, le cinéaste iconoclaste Bertrand Blier revient avec Le Bruit des glaçons, une histoire fantaisiste et originale. D’emblée, le septuagénaire ancre son film dans une atmosphère surréaliste. Renforcé par une ambiance théâtrale, le long métrage s’avère drôle, absurde et dérangeant. Certes, il s’agit d’une idée saugrenue et d’un sujet tabou, peu fréquent au grand écran, où on personnifie le cancer avec sarcasme.

Auteur à succès fragilisé et en panne d’inspiration, Charles Faulque (Jean Dujardin) vit retiré dans sa propriété des Cévennes. Se remettant difficilement de sa séparation avec sa femme et son fils, il devient un alcoolique chronique. Seau à glace et bouteille de vin l’accompagnent en tout temps. Entouré de son amante, une jeune russe, et de Louisa (Anne Alvaro), sa fidèle gouvernante, il reçoit un cynique visiteur. L’inconnu en question, son cancer qui le consume (Albert Dupontel), lui rappelle que ses jours sont comptés. « Bonjour, lui dit-il, je suis votre cancer. Je me suis dit que ça serait peut-être pas mal de faire un petit peu connaissance ». Remué par cette bouleversante et invisible rencontre, Faulque parle dans le vide. Lui et sa tumeur s’apprivoisent. Entre l’écrivain bourru et sa maladie, tous les coups sont permis. Bientôt, Louisa connaîtra le même sort et devra régler ses comptes avec une mystérieuse métastase (Myriam Boyer).

De profondes réflexions sont portées par le vétéran réalisateur : vie, mort, alcoolisme, amour et solitude. Captivant scénario où les protagonistes contemplent leur propre fin, sauf bien sûr le cancer. Tout cela se sent dans le soin apporté aux dialogues percutants, dans la construction du récit aux ellipses nombreuses, et de par la réalisation dépouillée. La trame sonore, avec entre autres A Thousand Kisses Deep de Leonard Cohen, Ailleurs de Félix Leclerc et Ne me quitte pas, de Brel mais interprétée par Nina Simone, accentue les émotions des spectateurs. Malgré quelques longueurs, la production mérite le détour.

Deux acteurs chevronnés, Dujardin et Dupontel, forment un duo épatant, irrésistible. Pour sa mémorable prestation, Anne Alvaro a été récompensée d’un César d’interprétation. Quant à Myriam Boyer, elle s’avère impeccable. Le public, surpris d’être interloqué si souvent par ces personnages insolites, ne sait jamais à quoi s’attendre.

Un réel trompe-la-mort jubilatoire, s’adressant à un auditoire averti !

Pierre Lapointe

2011-05-09T07:49:00.009-04:00

18 avril 2011 / Par Sonia Pépin / Écoutez la narration >

Une voix envoûtante, un piano omniprésent et des éclairages subtils…

L’Étoile Banque Nationale accueillait l’auteur-compositeur-interprète Pierre Lapointe et son nouveau spectacle, Seul au piano. Avec émotion, l’illustre chanteur a présenté une rétrospective de ses compositions afin de souligner ses dix ans de métier. Ce concert est dépouillé de tout artifice en comparaison à ceux de Mutantès et La forêt des mal-aimés. Sans orchestration symphonique, sans bidule électronique, sans choriste, l’interprétation de ses mélodies crée une ambiance chaleureuse, feutrée et musicale.

D’emblée, ce grand timide séduit. S’auto proclamant le schtroumpf dépressif et se qualifiant de chanteur populaire, le public rit volontiers de ses blagues cocasses. Et que dire de ses répliques ironiquement prétentieuses? Tantôt espiègle et imbu de lui-même, tantôt intense et touchant, l’artiste entraîne les spectateurs dans son univers particulier. Selon ses propres termes, ce spectacle solo est « sa job de fonctionnaire le fun ».

Doucement, il se mit au piano à queue et exécuta, avec une verve prodigieuse, les pièces Les perles de nos yeux et Les lignes de ma main. Le jeune parolier offrit ensuite à son auditoire ses ballades Tous les visages et Le lion imberbe, mêlant poésie surréaliste et paroles profondes. Éclairé par un faisceau de lumière qui arrive de côté, l’imprévisible poète poursuit avec Ces étranges lueurs, créant un bel effet. Extraite de son premier album, la chanson Reine Émilie est décapante. Puis, il joua entre autres les titres 27-100 Rue des partances, Nous restions là ainsi que deux œuvres inédites : Nos joies répétitives et La date, l’heure, le moment. Une reprise de Moi, Elsie, une création rédigée pour la chanteuse Elisapie Isaac par Richard Desjardins et composée par lui-même, est un moment de grâce. Il livra Maman, une bouleversante complainte, Tel un seul homme, De glace et Les sentiments humains, tirées de son impressionnant répertoire. Ses succès Deux par deux rassemblés et Au bar des suicidés amenèrent l’audience à chanter à pleine voix. Aussi, on tapait dans les mains sur le morceau Nous n’irons pas, une chanson à répondre. Au rappel arrivèrent d’abord le classique Les uns contre les autres, de Starmania, et Papa Don’t Preach, de Madonna. En conclusion de cette exquise soirée vint La boutique fantastique, pièce avec laquelle il avait gagné les honneurs au Festival de la chanson de Granby.

Amateurs de chansons à texte seront servis par la profondeur de son écriture éloquente, voire raffinée.

Cet inqualifiable personnage ne fait vraiment qu’un avec ses mots et son piano !

Vous pouvez consulter son site officiel à l'adresse : www.pierrelapointe.com

Les petits mouchoirs

2011-05-06T06:58:00.004-04:00

16 avril 2011 / Par Sonia Pépin / Écoutez la narration >

Art du secret, de se mentir à soi-même et aux autres…

Pour écrire son troisième long métrage, Les petits mouchoirs, Guillaume Canet s’est inspiré de son vécu. Avec plus de cinq millions d’entrées en salle, cette ode à l’amitié a connu un succès retentissant en France. Le réalisateur aguerri dresse un portrait générationnel et collectif d’amis trentenaires secoués par certains événements. Tous se questionnent sur leurs réactions amicales, amoureuses, sur la trahison, le mensonge. Chacun se regarde le nombril; ils se font mutuellement des reproches, ce qui les amène à établir un incontournable premier bilan existentiel.

Un membre du groupe, Ludo (Jean Dujardin), est victime d’un grave accident et se retrouve hospitalisé aux soins intensifs. Outre leur sentiment d’inquiétude, le cercle d’amis dysfonctionnels décide de maintenir, malgré leur culpabilité, les vacances annuelles d’été au Cap Ferret. Perturbé par l’aveu de son copain Vincent (Benoît Magimel), Max (François Cluzet), un riche homme d’affaires, se sent anxieux et au bord de la crise de nerfs. Lui et sa femme Véronique (Valérie Bonneton) reçoivent dans leur maison la bohème Marie (Marion Cotillard), Éric (Gilles Lellouche), comédien coureur de jupons invétéré, et Antoine (Laurent Lafitte), amoureux transi. Malgré le paysage enchanteur, de nombreuses disputes, mesquineries et rancœurs marqueront leur séjour. Au gré des promenades en mer, repas collectifs bien arrosés, soirées animées, rigolades, farniente, tous se cachent derrière un masque. Perclus de culpabilité, ils doivent arrêter de mentir, d’enjoliver les faits, pour que les vérités jaillissent. D’ailleurs, un ami ostréiculteur, Jean-Louis (Joël Dupuch), dira : « Vous vous mentez les uns les autres, vous vous mentez à vous-mêmes. Vous vous dites amis, mais c’est quoi être amis ? »

Plusieurs thèmes sont exploités dans cette comédie dramatique : égoïsme, angoisse, homosexualité, couple, bien-être et philosophie. Pour éviter de voir, admettre, perdre la face et se remettre en question, les protagonistes expriment des demi-vérités. En toile de fond du récit s’inscrit une tragédie des plus saisissantes. Bien écrit, le scénario mélange humour et émotions, malgré sa longueur, ses quelques scènes répétitives et sa musique exclusivement anglophone. À travers des personnages intenses, un peu névrosés mais authentiques, les comédiens confirment leur talent. Tout en justesse, ils rendent à la perfection le côté loufoque ou malaisé des situations.

Avec Les petits mouchoirs, Canet pose un regard perspicace sur ses contemporains !

Pixies

2011-05-02T07:05:00.003-04:00

14 avril 2011 / Par Sonia Pépin / Écoutez la narration >

Bon 22e anniversaire, Doolittle…

Les vétérans rockeurs de la formation Pixies ont fait vibrer les murs du Métropolis dans le cadre de la tournée Doolittle, inspirée de leur mythique album. Entre autres, ils ont interprété dans leur intégralité les titres de ce célébrissime chef d’œuvre indémodable. Devant eux, la foule était composée de nombreux inconditionnels de la première heure et des plus jeunes générations.

Une horde d’admirateurs déchaînés envahit le parterre lorsque l’écran géant, placé en toile de fond, s’illumina soudainement pour présenter le surréaliste court métrage Un chien andalou, de Luis Buñuel et Salvador Dalí. Lorsque Black Francis (chanteur et guitariste), Kim Deal (chanteuse et bassiste), Joey Santiago (guitariste) et David Lovering (batteur) foulèrent la scène, une vague d'excitation déferla dans la salle. Quatre premiers titres obscurs, soit Dancing the Manta Ray, Weird at My School, Bailey’s Walk et Manta Ray, ont été livrés langoureusement.

Jeux de lumière et diverses projections, parfois psychédéliques, accompagnèrent presque toutes les chansons. Un seul coup de guitare incisif, sur les premières notes de l’énergisante pièce Debaser, se voulait une invitation à l’explosion collective. Cri primal intense, grognements quasi démoniaques du chanteur ainsi qu’une vidéo parade de mannequins de plastique fracassés, sur le morceau Tame, ont été vus et entendus. Plusieurs titres mémorables furent joués, dont : I Bleed, Here Comes Your Man, le solo Monkey Gone to Heaven, Mr. Grieves, There Goes My Gun et Gouge Away. Furent exécutés d’abord un premier rappel du légendaire groupe bostonnais avec le classique Wave of Mutilation puis, sous un méga, voire impénétrable, nuage de fumée, la chanson Into the White. L’auditoire ne pouvait plus distinguer ni le quatuor, ni le podium. Et les succès Head On, une reprise de Jesus and Mary Chain, Planet of Sound, Velouria, Where is my Mind, Gigantic suivirent en second rappel. Tout tremblait à l’intérieur du Métropolis. Présenté à guichet fermé, le concert s’est achevé dans une atmosphère de liesse.

D’immenses sphères, sur lesquelles étaient projetés des éclairages, décoraient la scène. Tout au fond de celle-ci, des films d’animation ont été présentés sur la toile, tenant lieu de décor.

Précurseur du rock alternatif ayant influencé Nirvana, Radiohead, Pixies a marqué son époque !

Vous pouvez consulter leur site officiel à l'adresse : www.pixiesmusic.com

The Lincoln Lawyer

2011-04-29T09:02:00.005-04:00

12 avril 2011 / Par Sonia Pépin / Écoutez la narration >

Transposer le roman à succès The Lincoln Lawyer, de Michael Connelly, sur la toile du grand écran a été un défi colossal. Le cinéaste Brad Furman et le scénariste John Romano l’ont relevé avec intelligence et sagacité. Il faut beaucoup d’ambition pour adapter un tel récit. Sans contredit, Connelly est un écrivain adulé, inventif, voire prolifique. Amateurs de plaidoiries, d’enquêtes criminelles ou de procédures judiciaires seront servis.

L’histoire met en scène Michael Haller (Matthew McConaughey), un avocat à la moralité plus que discutable, prêt à tout pour défendre ses clients corrompus. Ceux-ci sont essentiellement des gangsters, revendeurs de drogues, meurtriers... Plaidant dans plusieurs tribunaux de Los Angeles, le siège arrière de sa rutilante Lincoln lui tient lieu de bureau. Contre une importante somme d’argent, Haller accepte de prendre en charge la défense d’un jeune séducteur de Beverly Hills, Louis Roulet (Ryan Phyllippe). Issu d’une richissime famille, ce dernier est accusé de viol et de tentative de meurtre sur une femme. Clamant haut et fort son innocence, Roulet se dit victime d’un guet-apens. Or, l’avocat demande à l’enquêteur Frank Levin (William H. Macy) d’investiguer davantage. Ce qui semblait être une cause pourtant si facile et rentable au premier abord prendra des tournures inattendues. En parallèle, Haller doit pactiser avec son ex-femme (Marisa Tomei), procureure de la Couronne, avec qui il partage la garde de leur gamine. Plus les minutes avancent, plus l’enquête juridique s’intensifie et plus la tension monte entre les protagonistes.

Après un début laborieux, l’intrigue se développe agréablement. Scénario bien ficelé, humour caustique, nombreux rebondissements et bande sonore accrocheuse sont proposés par ce film ingénieux. Cependant, divers éléments entachent le long métrage du réalisateur : multitude de personnages secondaires, incontestables lenteurs et approfondissements inutiles. Les comédiens chevronnés tels que Matthew McConaughy, Ryan Phyllippe, William H. Macy et Marisa Tomei livrent des performances convaincantes, même incomparables.

Dans The Lincoln Lawyer, les cinéphiles se laissent judicieusement prendre au jeu !

Maurane

2011-04-25T09:32:00.004-04:00

11 avril 2011 / Par Sonia Pépin / Écoutez la narration >

À la mémoire de l’intarissable et éclectique Nougaro…

Dans le cadre de la série Jazz à l’année du FIJM, l’interprète belge Maurane a présenté son nouveau spectacle : Maurane Ô Nougaro. Retrouvailles émouvantes et attendues avec les Montréalais, après plusieurs années d’absence, la chanteuse séduisit d’emblée la foule de l’Astral. À son entrée, l’assistance lui a réservé une chaleureuse ovation.

Un album-hommage intitulé Nougaro ou l'espérance en l'homme témoigne de son attachement au célèbre compositeur et chanteur Claude Nougaro, disparu en 2004. Aux dires de la veuve du musicien, Maurane, de son vrai nom Claudine Luypaerts, était considérée comme « la digne héritière » du poète toulousain. Entre les chansons, l’artiste raconte, avec humour et générosité, la relation complexe qu’elle a entretenue avec son défunt ami et mentor.

Entourée de quatre acolytes chevronnés, la grande dame à la voix chaude, veloutée, jazzy, a enchaîné les compositions avec tendresse, charisme et authenticité. Les musiciens Patrick Deltenre (guitariste), Philippe DeCock (pianiste), Yves Baibay (percussionniste) et Pepito Montealegre (chanteur et guitariste de flamenco) ont offert une performance envoûtante. Ils ont joué avec aplomb, et en version swing, les morceaux Bidonville et Le jazz et la java. En guise de préambule du titre Rimes, Maurane a récité par cœur une longue lettre reçue de l’auteur. Sur les pièces La danse et Dansez sur moi, de superbes arrangements acoustiques ont été ajoutés. Aussi, quelques touches d’exotisme permirent au guitariste gitan, sur le titre Toulouse, de faire valoir sa voix alanguie. Puis, il poursuivit en duo avec Se Apago Una Estrella et Cecile. Avec la complicité de l’auditoire, la chanteuse a interprété Pas gaie la pagaille et Toutes les Mamas, ses succès. Des œuvres comme Le cinéma, À bout de souffle, C’est ça la vie et Allée des brouillards, écrite pour Diane Dufresne qui ne l’avait pas retenue, ont été livrées magnifiquement. Taquine et s’exprimant à la québécoise, Maurane a offert un extrait de Les uns contre les autres, et ce, pour mieux saluer ses amis Luc Plamondon et Louise Forestier, présents dans la salle. Sous une salve de bravos et d’applaudissements, les chansons L’espérance en l’homme, Ah tu verras, Armstrong et Il faut tourner la page ont clôt la soirée.

Avant le programme principal, Sophie Beaudet, artiste invitée nerveuse, mais sympathique, a offert cinq airs issus d’un premier opus à paraître. Sa candeur de même que son dynamisme furent appréciés.

Le timbre à la fois pur, frais, doux de Maurane frappe l’oreille, fait chavirer les cœurs!

Vous pouvez consulter son site officiel à l'adresse : www.maurane.be

Jackson Browne

2011-04-21T06:55:00.004-04:00

9 avril 2011 / Par Sonia Pépin / Écoutez la narration >

Une ambiance résolument intimiste et minimaliste…

Dans le cadre de sa tournée intitulée Solo Acoustic, l’artiste américain Jackson Browne était de passage à la salle Wilfrid-Pelletier, de la Place des Arts. Voir et entendre cette légende vivante, intronisée au Rock and Roll Hall of Fame en 2004 et au Songwriter's Hall of Fame en 2007, était un rendez-vous avec l’histoire de la musique.

En s’accompagnant soit à la guitare acoustique ou au piano, l’auteur-compositeur-interprète a revisité son vaste répertoire. Derrière le clavier, une quinzaine de guitares étaient alignées en rangée bien droite. D’entrée, ce fut des titres à succès hurlés en chœur par plusieurs bouches. Le chanteur a été fort généreux en interprétant ses grands classiques. Il a débuté par The Barricades of Heaven, Cocaine, une autre version toutefois que celle de J.J. Cale, Farther on, Rosie, Fountain of Sorrow, For Everyman, You’re Bright Baby Blues et You Love the Thunder. Puis, il livra Doctor My Eyes, une pièce entraînante. Sous un tonnerre d’applaudissements, les spectateurs attentifs ont eu droit à The Pretender et surtout à Take It Easy, un immense succès des Eagles. Suivirent Running on Empty, The Load-Out et Stay, un morceau de Maurice Williams and the Zodiacs.

Entre ses chansons, ce poète et musicien accompli racontait des anecdotes sur sa vie, sur la musique. Browne bougeait à peine sur scène. Avec un large sourire candide, il alternait entre ses guitares et son clavier. Sa voix chaude suffit à créer une gamme d’émotions insoupçonnée, voire une atmosphère de nostalgie très poétique, berçant le public. Conquis, celui-ci se laissa porter par ces flots de musique folk rock. L’auditoire, restreint mais attentif, l’applaudit. Chose rare, il n’y avait personne à la corbeille, à la mezzanine et au balcon.

En cette soirée magique, des bouffées de tendresse ont soufflé sur la métropole !

Vous pouvez consulter son site officiel à l'adresse : www.jacksonbrowne.com

Buddy Guy

2011-04-18T08:32:00.014-04:00

7 avril 2011 / Par Sonia Pépin / Écoutez la narration >

L’icône vivante du Chicago Sound Blues…

Devant une salle bondée du Métropolis, le prodigieux guitariste et chanteur Buddy Guy est venu présenter son dernier opus, Living Proof. Celui-ci lui a permis, en février dernier, de remporter son sixième Grammy. Affichant un look décontracté avec son béret blanc, George Guy, de son vrai nom, s’est éclaté auprès d’un public déjà conquis. Ce concert à guichets fermés a démarré sur des chapeaux de roue.

Considéré par Eric Clapton comme le meilleur guitariste du monde, le célèbre septuagénaire l’a prouvé par la multitude de ses prouesses techniques, sur sa Fender Stratocaster. Buddy Guy distilla un blues électrique bien senti lorsqu’il joua ses riffs avec un pic, avec ses dents, avec des baguettes, avec une serviette, ou même d’une seule main. Sur le manche de sa guitare à pois virevoltaient fougueusement les notes, tantôt derrière son dos, tantôt au-dessus de sa tête. Le légendaire musicien a insufflé une ardeur sans pareil en interprétant ses pièces de façon endiablée. En compagnie de son guitariste, il s’est lancé dans des solos sensuels, incendiaires et improvisés. Question de partager son plaisir à se retrouver sur la scène, le pionnier prit également un bain de foule.

De son palmarès aux chefs-d’œuvre tirés d’une pléiade d'albums, dont Skin Deep, Blues Singer, Damn Right I’ve Got The Blues, l’artiste a soulevé l’assistance. Les titres Someone Else Is Steppin’ In, 74 Years Young, Who’s Gonna Fill Those Shoes, Mustang Sally et la pièce Strange Brew, du groupe Cream, ont fait jubiler l’auditoire. On se rappellera longtemps du virtuose, adulé tant par Jimi Hendrix que Stevie Ray Vaughan.

Le Louisianais rend hommage aux prestigieux collaborateurs rencontrés sur son parcours. Il cite plusieurs noms mythiques dont Otish Rush, John Lee Hooker, Howlin’ Wolf, Jimi Hendrix, Muddy Waters, The Rolling Stones et B.B. King.

Avec brio, Steve Rowe, vétéran guitariste, chanteur et musicien montréalais, a assuré la première partie du spectacle.

Ce fut une soirée mémorable et intense, en compagnie de l’un des derniers géants !

Vous pouvez consulter son site officiel à l'adresse : www.buddyguy.net

Source Code

2011-04-15T09:22:00.003-04:00

1er avril 2011 / Par Sonia Pépin / Écoutez la narration >

Une course diabolique contre la montre…

L’œuvre de science-fiction Source Code, de Duncan Jones, fils du grand David Bowie, excite la curiosité du public. Tournée en partie à Montréal, elle est conçue manifestement pour forcer le spectateur à demeurer attentif au moindre détail. Une intrigue imaginative, laborieuse et bien ficelée rappelle quelque peu le fameux Inception, de Christopher Nolan. Scénario alambiqué signé Ben Ripley, duquel les principes de réalités parallèles et du continuum espace-temps s’enchevêtrent.

Afin de contrer le terrorisme, les services militaires américains ont mis au point un programme informatique expérimental baptisé Source Code; celui-ci permet de se projeter dans le corps d’un autre et de revivre les huit dernières minutes de sa vie. Amnésique, voire désorienté, le soldat et ex-pilote d’hélicoptère Colter Stevens (Jake Gyllenhaal) sert de cobaye. Pour démasquer le responsable d’une explosion, il emprunte l’identité d’un passager du train (Frédérick De Grandpré). De brèves répétitions obsessionnelles de la même séquence d’évènements se déroulent, s’y glissant toutefois de légères variations. Au fil de ses voyages temporels, Stevens doit désamorcer une bombe située à l’intérieur du wagon. Dans cet univers chimérique, le jeune homme se réveille en sursaut. Devant lui, Christina Warren (Michelle Monaghan) est assise, lui parlant avec familiarité et tendresse. Progressivement, le héros peaufine son enquête en interrogeant les mêmes passagers suspects, en vue d’éviter un attentat à l’explosif au centre-ville de Chicago. Ses chances de revenir dans le passé s’amoindrissent. Après chaque tentative, Stevens est cloisonné dans une capsule d’isolation face à un minuscule écran, d’où Colleen Goodwin (Vera Farmiga), une haute gradée militaire, lui donne ses directives.

Après Moon, le cinéaste aborde de nombreux thèmes dans ce second long métrage : solitude, paranoïa, sacrifice, manipulation psychologique et univers parallèle. Aussi, une mise en scène habile et rythmée, des hypothèses complexes et des effets spéciaux réussis ont su divertir les cinéphiles. Malgré ses quelques longueurs et incohérences, le film est un divertissement réussi. Les principaux acteurs dont Gyllenhaal, Monaghan et Farmiga livrent une performance remarquable.

Source Code, une odyssée originale et mystérieuse qui plaît sans se questionner !

I Love You Phillip Morris

2011-04-11T05:26:00.002-04:00

24 mars 2011 / Par Sonia Pépin / Écoutez la narration >

Un récit rocambolesque, audacieux et surprenant…

Censuré aux États-Unis, le film I Love You Phillip Morris est une adaptation d’un roman de Steve McVicker, journaliste au Houston Chronicle. Ce premier long métrage des scénaristes Glenn Ficarra et John Requa relate l’histoire vraie, totalement abracadabrante, d’un escroc flamboyant : Steven Russel (Jim Carrey). Dès les premières séquences, il nous rappelle, avec sa fuite incessante et ses nombreuses péripéties, le célèbre Catch Me If You Can. Avec plaisir et entrain, les cinéphiles suivent les tribulations du fraudeur invétéré; ils sont captivés par cette saga farfelue et romanesque.

Après avoir frôlé la mort, le père de famille et époux modèle de Debbie (Leslie Mann) décide de se libérer. Terminés les carcans familiaux, sociaux et culturels qui l’empêchent de vivre librement sa vie affective et sexuelle. Cet ancien flic redéfinit ses priorités, ses ambitions. Ainsi, Russel devient arnaqueur professionnel en vue de financer son statut d’hédoniste gai. Un nouveau style de vie extravagant qui nécessite duperies et fraudes, pour finalement lui valoir un premier séjour en prison. À la suite de cette arrestation, il fait la rencontre de Phillip Morris (Ewan McGregor) et tombe follement amoureux du jeune taulard. Pour les yeux de son beau blond naïf, Russel serait prêt à ne plus mentir. Sauf qu’il n’est pas si simple de cesser de raconter d’ingénieux mensonges, du jour au lendemain. Pour arriver à ses fins, le surdoué hors-la-loi use de stratagèmes, voire de magouilles, bravant tous les interdits, même sous les verrous.

Scénario loufoque et bien ficelé, celui-ci mêle comédie romantique et drame. La mise en scène est rythmée, avec de nombreux rebondissements inattendus. Humour intelligent, ironie et propos de second degré abondent des dialogues.

Le duo d’acteurs composé de Jim Carrey et Ewan McGregor fonctionne à merveille. Un rôle tragi-comique superbement interprété par un Carrey charismatique, drôle et loin de ses excentricités habituelles. À ses côtés, McGregor lui donne parfaitement la réplique. Sa performance est sensible et touchante. Quant à Leslie Mann, elle campe fort bien la femme fidèle et délaissée.

Cette ode à la liberté ne vous laissera pas indifférent !

2011-04-11T05:00:00.005-04:00

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Pour lire les chroniques cinéma publiées antérieurement, cliquez-ici.
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Godin

2011-04-08T09:54:00.002-04:00

18 mars 2011 / Par Sonia Pépin /

Personnage mythique et fascinant du Québec moderne…

Avec son passionnant documentaire intitulé Godin, le cinéaste Simon Beaulieu dresse un portrait du journaliste, poète et politicien, Gérald Godin (1938-1994). Dix-sept ans après sa mort, l’homme porteur de grands idéaux revit à l’écran. Le documentariste permet aux cinéphiles de redécouvrir cette figure marquante, voire incontournable, du paysage politique, social et culturel québécois. Il signe un film riche en contenu, émotions et montage, et ce, grâce à son méticuleux travail de recherche, échelonné sur cinq années.

Fervent défenseur de la langue du peuple, Gérald Godin ne mâchait pas ses mots. Fils de médecin de Trois-Rivières, il menait des combats sans fin pour affirmer et protéger le français. Inventeur de la « Cantouque* », de l’anglais cant-hook, il s’adressait à la foule en proclamant « sans vous, je ne suis rien. Avec vous, nous pouvons tout »! Godin était proche des gens, peu importe la couleur ou la langue. Le personnage se distinguait par son engagement viscéral à intégrer et rassembler les communautés culturelles, afin de bâtir un pays ensemble. De 1976 jusqu’à 1994, ce grand humaniste s’est dévoué corps et âme à la cause de la souveraineté du Québec. Au sein du Parti Québécois, il bat Robert Bourassa, premier ministre sortant dans Mercier, une circonscription multiethnique, lors de l’élection de 1976.

En plus de ce saisissant hommage, l’ouvrage comprend une chronologie abondamment illustrée d’exceptionnels documents d’archives : entrevues, films d’époque, témoignages, photos, discours, chansons, extraits de livre, etc.; ceci donnant largement la parole à cet homme de cœur. Plusieurs anciens amis et collaborateurs dont Denys Arcand, Jacques Parizeau, Jacques Godbout, Brigitte Sauriol, expriment leur attachement à celui qui est parti trop vite, à 55 ans.

Le réalisateur retrace le parcours unique, des années 60 jusqu’au référendum de 1995, d’un combattant visionnaire. Un être qui n’a cessé de se battre avec amour, idéalisme, poésie, détermination et humour. Sa dernière bataille contre le cancer du cerveau dura plus de dix ans. Cet auteur prolifique laisse un héritage littéraire et politique considérable. En complément, on revisite son histoire d’amour avec la chanteuse Pauline Julien, s’étalant sur une trentaine d’années. Tout au long du récit, la voix, le sourire et les chansons de celle-ci témoignent de son affection pour son époux.

Gérald Godin, « le député-poète », a laissé un souvenir impérissable !

* Appellation d’un poème qui trimballe des sentiments.

Stacey Kent et Jordan Officer

2011-04-02T13:12:00.013-04:00

15 mars 2011 / Par Sonia Pépin / Écoutez la narration >

Un univers intime, sobre et sensible…

Dans le cadre du Festival de Jazz en tournée, le jeune instrumentiste Jordan Officer était jumelé à l’interprète Stacey Kent. L’Étoile Banque Nationale accueillait ces deux talentueux artistes, qui sillonnent les salles de spectacles à travers la belle province. À tour de rôle, ils offrirent de sympathiques et remarquables prestations.

Compositeur et guitariste hors pair, Jordan Officer assurait la première partie du concert. Sur son premier album éponyme, uniquement instrumental, ce réel virtuose a fait de très beaux arrangements musicaux teintés de blues, jazz et country. Il a présenté à la foule ses œuvres et quelques reprises dont Sophisticated Lady, du grand Duke Ellington. Lui et ses deux acolytes, Yvon Plouffe (batteur) et Stephen Barry (bassiste), ont séduit d’emblée l’auditoire.

Appuyée par ses excellents musiciens, la rayonnante Stacey Kent entra sur scène à pas feutrés pour nous offrir les chansons de son dernier disque, Raconte-moi. Sous les applaudissements des spectateurs, elle entonna tout doucement C’est le printemps. Et, avec un immense sourire, elle interpréta Ces petits riens, de Serge Gainsbourg. En fredonnant Les eaux de mars, adaptée par Georges Moustaki sur une musique de Jobim, le charme de l’Américaine a opéré instantanément. Entre chaque morceau, cette amoureuse des mots et des langues (portugais, allemand et italien) raconta des anecdotes. Vinrent les pièces Accustomed / What Are You Doing, Mi Amor, Raconte-moi, Breakfast on the Morning Tram, Corcovado et Dreamer. Puis, elle a fait frissonner la salle avec The Ice Hotel. Dans un français impeccable, la nouvelle étoile du jazz a susurré Sait-on jamais, tout tendrement. Sur Coraçao et Samba Saravah, Stacey Kent se déhancha. Elle enchaîna avec Jardin d’hiver et a raconté, de son bel accent, son rendez-vous avec Henri Salvador. Généreuse, l’artiste clôtura la soirée sur You’ve Gotta a Friend et Wonderful World.

Son époux, Jim Tomlinson (saxophoniste), et ses collaborateurs lui permettent d’explorer une bossa-nova sensuelle et un jazz romantique. Sa voix envoûtante et limpide rappelle celles de Billie Holiday, Ella Fitzgerald et Blossom Dearie.

Jordan Officer et Stacey Kent ont tout pour plaire !

Vous pouvez consulter les sites officiels aux adresses : www.staceykent.fr et www.jordanofficer.com

Bienvenue à Los Pereyra

2011-03-31T22:55:00.003-04:00

11 mars 2011 / Par Sonia Pépin /

Une œuvre contemplative, touchante et sans prétention…

Premier documentaire d’Andrés Livov-Macklin, Bienvenue à Los Pereyra offre une fascinante incursion en territoire isolé, situé au nord de l’Argentine. Le réalisateur canado-argentin raconte l’événement annuel fort attendu par les habitants ruraux qui subsistent sans téléphone ni électricité. Entourés d’animaux et de magnifiques paysages, ils pratiquent l’agriculture et l’élevage sans aucune technologie.

Dans ce bourg perdu au cœur d’El Impenetrable, à 1 450 kilomètres de Buenos Aires, les enfants anticipent la visite de leurs marraines. Comme chaque année, ils sont bouleversés par l’arrivée des lycéennes issues des milieux favorisés de la capitale. Pendant cinq jours, ces jeunes filles transforment complètement la vie paisible des paysans. Elles comblent les manques affectifs, physiques et sociaux de ceux-ci. Enfants et instituteurs préparent la rencontre avec empressement, zèle et espoir. Cet acte charitable, soutenu par un programme gouvernemental, vise à promouvoir l’éducation auprès des plus démunis. Cela a permis de maintenir l’école, d’envoyer des fournitures scolaires et des lettres, et d’apporter des vivres à cette communauté.

Plutôt que le pouvoir des mots, Livov-Macklin privilégie la poésie des images. Certes, son film documentaire n’est pas une analyse sociologique, politique ou anthropologique. Entre les principaux personnages, les discussions auraient pu être plus riches et profondes. Il aurait été appréciable que le choc des cultures soit davantage approfondi. De nombreux regards posés par les enfants directement à la caméra, qui ne cherche pas toujours à s’éclipser, amoindrissent l’authenticité de leurs propos. Cependant, la musique de Gary Marlowe remédie à cette lacune.

L’épilogue apprend aux cinéphiles que les marraines ne revinrent pas à Los Pereyra, malgré l’émouvante complicité entre les villageois et elles.

Bienvenue à Los Pereyra est un périple silencieux et dépaysant !

Les invités de mon père

2011-03-28T00:15:00.041-04:00

4 mars 2011 / Par Sonia Pépin / Écoutez la narration >

Subtil, délicieusement caustique et profondément humain…

La comédie de mœurs Les invités de mon père est bien ancrée dans son époque. Avec intelligence, Anne Le Ny, actrice et réalisatrice, aborde ces thèmes d’actualité : les sans-papiers, la sexualité des personnes âgées et la famille. Sans ambages et avec espièglerie, elle s’interroge sur maintes émotions : amour fou, jalousie, déception, contrariétés fraternelles, altruisme, etc.

Lucien Paumelle (Michel Aumont) est un médecin à la retraite, veuf et ancien résistant. Fier de son passé, l’octogénaire défend de nombreuses causes humanitaires. Ses enfants, Arnaud (Fabrice Luchini) et Babette (Karen Viard), apprennent que leur père glorifié a décidé d’héberger dans son appartement parisien des sans-papiers. Ainsi, ils font la connaissance de deux clandestines moldaves : Tatiana (Veronica Novak) et Sorina (Emma Siniavski), respectivement mère et fille. Malgré ses 80 ans, le patriarche a contracté un mariage blanc avec la jeune femme des pays de l’Est, question de lui éviter l'expulsion. L'épouse d'Arnaud, Karine (Valérie Benguigui), est consciente que son beau-père n'a plus 20 ans. Pour un temps seulement, Babette, Arnaud et sa femme vivront un soulagement. Sans gêne et coriace, leur nouvelle belle-mère est prête à tout pour le bonheur de sa gamine. Le vieil homme revendique une dernière chance de bonheur charnel et conjugal. Concupiscent, il est prêt à déshériter ses enfants et à tourner le dos à ses nobles principes.

Femme aux talents multiples, Anne Le Ny a coécrit ce scénario, mordant et bien ficelé, avec Luc Béraud. De mémorables dialogues et des situations désopilantes parsèment le récit. Tour à tour, les cinéphiles sont amusés et émus face aux nombreuses contradictions des protagonistes.

Sobre, Fabrice Luchini s’impose par son franc-parler, son charisme et ses mimiques. Tout bonnement égal à lui-même. Pour sa part, on sent que Michel Aumont prend plaisir à incarner ce vieil amoureux transi et égoïste. Son jeu est remarquable. Superbe, Karen Viard, en fervente fille admirative, est déboussolée par les évènements.

Cette œuvre porte un regard réaliste sur les motivations humanitaires !

Des hommes et des dieux

2011-03-24T22:23:00.062-04:00

3 mars 2011 / Par Sonia Pépin / Écoutez la narration

Autour des mystères de la foi…

Auréolé du Grand Prix du Festival de Cannes, le film Des hommes et des dieux, de Xavier Beauvois, est un chef-d’œuvre universel et intemporel. Ce sublime long métrage a bouleversé plus de trois millions de spectateurs dans l’Hexagone. Un portrait contemplatif de la vie des moines cisterciens avant leur sauvage assassinat, en Algérie, nous est offert.

Le réalisateur français revient sur la tragédie de Tibhirine, survenue au milieu des années 90 dans les montagnes du Maghreb. Son inspiration : un scénario écrit par Étienne Comar, où le mystère plane toujours sur l’horrible massacre perpétré par des groupuscules islamistes ou des militaires corrompus. Jamais les coupables n’ont été identifiés.

À l'intérieur du monastère se déroule une vie de détachement total. Les moines trappistes vivent en harmonie avec la communauté musulmane. Ils prient et récitent des psaumes, entonnent des cantiques, soignent les malades, cultivent leur jardin, etc. La mort rôde dans ce lieu reculé; un climat de guerre civile s’installe. Plusieurs individus se font égorger. Le danger devient imminent pour ces religieux. Inquiets, leur courage vacille. Sommés par l’armée de quitter les lieux, ils refusent. Solidaires et sous l’allure d’un sacrifice, ils décideront de rester afin de soutenir le peuple magrébin. Bercé par la musique du Lac des Cygnes de Tchaïkovski, l’ultime repas au cours duquel les moines communient restera gravé à jamais dans la mémoire des cinéphiles. Pendant la nuit du 26 mars 1996, sept hommes de foi du monastère de Tibhirine sont kidnappés par des hommes armés jusqu’aux dents. Le frère Christian (Lambert Wilson) et le frère Luc (Michael Lonsdale) se retrouvent parmi eux.

Le cinéaste aborde de nombreuses notions : courage, tolérance, solidarité, héroïsme, liberté, résistance et barbarie. Aussi, une mise en scène épurée et méticuleuse, des dialogues justes et littéraires, des silences éloquents, des effets de clair-obscur et des images évocatrices ont su toucher les spectateurs. En prieur, Lambert Wilson offre une composition intense et en profondeur. À travers des gestes dont émanent bonté, dévouement et sens de l’humour, Michael Lonsdale, en moine-médecin, soigne patiemment ses villageois. L’acteur Jacques Herlin est irrésistible en frêle vieillard, c’est-à-dire le frère Amédée, doyen du monastère.

Un véritable coup de cœur pour ce film propice à la réflexion et à la sagesse !

Hindi Zahra

2011-03-22T09:07:00.023-04:00

25 février 2011 / Par Sonia Pépin / Écoutez la narration >

Un mélange sulfureux de soul, folk, jazz, blues et d’influence berbère…

Lauréate du prix Constantin 2010 et couronnée aux Victoires de la Musique en France, Hindi Zahra était de retour dans la métropole. Dans le cadre du Festival Montréal en lumière, l’auteure-compositrice-interprète foula les planches du Club Soda pour interpréter les titres de son album, Handmade. Instantanément, l’auditoire fut charmé par ces mélodies accrocheuses en berbère et en anglais.

Un style musical qui a été influencé par sa famille de musiciens touareg et kabyles, Oum Kalthoum, Ali Farka Touré, Bob Marley et Bob Dylan. Sur scène, Zahra était accompagnée de Thomas Naïm (guitariste), Simone Prattico (batteur), Nicolas Liesnard (pianiste), Abdenour Djemaï (guitariste) et Lucile Loison (choriste). Dès les premières notes d’At the Same Time, la voix lascive de la chanteuse d’origine marocaine vibra harmonieusement. Puis, la foule a chanté le refrain de l’irrésistible et nostalgique Beautiful Tango. Vinrent Fascination, Oursoul, Ahiawa, Set Me Free, The Man I Love, Old Friends et Try, des morceaux empreints de sensualité et de chaleur. Avec une ambiance folk et reggae, le spectacle se poursuivit sur Imik Si Mik, rythmé par les guitares acoustiques. Dans Kiss and Thrills, sur une musique suave, le chant voluptueux de l’artiste rappelle le blues du désert. À la fois vibrante et électrisante, l’Intro Orientale a permis aux musiciens de battre la mesure. Pour sa part, Stand Up est une composition séduisante avec ses arrangements simples et efficaces. L’artiste termina la soirée sur une note folk rock andalouse avec Music et Broken Ones, et quitta le podium d’un air ému.

Impossible de ne pas se laisser transporter par l’humour, le charisme, les jeux de mains et les pas de danse baladi et africaine de cette Parisienne d’adoption. Quelques ballades nous rappellent indubitablement Billie Holiday, India Arie, Yaël Naïm et la regrettée Lhasa.

Hindi Zahra et ses talentueux acolytes ont démontré sensibilité et authenticité !

Vous pouvez consulter son site officiel à l’adresse : www.hindi-zahra.com/fr

Biutiful

2011-03-18T00:19:00.003-04:00

23 février 2011 / Par Sonia Pépin / Écoutez la narration >

Une œuvre bouleversante, profonde et fascinante…

Réalisation très attendue d’Alejandro González Iñárritu, Biutiful est une réussite, même en l’absence du talentueux scénariste Guillermo Arriaga. Celui-ci avait collaboré au scénario d’une trilogie à la fois étonnante et bien ficelée : Amours Chiennes, 21 Grammes et Babel. Ainsi, Iñárritu s’est fait reprocher, par plusieurs critiques et cinéphiles, d’avoir rompu cette collaboration gagnante.

De façon habile, une atmosphère mélancolique s’instaure graduellement tout au long de ce récit plutôt linéaire. Exploitation des clandestins, corruption policière, violence conjugale, maladie, souffrance et mort sont autant de thématiques poignantes abordées par le réalisateur mexicain. Autour de son protagoniste, il crée une ambiance lugubre.

Ex-alcoolique, la femme d’Uxbal (Javier Bardem), Marambra (Maricel Alvarez), mine leur vie de famille avec ses violents épisodes maniaco-dépressifs. Dans un immeuble crasseux de Santa Coloma, un quartier défavorisé de Barcelone, l’homme élève seul ses deux jeunes enfants. Orphelin depuis sa tendre enfance, il est forcément perturbé en apprenant l’émergence d’une maladie grave. Sa vie bascule; l’avenir de ses proches le préoccupe. Avec son frère Tito (Eduard Fenández), il trempe dans un sordide trafic de main-d’œuvre : l’exploitation de sans-papiers. Aussi, pour une modique somme, Uxbal travaille à rassurer les familles en deuil quant à l’état d’âme des défunts. Sensible aux esprits, il communique avec les morts.

Iñárritu campe son récit dans un milieu glauque, à mille lieues des clichés touristiques habituels de la capitale catalane. Bien loin du nid à touristes qu’est la célèbre Rambla, avec ses immigrés clandestins offrant des produits contrefaits et qui se volatilisent dès l’apparition des policiers. Dialogues brefs et percutants, images riches et soignées, émotions palpables et puissantes : tels sont les éléments sur lesquels repose le film. Plusieurs amateurs en sortiront ébranlés, puis certains trouveront l’histoire trop longue.

Pour ce rôle renversant, Javier Bardem a été honoré de la Palme d’interprétation masculine à Cannes, l’an dernier. L’acteur espagnol, en lice pour un oscar, est époustouflant. Son air placide, sa vulnérabilité, sa sensualité, son intensité et son charisme demeurent inoubliables. Alvarez et Fenández incarnent avec panache la femme bipolaire et ce frère sans scrupule.

Biutiful est un drame pathétique, d’une sombre beauté !

L’imposture

2011-03-17T23:49:00.013-04:00

21 février 2011 / Par Sonia Pépin / Écoutez la narration >

Dévoiler la face cachée de l’industrie du sexe…

Avec L’imposture, son plus récent documentaire, la réalisatrice Ève Lamont propose une réflexion sur l’insoutenable réalité de la prostitution féminine. Ce percutant quatrième long métrage met à nu le plus vieux métier du monde et tente de briser tabous et non-dits. La documentariste dresse un portrait de femmes qui se sont prostituées, se prostituent ou cherchent à sortir de ce milieu. Les cinéphiles suivent de près le parcours, parsemé d’embûches, de ses protagonistes.

En 2006, la cinéaste a rencontré, à Montréal, Québec et Ottawa, plus de 75 femmes âgées entre 16 et 48 ans, toutes des prostituées. Parmi elles, plusieurs sont toxicomanes et viennent de familles dysfonctionnelles où la violence, le non-respect et l’alcoolisme étaient monnaie courante. Devenir travailleuses du sexe n’est pas un choix. Les témoignages touchants, à visage caché pour certaines, rappellent comment ces femmes sont à la merci de leur proxénète. Elles sont menacées, battues, abusées, droguées, violées ou laissées pour mortes.

Les quelques dollars rapidement gagnés en dansant, en faisant des massages érotiques, en travaillant dans des agences d’escortes ou sur la rue sont vite dépensés. Cindy, une ex-prostituée, raconte : « Je passais des nuits debout à consommer pour oublier ce que je vivais. J’étais rendue maigre comme un cure-dent et je me demandais ce que j’allais laisser à ma fille en héritage. Je veux montrer aux autres personnes que, oui, on peut s’en sortir. » Un dur combat que livre ces femmes pour changer de vie, se réinsérer socialement et retrouver l’estime de soi.

Rose Dufour, anthropologue, auteure et chercheuse en santé publique, réclame, pour ses victimes, des politiques sociales et des programmes spécifiques. Pour y arriver, Ève Lamont et elle demandent catégoriquement l’abolition de la prostitution. Plusieurs pays, comme la Suède, l’Islande, la Norvège, etc., œuvrent déjà dans ce sens. Sans client, celle-ci n’existerait pas.

L’imposture est une œuvre où le voyeurisme et le sensationnalisme n’ont pas leur place, où on fait plutôt place à l'honnêteté et au respect de ces vies brisées. En trame de fond, la musique de Catherine Major apporte une délicatesse appréciable.

Un film choc et bouleversant, à voir afin de démasquer cette imposture !

Lizz Wright

2011-03-11T10:45:00.009-05:00

19 février 2011 / Par Sonia Pépin /

Une voix sublime et envoûtante…

En l’espace de quatre opus, la chanteuse afro-américaine Lizz Wright s’est construit un parcours musical remarquable. L’artiste a fait étalage de son talent vocal sur les planches de l’Astral. Tout, chez elle, semble naturel et simple. Son concert intime, à guichets fermés, était très attendu par le public du Festival Montréal en lumière.

Voix puissante et personnalité réservée, Wright a livré des mélodies jazzy, soul, gospel et folk. Quatre talentueux musiciens l’accompagnaient sur scène : un claviériste, un guitariste, un bassiste et un batteur. Généreuse, elle a interprété plusieurs chansons de ses trois premiers albums et quelques-unes extraites de son tout dernier, Fellowship. Entre autres, les pièces Fellowship, Imagination, When I Fall, Trouble, Blue Rose, Walk With Me Lord, Hit the Ground, Coming Home, I Remember et Salt furent appréciées. Sa version a capella du blues Old Man, de Neil Young, fut très touchante. En rappel, l’auditoire a eu droit à Stop, une magnifique pièce de Madonna. La soirée s’est terminée sur Eternity, jouée avec la batterie seulement.

Que de chemin parcouru depuis sa série de concerts-hommage à Billie Holiday. L’auteure-compositrice-interprète possède un charisme inégalable et un sens inné de la mélodie. Bercée par le gospel pendant son enfance, cette native du sud de la Géorgie est passionnée de musique. Son registre de contralto rappelle ceux d’Anita Becker, Tracy Chapman et Joni Mitchell à ses débuts.

La voix grave et chaleureuse de Lizz Wright n’a pas fini de nous hanter !

Vous pouvez consulter son site officiel à l’adresse : www.lizzwright.net

Grace, Milly et Lucy… des fillettes soldates

2011-03-08T11:26:00.004-05:00

16 février 2011 / Par Sonia Pépin /

Une réalité méconnue, taboue et d’une tristesse infinie…

Le documentaire Grace, Milly et Lucy… des fillettes soldates, de Raymonde Provencher, évoque la tragédie des filles enrôlées de force par les troupes rebelles ougandaises. Elles y racontent leur calvaire.

Ces vingt dernières années, plus de 30 000 enfants ont été enlevés par l’Armée de résistance du Seigneur (LRA) dans le nord de l’Ouganda. Tous participent à la lutte sanglante menée par le chef rebelle Joseph Kony contre le gouvernement. Parmi ces jeunes, 30 pour cent seraient des filles. Âgées de 8 à 12 ans, elles deviennent de petites machines à tuer. Leur mission est de combattre les troupes gouvernementales dirigées par Yoweri Museveni.

Grace, Milly et Lucy témoignent du jour où leur univers a complètement basculé dans l’horreur. Nos trois protagonistes ont dû troquer leur jouet pour un kalachnikov, afin d’être entraînées et de servir comme mercenaires. Elles ont été ravies à leurs familles, séquestrées, maltraitées et violées. Les fillettes soldates deviennent des esclaves sexuels et doivent épouser leurs tortionnaires. Après des années de captivité en pleine brousse elles reviennent, dans leur village natal, accompagnées d’un ou plusieurs enfants.

Raymonde Provencher offre une tribune essentielle à ces jeunes victimes embrigadées dans des conflits armés. Aujourd’hui, ces ex-petites filles soldates mènent un dur combat pour se bâtir un avenir. Grace Akallo s'est enfuie après sept mois de captivité. Elle prononce des discours sur les forums et milite pour qu’il n'y ait plus jamais d'enfants soldats. Milly et Lucy ont fondé Empowering Hands, un programme d’action bénévole pour aider à la réinsertion sociale de leurs compatriotes.

Il est difficile de réapprendre à vivre pour ces mères « célibataires » ostracisées par leur communauté !

Bruno Coppens

2011-03-08T10:55:00.014-05:00

13 février 2011 / Par Sonia Pépin /

Fier ambassadeur de la langue française…

Avec ses hilarants jeux de mots, l’humoriste wallon Bruno Coppens était de passage à la salle Maurice-Savaria pour une représentation de Ma déclaration d’humour. Son spectacle, sans artifice, est un véritable délire verbal où les allitérations, calembours, mots-portemanteaux et saynètes prédominent.

Cet héritier belge de Sol, clown québécois incarné par Marc Favreau, jongle avec les mots sens dessus dessous. Il s’amuse avec leur sonorité en mêlant audacieusement les périodes historiques, les chansons et les auteurs. Ses blagues et ses contrepèteries s’enchaînent très bien les unes après les autres, faisant éclater de rire les spectateurs. Coppens ne laisse aucune seconde de répit à ses auditeurs attentifs, tout oreilles… bien ouvertes.

Le comique est une source intarissable d’anecdotes burlesques. À travers une succession de sketchs réellement tordants, l’artiste se transforme en personnages candides, voire déjantés : le père-mutant, l’intérim mère, etc. Dans ses numéros, le monologuiste utilise différentes figures de style, poésie, joie de vivre et commentaires rigolos. D’entrée de jeu, le verbomoteur sollicite notre esprit en avouant sa dépendance au téléphone cellulaire, puisque sa vie ne tient qu’à un sans-fil. Son interprétation d’un rédacteur pigiste travaillant dans une agence matrimoniale est délirante. Ce « négrivain » attend désespérément les appels des futures femmes de sa vie. Il se prépare en partageant cette réflexion : « Comme ça, je pourrai lui raconter les belles histoires d'amour... Roméo et Juliette, bien sûr, mais aussi Hamlet et Ophélie, et enfin Tristan et Iseult, ces deux couples inséparables tant il est vrai qu'on ne sait pas préparer d'Hamlet... sans caser Iseult! »

Décidément, Bruno Coppens est en « Sol » vif d’esprit !

Vous pouvez consulter son site officiel à l’adresse : www.brunocoppens.com

Straight No Chaser

2011-03-08T10:41:00.010-05:00

12 février 2011 / Par Sonia Pépin /

Un auditoire enchanté par la prestation des Américains…

L’ensemble vocal a cappella Straight No Chaser avait convié le public montréalais au Gesù. En ce samedi soir très hivernal à l’extérieur, mais fort chaleureux en salle, le concert affichait complet. Pour se réchauffer, quelque quatre cents personnes rassemblées pour vibrer aux sons pop, jazz et doo-wop. Une soirée tout à fait inouïe dans ce théâtre à l’italienne.

Dix talentueux chanteurs, avec leur charme naturel et spontané, sont arrivés sur scène en complet et cravate noirs. Avec brio et humour, ils ont livré les pièces de leur album de remix, With a Twist. Un opus riche de grands succès d’artistes populaires. Il les conduira sans aucun doute sur le chemin de la réussite.

D’entrée de jeu, le groupe de choristes a présenté la pièce Joy to the World. Suivirent le classique des Beatles Come Together, avec ses paroles rassembleuses, et la chanson I Heard It Through the Grapevine, de Marvin Gaye. La formation a enchaîné avec plusieurs titres dont Up on the Roof de Drifters, Africa de Toto, le célèbre Hi de Ho et Tainted Love, du groupe Soft Cell. Puis, la magnifique mélodie qui a propulsé les Red Hot Chili Peppers au sommet de la gloire, Under the Bridge, fut mise de l’avant. Chaque interprétation a été saluée par de longs applaudissements. Après l’entracte, les Américains sont revenus avec d’autres titres cultes comme : Stayin Alive des frères Gibb, Billie Jean, un mégasuccès de Michael Jackson, I’m Yours/Somewhere Over the Rainbow, version fusionnée de Jason Mraz et d’Israël Kamakawiwoole. La magie a continué d’opérer sur Wonderwall, l'une des chansons d’Oasis les plus reprises ces dernières années. Par la suite, les spectateurs ont eu droit à un medley des Jackson 5, Coldplay, Bon Jovi et Madonna. Ces succès ont été entrecoupés par Lion Sleeps Tonight, une chanson africaine. En rappel, un savoureux et vigoureux mélange de Lady Gaga fut présenté.

Chacun a raconté une anecdote pour se présenter et livrer ses hallucinantes prestations. Ces dix compères ont des voix superbes et une présence scénique remarquable. Au final, les gens esquissaient de larges sourires.

Straight No Chaser fusionne succès, talent pur et humour !

Vous pouvez consulter leur site officiel à l’adresse : www.sncmusic.com

Le Temps qu'il reste

2011-03-08T08:36:00.007-05:00

11 février 2011 / Par Sonia Pépin /

Un récit empreint de finesse, de poésie et d’humanité…

Dans un pays au bord de l’épuisement, en Galilée, Elia Suleiman dresse, avec Le Temps qu’il reste, un portrait impressionniste sur les houleuses relations israélo-palestiniennes. À travers la narration de son histoire familiale, l’acteur-cinéaste décrit la tragédie des Palestiniens d’Israël, depuis la guerre de 1948 à aujourd’hui.

Cette « chronique d'un présent-absent », scindée en quatre parties, témoigne de l’absurdité du conflit. Suleiman retrace soixante ans de combats, de morts, d’humiliation et de liberté entravée. Son inspiration provient des carnets personnels de son père, trafiquant d’armes, de lettres envoyées par sa mère aux membres de leur famille expatriés et de ses souvenirs d’enfance. Sous des abords contemplatifs, le réalisateur traite les situations récurrentes et burlesques avec tendresse. Un voisin s’asperge d’essence pour s’immoler, un char israélien vise un jeune homme au téléphone et des soldats qui n’osent pas interdire une danse illégalement orchestrée. Ils font acte de résistance en décidant de faire comme si de rien n’était. Tous ignorent l’ennemi et semblent agir de façon mécanique.

Malgré la lenteur du récit, les dialogues sont rares et concis, la mise en scène soignée et les silences éloquents. Saleh Bakri interprète tout en pudeur le père du célèbre scénariste. Il excelle dans son rôle de militant.

Sept ans après la présentation de son deuxième long métrage, Intervention divine, récompensé en 2002 par le Prix du Jury à Cannes, Suleiman revient sur la Croisette avec Le Temps qu'il reste, un des grands oubliés dudit festival. Il y a déjà 15 ans, il obtenait le prix du meilleur film à Venise, pour Chronique d'une disparition.

Elia Suleiman demeure un réalisateur inspirant, et surtout essentiel !

André Sauvé

2011-03-01T17:01:00.089-05:00

5 février 2011 / Par Sonia Pépin /

Délires et rires thérapeutiques assurés…

L’humoriste André Sauvé présentait au Monument-National son spectacle. Ce verbomoteur connaît un succès retentissant avec ses numéros loufoques, mis en scène par Pierre Bernard et Michel Ledoux. Dans un décor minimaliste, Sauvé réussit à tenir en haleine son public et à le faire rire aux larmes.

Une immense porte, une fenêtre et un escabeau décorent le lieu. Sur les planches, le mime-acteur incarne des personnages excentriques et sympathiques. Il se transforme en collectionneur, cobaye de compagnies pharmaceutiques, conteur anecdotique, pantin-ventriloque et victime de troubles obsessifs compulsifs. Sa folie est omniprésente. Le comique fait penser à Sol, personnage de Marc Favreau, dans son numéro du divan rouge où il s’empêtre dans ses élucubrations poétiques et psychologiques. Sauvé se tord de mille et une façons sur le sofa, sans interrompre son monologue. Ses expériences, en danse et en théâtre, lui sont fort utiles.

Le chétif humoriste arrive à nous émouvoir, à nous faire réfléchir et à déclencher l’hilarité. Enfin, même sa manière d’annoncer l’entracte est originale. Sauvé se démarque par son sens de l’observation aigu, son imagination fertile, ses idées biscornues et son regard d’illuminé. Avec brio, il saute du coq à l’âne sans perdre le fil. Associé à l’humour absurde et intelligent, Sauvé n'a pas peur du ridicule. Pénétrer son univers déjanté est une expérience en soi. Cet énergumène à la chevelure hirsute réussit à faire crier « moutarde » aux spectateurs, afin qu’ils puissent se recentrer. Sa parodie d’une strophe d’un poème d'Émile Nelligan, sous quinze façons différentes, est à la fois géniale et bidonnante. En rappel, dans une émouvante interprétation du monologue le Bonheur, l’humoriste rend un brillant hommage à son mentor, Yvon Deschamps.

André Sauvé est un monologuiste époustouflant, un brin cinglé !

Katie Moore

2011-02-26T20:34:00.045-05:00

3 février 2011 / Par Sonia Pépin /

Reconnue pour la pureté, l’authenticité et la douceur de sa voix d’ange…

De passage au Cabaret du Mile-End pour le lancement officiel de son dernier opus, Montebello, Katie Moore a offert une performance ensorcelante. L’auteure-compositrice et interprète, originaire de l’Alberta, a brûlé les planches devant une salle bondée d’admirateurs. En toute simplicité, Moore et ses cinq acolytes ont séduit l’auditoire avec cette musique country-folk, soul et bluegrass.

Sur scène, la rouquine était accompagnée d’excellents musiciens, soit un pianiste, un batteur et trois guitaristes. Tous ont offert une solide prestation. Dès son entrée, Moore a entamé la soirée avec Easy Send. Sa voix satinée et enchanteresse s’entendait bien sur Wake up Like This, cinquième extrait de Montebello. Et avec When You Disappear, son timbre fluide et juste s’élevait et se déployait. La chanteuse a poursuivi avec Heart Like a Wheel, oeuvre d'Anna McGarrigle, popularisée en 1975 par Linda Ronstadt. Puis, elle a livré Another Dollar, Don’t Poor Yourself, Josephine, Something on Your Mind et Bluebird. Des instrumentistes ont fait acte de présence le temps de quelques morceaux. En rappel, la jeune femme et ses complices sont revenus sur scène pour interpréter We Have Had Some Good Times et Montebello. Cette dernière pièce éponyme fait référence au sommet «Partenariat pour la sécurité et la prospérité» tenu en 2007 à Montebello, au Québec.

À l'écoute de ces chansons, les spectateurs pensent indéniablement à Joni Mitchell et Janis Joplin. Tout comme ces icônes, la douce voix de Moore nous transporte complètement. D’ailleurs, ses nombreuses collaborations auprès d’artistes renommés tels que Patrick Watson, Plants and Animals, Socalled, Chilly Gonzales et Feist en font état.

Catherine Cornfield, invitée sympathique et talentueuse, assurait la première partie du concert.

Nul ne saurait résister au charme et à la crinière de feu de cette incontournable interprète !

Vous pouvez consulter son site officiel à l’adresse : www.katiemoore.ca